Arditti Quartet en Madrid

El universo de la música contemporánea está poblado por grandes compositores que han teñido de gran brillantez la música del siglo XX y principios del XXI. Nunca ha estado muy claro a qué nos referimos cuando hablamos de música contemporánea, pero por lo que a mí se refiere, es la música de vanguardia que arranca a principios del siglo XX con la Segunda Escuela de Vienesa, donde compositores como Arnold Schönberg, Antón Webern y Alban Berg rompen con la tonalidad y abrazan la atonalidad y el dodecafonismo, la música que en los años cuarenta pasa por la Escuela de Nueva York, con compositores de la talla de John Cage, Morton Feldman, Earle Brown y Christian Wolf, y que en los años 70 se desplaza a los cursos de verano de Darmstadt, donde destacan compositores como Luigi Nono, Iannis Xenakis, Helmut Lachenmann, Pierre Boulez, Olivier Messiaen y Karlheinz Stockhausen entre otros. Hacia finales del siglo XX y principios del XXI , surgen movimientos más radicales como el protagonizado por colectivo Wandelweiser (Antoine Beuger, Jürg Frey, Michael Pisaro, Burkhard Schlothauer y Eva-María Huben), el EAI o Electroacoustic Improvisation (Radu Malfatti, Günter Müller, Taku Sugimoto, Tetuzi Akiyama, Toshimaru Nakamura, Sachiko M, Burkhard Stangl, ...) y compositores actuales, más eclécticos y difíciles de encuadrar, como por ejemplo Eliane Radigue, Klaus Lang, Jacob Ullmann, Mark Andre, Kunsu Shim, Tim Parkinson, James Saunders y Osvaldo Coluccino entre otros.

Pero el siglo XX también ha sido un siglo de grandes intérpretes, tanto individuales como ensembles. Y uno de los más grandes de los últimos cincuenta años ha sido el Arditti Quartet, que desde su fundación en 1974 por el violinista británico Irvine Arditti, ha grabado más de 180 discos (42 de ellos para el sello francés Montaigne), con cuartetos de cuerda y otras obras de cámara de prestigiosos compositores contemporáneos, muchas de ellas escritas para el propio cuarteto. Por el Arditti Quartet han pasado algunos de los mejores intérpretes de los últimos tiempos, como los violinistas Lennox McKenzie, Alexander Balanescu y Graeme Jennings, el violista Garth Knox y el cellista Rohan de Saram. Tal vez la formación más singular fue la de principios de los 80, con Irvine Arditti (Gran Bretaña), Alexander Balanescu (Rumanía), Levine Andrade (India) y Rohan de Saram (Sri Lanka). Y como curiosidad, solo una mujer ha sido formado parte del cuarteto, Helen Liebmann, que lo hizo entre 1976 y 1977, que por entonces también formaba parte del Penguin Cafe Orchestra.

La alineación actual del cuarteto está formada por Irvine Arditti y Ashot Sarkissjan (violines), Ralf Ehlers (viola) y Lucas Fels (cello), este último ex-miembro del magnífico Ensemble Recherche. Con esta formación, el Arditti Quartet se presentó el pasado martes en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de la Música de Madrid. El concierto estaba organizado por el CNDN (Centro Nacional de Difusión Musical) y en la sala estaríamos unas 250 personas, para un aforo de 700. La música contemporánea sigue siendo muy minoritaria.

El programa incluía cuatro composiciones:

Alban Berg – String Quartet Op. 3 (1910)
Wolfgang Rihm – String Quartet No. 13 (2012)
Tomás Marco – Cuarteto de Cuerda No. 6 “Gaia’s Songs” (2012)
Philippe Manoury – String Quartet No. 1 “Stringendo” (2010)

El cuarteto de Berg fue para mi lo mejor de la noche. Fue la última obra que Berg escribió bajo la supervisión de Arnold Schönberg, a quien le gustaba mucho, pero según parece no tuvo mucho éxito cuando se estrenó en 1911. Es de suponer que una música tan atonal no debía tener muchos adeptos por esos años. Para escribir el cuarteto, Berg se inspiró en la frustración que sentía con su suegro, que no le dejaba verse con su futura esposa, Helene. El propio Arditti ya lo había grabado en 1989 para el sello Montaigne, que lo publicó en 1994.

El “String Quartet No. 13” de Rihm, escrito en 2011, recibía el martes su estreno en España. El cuarteto fue un encargo al Arditti por parte de Cité de la Musique de Paris para celebrar su 60 aniversario, y allí fue estrenado el pasado 19 de enero. La obra, de unos 20 minutos de duración y con un trasfondo tonal, es muy típica del estilo ecléctico del Rihm, con continuos contrastes en los que trémolos y ataques se mezclan con pasajes repetitivos de largas notas de carácter lírico.

Tras el pertinente descaso, el Arditti Quartet arrancó con el “estreno mundial” de “Cuarteto de Cuerda No. 6” de Tomás Marco, con la presencia del propio compositor, que fue muy aplaudido cuando subió al escenario. El propio Marco dice que está realizado a base de elementos del canto de todo el mundo, así como su Sinfonía No. 8 “Gaia’s Dance” había usado como base elementos de danza de todas las culturas de la tierra. No conozco la música de Marco, pero este cuarteto de 2012, encargo del propio CNDM, tiene un aire abstracto muy “folkish”.

El concierto terminó con el String Quartet No. 1 del compositor francés Philippe Manoury (2010). También conocido como “Stringendo”, término que viene del inglés string (cuerda) y que indica una aceleración progresiva del tempo.. Fue un encargo de la Südwestfunk de Baden-Baden, y el propio Arditti la estrenó en el Festival de Donaueschingen de 2010. El cuadruple CD del festival fue editado el año pasado por el sello Neos, así que a quien le interese puede adquirirlo aquí. La obra está repleta de pizzicati, hasta el punto de que por momentos tengo la impresión de estar escuchando un “palomitero”. Para mí la más floja de las cuatro composiciones. El que la obra se llame “String Quartet No. 1” indica que otra composición suya de 1978 con el mismo nombre queda descatalogada. Es posible que en unos años, Manoury escriba otro “String Quartet No. 1” y éste que escuchamos el martes también quede descatalogado.

Escuchando
Morton Feldman - Piano and string quartet (Bridge 2012)
John Cage - Etudes Boreales·Harmonies·10’40.3” (Wergo 2010)
Mark Andre - ...22,13 ... (Neos 2012)
Christian Wolff - Kompositionen 1950-1972 (Edition RZ 2011)
Volker Heyn - Sirènes (Edition RZ 2011)
Haptic - Scilens (Entr’acte 2011)
Keith Rowe/John Tilbury - E.E. Tension and circumstance (Potlatch 2012)
Jozef van Wissem - The joy that never ends (Important 2012)
Jenny Hval/Havard Volden - Nude on sand (Sofa 2012)
Werner Dafeldecker/Theo Nabicht - Vessels (Absinth 2011)

Los mejores discos del 2011

En el discurrir de años anteriores siempre me había tropezado con algún disco que, desde la primera escucha, entendía que iba a convertirse en mi “disco del año”. Así había ocurrido con Raymond and Marie, Naldjorlak, Hearing metal 1 y el de Dante Boon para Wandelweiser. Estos cuatro discos han ocupado los primeros puestos de mi lista en los últimos cuatro años (2007-2010), así que ahora me enfrento al dilema de elegir el mejor disco en el quinto año de éste mi querido blog. Y no ha sido tarea fácil. Si bien este año ha habido buenos discos de nombres que pululan habitualmente por estas páginas (Cage, Feldman, Pisaro, Radigue, Rowe, Malfatti, ...), ninguno de ellos me había impactado tanto como para decir la famosa frase de Lynch “este es el disco”.

Así que ha sido una grata sorpresa cuando casi a finales del año, en sus últimos suspiros, ese disco ha llegado a mis manos. Se trata de una nueva grabación de una de las obras cumbre de John Cage, Etudes Australes, a cargo de la pianista Sabine Liebner, para el sello alemán Wergo. Etudes Australes es una composición para piano escrita entre 1974 y 1975, siguiendo las cartas estelares del Atlas Australis. En total son 32 estudios, agrupados en 4 libros de 8 estudios cada uno. Cage los escribió como dúos para dos manos independientes y con una notación convencional. La partitura no contiene indicaciones para las dinámicas de ataque y decadencia, ni instrucciones para el pedal o de cómo interpretar las notas. Cage dejó estas decisiones en manos de los intérpretes.

Hasta la fecha solamente había tres grabaciones completas de Etudes Australes en el mercado. La primera grabación la realizó la gran pianista alemana Grete Sultan, a quién Cage había dedicado esta composición, entre 1978 y 1982. Posteriormente la grabaron Claudio Crismani (1994-1996) y Steffen Schleiermacher (2001). Curiosamente, esta nueva grabación de Sabine Liebner es la más larga de las cuatro, con una duración total de 260 minutos, larguísima si la comparamos con los 204 minutos de Schleiermacher y los 169 minutos de la Sultan, sin mencionar los 112 de Crismani. O sea, que si utilizamos la de Grete Sultan como grabación de referencia, ya que Cage se la dedicó a ella y fue la única grabación completa que se realizó antes de la muerte de Cage, vemos que la grabación de Liebner es 90 minutos más larga. Una hora y media! Esto nos da una idea del tempo que esta genial pianista imprime a sus grabaciones (conviene recordar aquí que de todas las grabaciones de Triadic Memories de Morton Feldman, la más larga es también la de Sabine Liebner). En definitiva, un gran disco al que sin duda todavía le dedicaremos unas cuantas escuchas a lo largo del 2012, año en el que por cierto se celebrará el centenario del nacimiento de este genial, excéntrico y provocador compositor, nacido el 5 de septiembre de 1912 en Los Angeles, aunque siempre estuvo relacionado con la ciudad de Nueva York.

Aquí dejo el link del vídeo de Sabine Liebner en el Forum Neuer Musik 2011, en el que interpretó los Etudes Australes de John Cage.

Volviendo al tema que nos ocupa en este psot, a lo largo de este año he escuchado 148 discos editados en 2011, y de entre ellos he elegido los 20 que más me han gustado, más o menos en orden de preferencia:

1.- John Cage - Etudes australes (Wergo)
2.- Michael Pisaro - Hearing metal 2 & 3 (Gravity Wave)
3.- Eliane Radigue - Transamorem-transmortem (Important)
4.- Morton Feldman - Feldman edition 11: Orchestra (Mode)
5.- Graham Lambkin - Amateur doubles (Kye)
6.- Burkhard Stangl - Hommage à moi (Loewenhertz)
7.- Morton Feldman - Piano, violin, viola, cello (Bvhaast)
8.- Radu Malfatti/Keith Rowe - Φ (Erstwhile)
9.- John Cage - 108·109·110 (OgreOgress)
10.- Michael Pisaro - Asleep, street, pipes, tones (Gravity Wave)
11.- Morton Feldman/Barbara Monk Feldman - Strings, keyboard, percussion, voices, horn (OgreOgress)
12.- Lionel Marchetti/Olivier Capparos/Yôko Higashi - A blue book (Waystyx)
13.- Francesco Tristano - bachCage (Deutsche Grammophon)
14.- Socell 21 - Stabat mater dolorosa (Makro Musikverlag)
15.- Alvin Lucier - Almost New York (Pogus)
16.- Manfred Werder - Stück 1998 seiten 624-626 (Skiti)
17.- Molly Berg/Olivia Block/Steve Roden/Stephen Vitiello - Moss (12K)
18.- Tetuzi Akiyama/Takuji Kawai - Transition (Ftarri)
19.- Goh Lee Kwang - The lost testimony of Rashomon (Herbal)
20.- Ellen Fullman - Through glass panes (Important)

Como siempre, hay un buen puñado de discos que todavía no he tenido la oportunidad de escuchar y que podrían ser candidatos a entrar en esta lista, como por ejemplo el de Christian Wolf para Edition RZ, el Druids & questions de Eva-María Houben, la nueva grabación de Piano and string quartet a cargo de Vicki Ray y el Eclipse Quartet para Bridge, el DVD PostCage de OgreOgress y la ¿última? grabación de Rowe y Tilbury, esta vez para el sello francés Potlatch. Pero bueno, el año se acaba y los dejaremos para el 2012, que esperemos sea el último año de esta puñetera crisis que ya se está pasando de rosca.

Xenakis para violoncello

Uno de los discos que me introdujo en la profundidad de las procelosas aguas de la música contemporánea fue el “Chamber Music 1955-1990”, del compositor griego Iannis Xenakis, editado en 1994 por el histórico sello francés Montaigne. Por aquellas fechas mis inquietudes musicales estaban evolucionando desde el rock y otros géneros afines hacia músicas más complejas como el free jazz y la música contemporánea. No era fácil. En primer lugar la información no fluía como ahora, que con internet incluso llega a abrumarnos. Y si la información no fluía como ahora, mucho menos lo hacía la información sobre música, y todavía menos sobre música contemporánea. El rock, el blues, el jazz e incluso la música clásica tenían sus propios canales de información, pero la música contemporánea no cabía en ninguno de estos estilos. Demasiado académica para unos, demasiado vanguardista y rompedora para otros. En segundo lugar, tenías que cambiar tus hábitos de escucha, prestar más atención, ya que era un música que necesitaba mucha más concentración. Es decir, era difícil encontrar esta música, difícil seleccionarla y difícil escucharla. Los mimbres del minoritarismo, vamos.

Pero como he escrito al principio, uno de los discos que me convenció fue el “Chamber Music 1955-1990”. Contiene todas las obras de cámara que escribió Xenakis entre 1955 y 1990, interpretadas magistralmente por el Arditti Quartet y el pianista francés Claude Helffer. El disco se grabó en varias sesiones al lo largo de 1991, y por aquel entonces el cuarteto Arditti presentaba su alineación más prestigiosa: Irvine Arditti y David Alberman (violines), Grath Knox (viola) y Rohan de Saram (violoncello). El doble disco destaca por las tremendas interpretaciones de Nomos Alpha (1966) y Kottos (1977) a cargo del violoncellista Rohan de Saram y las magníficas versiones de Herma (1960-61), Evryali (1973) y Mists (1980) por parte del pianista Claude Helffer. El disco incluye también solos para violín, Mika (1971) y Mika “S” (1976) y para viola, Embellie (1981) y otras combinaciones entre cuerdas y piano y cuerdas.

Iannis Xenakis nació en Rumanía en 1922, pero cursó sus estudios en Grecia, donde perdió un ojo durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra tuvo que exiliarse a Francia, donde residió hasta su muerte en 2001. Entre 1948 y 1960 trabajó como ayudante del arquitecto francés Le Corbusier, aspecto que influyó sobremanera en su música, mientras estudiaba con músicos de la talla de Messiaen y Honegger. En 1965 se nacionalizó francés. Xenakis definía su música como estocástica, basada en conceptos matemáticos como las teorías de conjuntos y de probabilidades y la lógica simbólica.

Iannis Xenakis ha sido un compositor muy reconocido por sus obras electroacústicas (La Légende d’eer, Persepolis, Polytope de Cluny, ...) y orquestales (Kraanerg, Metastasis, Pithoprakta, ...), pero a mí siempre me ha interesado más su música de cámara. En este sentido, el sello norteamericano Mode tiene un magnífico catálogo con grabaciones de obras camerísticas de Xenakis, algunas de ellas muy recientes: "Works for Piano” (2006), con la genial pianista Aki Takahashi, “String Quartets” (2009), con el Jack Quartet, y “Works with Piano” (2010), con Aki Takahashi, Rohan de Saram y el Jack Quartet entre otros.

El último disco de Xenakis ha salido al mercado hace unos meses en el sello francés Aeon. Se titula “Complete Cello Works”, y en él el cellista belga Arne Deforce se atreve con ocho composiciones de Xenakis en las que el cello es el protagonista, bien solo o acompañado por otros músicos. En este último caso le acompañan miembros del ensemble musikFabrik, del que ya hemos escrito anteriormente en este blog. Lo primero que me llama la atención es la interpretación de esas dos grandes obras para cello, Nomos Alpha y Kottos. Las escucho con interés, y me gustan, pero luego pongo el disco de Montaigne, y palidecen contra la fuerza expresiva de la interpretación de Rohan de Saram. Interesante también la composición Paille in the Wind (1991), para cello y piano, que por fechas no pudo aparece en el disco de Montaigne. Aquí le acompaña al piano Daan Vandewalle, y también palidece en la comparación con la versión que Aki Takahashi y Rohan de Saram grabaron para el disco “Works with Piano” de Mode. El disco se completa con algunas buenas interpretaciones de composiciones escritas a finales de los ochenta y los noventa, como Epycicle (1989) para cello y ensemble de 11 músicos, con la colaboración del musikFabrik, Hunem-Iduhey (1996), con el violín de Wibert Aerts, y Roscobeck (1996), para cello y contrabajo. Finalmente, destacar la interpretación de Carisma (1971) para clarinete y cello, a cargo del clarinetista Benjamín Dieltjens. Como curiosidad decir que durante la escucha de Epycicle me viene constantemente a la cabeza el "Smoke on the water" de Deep Purple, escrita dieciocho años antes. En esencia, un buen disco con todas las obras que Xenakis compuso para cello (+1), con buenas interpretaciones de Deforce y musikFabrik, que si bien no llegan al imposible nivel del disco de Montaigne, merecen ser escuchadas y disfrutadas en su justa medida.

Escuchando
Iannis Xenakis - Complete cello works (Aeon 2011)
Lionel Marchetti/Olivier Capparos/Yôko Higashi - A blue book (Waystyx 2011)
Julia Kent - Green and grey (Important 2011)
Marino Formenti - Night studies (Col Legno 2011)
Jonas Kocher - Solo (Insubordinations 2011)
Loren Connors - Red mars (Family Vineyard 2011)
Toshimaru Nakamura - Maruto (Erstwhile 2011)
Nils Ostendorf/Philip Zoubek/Philippe Lauzier - Subsurface (Schraum 2011)

Rowe & Tilbury à Mulhouse

El próximo mes de diciembre, el sello francés Potlatch sacará la mercado un CD con la grabación del concierto que Keith Rowe y John Tilbury, dos tercios de AMM, grupo seminal de la improvisación electroacústica, ofrecieron en Les Instants Chavirés en Montreuil (París), en diciembre del 2010. Previsiblemente su título será "E.E. Tension and Circustance". Este disco tiene su importancia, ya que estos dos grandes de la improvisación no habían grabado juntos desde el año 2004, cuando editaron su último disco como AMM, Apogee (Matchless 2005).

El grupo AMM fue creado a mitad de los 60 por Keith Rowe (guitarra), Lou Gare (saxofón) y Eddie Prévost (batería). Su primer disco fue "AMMusic 1966" para el sello Elektra. A finales de los 60 pasaron por el grupo otros músicos y compositores de la vanguardia musical de la época como Christopher Hobbs, Christian Wolff y Cornelius Cardew. Rowe y Cardew fueron acercándose cda vez más al socialismo y maoísmo, lo que llevó a Prévost a acusarles de "intimidación cultural" (o bullying, como se conoce ahora). Estas desavenencias causaron la primera gran crisis en el grupo, que se partió en dos: Cardew y Rowe por un lado, y Prévost y Gare por el otro. Hacia finales de los 70, Rowe y Prévost ya habían hecho las paces, y junto con el pianista John Tílbury, dieron forma al AMM que iba a perdurar hasta el año 2004. Pero las relaciones entre Rowe y Prévost se había vuelto a deteriorar a principios del nuevo siglo, esta vez no por motivos políticos, sino estrictamente musicales. Prévost criticaba la dirección que estaba tomando la música de Rowe y su asociación cada vez más comprometida con jóvenes músicos del EAI (improvisación electro-acústica), entre los que se encuentran Taku Sugimoto, Toshimaru Nakamura, Sachiko M, Burkhard Stangl, Axel Dorner, Oren Ambarchi, ... principalmente a través del sello Erstwhile de Jon Abbey. En 2004 Prévost lo puso por escrito en su libro "Minute Particulars" (Matchless 2004), Rowe se enfadó y pegó un portazo dejando solos a Tilbury y Prévost, que han seguido grabando como duo (bien como AMM, bien como Tilbury/Prévost) hasta la actualidad.

Durante los 25 años que estuvieron juntos, el trio Rowe/Tilbury/Prévost grabó un buen puñado de discos imprescindibles, que influyeron profundamente en compositores, músicos del jazz y de la improvisación, productores y sellos discográficos de finales del siglo XX y principios del XXI, como por ejemplo "The inexhaustible document" (1987 ), Newfounland (1993), Live in Allenton USA" (1994") y "Fine" (2001), todos ellos para el sello Matchless. También en solitario los tres grabaron excelentes discos, principalmente John Tilbury y Keith Rowe. El primero grabó todas las obras para piano de Morton Feldman en el cuadruple disco "All Piano" (LondonHall 2000), para mi el mejor disco de la pasada década. Rowe, por su parte, grabó dos discos muy interesantes para el sello Erstwhile, The Room (2007) y Ertslive 007 (2008). Prévost, por su parte, grabó en solitario Entelechy (2006) para su propio sello Matchless.

Pero a los tres les gustaba decir que AMM no era un trio, sino que era un cuarteto, siendo el grupo mismo el cuarto miembro, como para enfatizar la importancia del grupo en su sonido. Y yo no puedo estar más de acuerdo con ellos. Como duo casi nunca han estado al mismo nivel que cuando estaban los tres. Como hemos dicho antes, Tilbury y Prévost siguieron grabando juntos (como AMM o como Tilbury/Prévost) cuando Rowe dejó el grupo en 2004, y al año siguiente sacaron a mercado "Norwich" (Matchless 2005). Desde mi punto de vista, el sonido metálico de las percusiones de Prévost nunca ha encajado bien con la sutileza del piano de Tilbury, al menos sin el contrapunto de Rowe, así que es posible que por esa razón en los últimos años hayan incorporado al grupo al saxofonista John Butcher, que acababa de dejar al grupo Polwechsel. Con él grabaron un par de discos, "Trinity" (Matchless 2008), curiosamente como AMM with John Butcher, y "Sounding Music" (Matchless 2010), esta vez como AMM y con la colaboración de John Butcher y Ute Kanngiesser al cello. Este año han vuelto ha insistir como duo con el disco "Uncovered correspondance: A postcard from Jaslo", como siempre para el sello Matchless.

Pero en mi opinión ha funcionado mejor el otro duo, el de Rowe y Tilbury. Solo han grabado juntos en una ocasión, el 7 de enero del 2003 en los estudios CCAM de Vandoeuvre-les-Nancy. El resultado fue "Duos for Doris" (Erstwhile 2003), que se aupó al puesto número nueve de mi lista de los mejores discos de la pasada década. Durante más de dos horas, la belleza de las notas del piano de Tilbury se desgarran entre la aspereza de la guitarra de Rowe, todo ello rodeado de una atmósfera triste y melancólica. Dos días antes de la grabación había muerto la madre de John Tilbury, Doris, a quien va dedicado el disco. Y eso se nota en el ambiente.

Pero por desgracia este magnífico disco no ha tenido continuación, por lo menos hasta la fecha, en la que Potlatch nos anuncia un nueva grabación del duo para el próximo mes de diciembre. Para ir abriendo boca, aquí dejo un link con otro concierto del duo el pasado 25 de agosto, en el marco del festival Meteo en Mulhouse, Francia.

Escuchando

Zeitkratzer - (Old School) Karlheinz Stockhausen (Zeitkratzer 2011) 

Tom Johnson - Orgelpark Color Chart (Mazagran 2011)

Tetuzi Akiyama/Takuji Kawai - Transition (Ftarri 2011)

Hauschka/Hildur Guðnadóttir - Pan Tone (Sonic Pieces 2011)

Kassel Jaeger - Aerae (Senufo Editions 2010)

Joëlle Leandre - Live at the Ulrichsberg Kaleidophon (Leo 2011)

Long string instrument

Long string instrument. Instrumento de cuerdas largo. Pero qué diablos es eso, me pregunté allá por el otoño del 2004, tras leer en alguna revista un comentario sobre el CD “Ort” de Ellen Fullman y Konrad Sprenger, editado por el sello alemán Choose Records. Curiosity killed the cat! Lo compré y me encontré con un interesante disco en el que Ellen Fullman y Jörg Hiller interpretaban siete temas escritos por la propia Fullman, además de realizar un par de lecturas muy personales de dos clásicos del country: el I Ain’t no Home de Woody Guthrie y John Hardy de A.P. Carter, si si, el de los Carter Family.

“Ort”, aunque pueda parecer lo contrario por la instrumentación utilizada (Ellen Fullman, además de las voces, toca el long string instrument, autoharp, clarinetes y sine tones, y Jörg Hiller, también conocido con Konrad Sprenger, participa con guitarras, bajos, percusiones, pianos, zither y electrónica) es un disco de canciones, de vanguardia, vale, pero canciones al fin y la cabo. Me llamó la atención la versión de John Hardy (1930), con la colaboración de Sonja Müller (violín) y las voces de Jessica Kenny y The Barn Owl Sisters, así como las composiciones de Fullman In the mist (1993), con la colaboración de James McCartney (SuperCollider), y Train (2001), donde Fullman nos deleita con su long string instrument.

Como siempre ocurre en estos casos, acabé investigando en la discografía de Ellen Fullman, para encontrarme con una veterana compositora nacida en Memphis, Tennessee, que a principios de los años 80, interesada en los tonos infinitos que producía la vibración de los cables largos, descubrió el long string instrument, que consiste en 100 cables, los de sonidos graves de unos 27 metros y los de sonidos agudos de entre 9 y 18 metros de longitud, todos afinados en “just intonation”, ya saben, cuando las frecuencias de las notas están relacionadas por ratios de números enteros pequeños. El long string instrument puede ser tocado hasta por tres intérpretes, frotando suavemente las cuerdas para extraer su extraño sonido. El aprendizaje de un instrumento como éste le llevó bastante tiempo, por lo que no grabó su primer disco hasta 1985, el LP “The long string instrument” (Apollo Records 1985). Tras dos cassettes auto-editados en 1987, “Works for 4 players and 90 strings” e “In the sea”), Ellen Fullman reapareció en 1993 con “Body music”, grabado por el sello Experimental Intermendia de Phil Niblock, en el que Scott Lehmann, Danièle Massie y la propia Fullman interpretan seis composiciones de esta última. Luego vendrían “Change of direction” (New Albion 1998), “Staggered stasis” (Anomalous Records 2004), coreografía escrita para la Deborah Hay Dance Company, y dos magníficas colaboraciones con músicos bien diferentes: una grabación en directo con el percusionista norteamericano Sean Meehan, editada por el sello suizo Cut en 2007, y la magnífica colaboración con la trombonista californiana Monique Buzzarté en el disco “Fluctuations” (Deep Listening 2008). Esta gran trombonista ya se había atrevido, en colaboración con el Arditti String Quartet, con el Five3 de John Cage para Mode Records.

Y ahora nos llega el magnífico “Through glass panes”, editado por el sello de Massachusetts Important Records, sello ecléctico donde los haya, y donde conviven sin problemas grabaciones de Eliane Radigue, Christina Kubisch, Josef van Wissem, Merzbow, Larsen, Acid Mothers Temple, Jon Mueller, Julia Kent, Hototogisu y los Masters Musicians of Bukkake entre otros muchos.

Antes de este “Through glass panes”, Important ya había publicado algunos detalles de Ellen Fullman, entre ellos un LP compartido con Eleh, editado en 2010, y “The Headlands” (2010), de Barn Owl & The Infinite String Ensemble, con la colaboración de Ellen Fulllman y Theresa Wong, cellista con la que ya había colaborado en el tema que abría disco “The harmonic series” (Important 2010), y en el que también participaban luminarias del “just intonation” como Charles Curtis, Zachary James Watkins, Greg Davis y pauline Oliveros entre otros.

Curiosamente, “Through glass panes” se abre con “Never gets out of me”, donde el cello de Theresa Wong navega suavemente entre las calmadas olas producidas por el long string instrument de Ellen Fullman, y le sigue “Flowers”, en la que las olas ya no son tan calmadas sino más resonantes, y en ellas se las arreglan como pueden el cello de Henna Chou y el violín de Travis Weller. Los dos temas son adaptaciones de “Stratified bands: last kind words”, escrita por Fullman para el Kronos Quartet en el festival Other Minds. Les sigue el tema que da título al disco, escrito como un homenaje a la armónica, y es una secuencia de patrones rítmicos que se interpretan tocando (o golpeando suavemente) las cuerdas del long string instrument con box bows (pequeñas cajas de cartón curvadas que hacen la función del arco), lo que produce sonidos minimalistas y pegadizos que por momentos me recuerdan al sonido del acordeón. El tema dura 21 minutos y a mí se me hace largo, tal vez con ocho o diez minutos hubiera sido suficiente. Es la única pega que le encuentro al disco, que se cierra con “Event locations No. 2”, otra pieza de 20 minutos, típica de Fullman en solitario con su long string instrument, y que en este caso si que justifica su duración. Un disco que no defraudará a los que ya conocen la música esta magnífica compositora, pero que también servirá como introducción para aquellos que no la conocen.

Escuchando
Steffen Schleiermacher - British! (MDG 2011)
Pulsinger/Kurstin/Jeffery/Heggen - Besides Feldman (Col Legno 2011)
Ellen Fullman - Through glass panes (Important 2011)
Jason Lescalleet - This is what I do: Volume One (Glistening Examples 2011)
Keith Rowe - Concentration of the stare (Bottrop-Boy 2011)
Michael Pisaro - Hearing metal 2 & 3 (Gravity Wave 2011)
Philip Corner/Manuel Zurría - Joy Flashings (Die Schachtel 2011)
Luc Ferrari - Visage 2/Après presque rien/Madame de Shanghai (Mode 2011)

Stabat mater dolorosa

"Stabat Mater dolorosa, iuxta crucem lacrimosa, dum pendebat filius. Cuius animam gementem, contristantem et dolentem, pertransivit gladius". Estas son las primeras palabras de la plegaria católica "stabat mater dolorosa" (estaba la madre sufriendo), plegaria que medita sobre el sufrimiento de María durante la crucifixión de su hijo. Escrita en el siglo XIII y atribuída a Papa Inocencio III y al franciscano Jacopone da Todi, stabat mater dolorosa es uno de los siete himnos latinos más importantes de todos los tiempos y una de las composiciones literarias a las que más veces se ha puesto música.

Hace unos días estaba escuchando el disco "two. too (for Erwin-Joseph Speckmann)" (EWR 2009) del compositor Antoine Beuger, interpretado por la soprano Irene Kurka y Jürg Frey al clarinete. Lo escuché por primera vez hace un par de años (quedó en cuarto lugar en mi lista del 2009) y desde entonces, siempre que vuelvo a escucharlo me maravilla lo bien que encaja la voz de esta soprano alemana en una composición tan minimalista como "two. too". Así que decidí rebuscar en la discografía de Irene Kurka. Aparte de este disco, en su web solo aparecen cuatro discos más, el más atractivo a priori "stabat mater dolorosa" (Makro Musikverlag 2011), en el que el duo Socell 21 (Irene Kurka, soprano y Burkart Zeller, violoncello), interpretan cuatro composiciones basadas en la plegaria "stabat mater" a cargo de las compositoras Christina Cordelia Messner, Brigitta Muntendorf, Makiko Nishikaze y Eva-Maria Houben. Interesante. No conozco la obra de las dos primeras, pero a Makiko y Eva-Maria las he seguido en los últimos años, principalmente sus grabaciones para el sello Wandelweiser.

Eva-Maria Houben es una compositora y organista alemana, nacida en 1955, que desde hace unos años forma parte del colectivo que gira en torno al sello Wandelweiser. En este sello ha publicado la mayor parte de sus grabaciones, que generalmente son austeras y largas composiciones para un solo instrumento, entre las que destacan Works for piano (2010), Works for double bass (2008), Works for tromba marina y Works for flute (2007) y Dazwischen/Immer anders for organ (2004). También este sello publicó Von da nach da (2007), magnífica composición para violín, saxofón y órgano, interpretada por Rommel Ayoub, Sebastian Jeuck y la porpia Houben al órgano.

Makiko Nishikaze nació en 1968 en Japón. En los años 90 y principios del nuevo siglo vivió en Berlin, donde formó parte del colectivo Wandelweiser, que editó dos discos suyos, los dos con composiciones para piano: Aqua·piano·aerial (1999), interpretada por la propia Makiko, y Pianopera I&II (2003), interpretada por John McAlpine. En 2010 el también sello alemán Wergo editó un disco con cuatro de sus composiciones interpretadas por el ensemble L'Art pour l'art.

Christina Cordelia Messner, compositora alemana afincada en Colonia, estudió violín y composición, y posteriormente completó su formación colaborando con músicos del campo de la improvisación como Steve Lacy y John Tchicai. Junto con Irene Kurka participa en el "all female" C.C. Messner Ensemble.

Brigitta Muntendorf nació en Hamburgo en 1982. Estudió composición con Younghi Pagh-Paan (2003-2005) y con Rebecca Saunders (2005 y 2010). Es directora artística del Ensemble Garage de Colonia.

El disco se abre con "st-mt" de Makiko Nishikaze, una composición austera (no podemos esperar otra cosa de quién vivió unos años en la isla Wandelweiser), con una magnífica introducción al violoncello a cargo de Burkart Zeller y una Irene Kurka que va entrando tentativamente en escena. Pequeños motivos vocales y susurros acompañan el discurrir del cello, a veces encontrándose, a veces no. Le sigue "crux" de Christina Cordelia Messner. Los primeros 30 segundos suponen un cambio brutal. Violoncello y soprano "gritando" al unísono, como para llamarnos la atención. Luego la calma. Lamentos de la soprano acompañados por lamentos del violoncello. La composición acelera y desacelera, e Irene Kurka sube y baja de intensidad, pero siempre con una belleza insondable. Así llegamos a la cumbre del disco, "stabat mater" de Eva-María Houben. A diferencia de las otras tres, "stabat mater" está escrita para soprano, violoncello y reproductor de cds. Dieciseis minutos de austeridad en estado puro, dieciseis minutos de fría y calculada belleza. Nada nuevo para quien conozca la obra de esta gran compositora alemana. El violoncellista diseña un manto de notas prolongadas acompañadas del sonido del lector de cds, sobre las que la soprano “lee” frases espaciadas del stabat mater. Magnífico. De lo mejorcito que he escuchado este año. El disco se cierra con "hin und weg" de Brigitta Muntendorf. En las pirmeras notas ocurre como con la composición de Messner: cambio radical con respecto a la de Houben. Es una composición de marcado carácter centroeuropeo, con la soprano recitando en alemán mientras el violoncello juguetea a su alrededor. Al final el violoncellista se decide a cantar y acompaña a la soprano. En mi opinión la más floja de las cuatro, pero que en absoluto erosiona un ápice la calidad de un disco magnífico.

Escuchando
Socell 21 - stabat mater dolorosa (Makro Musikverlag 2011)
musikFabrik - musikFabrik Edition 5: Kronüng (Wergo 2010)
Dominic Lash/Patrick Farmer/Sarah Hughes - Droplets (Another Timbre 2011)
Christina Kubisch - Mono fluido (Important Records 2011)
Reinhold Friedl - Inside piano (Zeitkratzer Records 2011)
John Cage/Pierre Boulez - Structures & Music for piano (Hat Hut 2011)

Four3

Hace un par de años, el sello británico Another Timbre editaba un CD titulado "Decentred" (at18), con el subtítulo de "Improvisations and realisations of indeterminate scores by Michael Pisaro and John Cage", en el que un grupo de destacados músicos de la improvisación británica (Tom Chant, Angharad Davies, Benedict Drew y John Edwards) se atrevían con tres "scores" del compositor Michael Pisaro, y más sorprendente, o no, según como se mire, se atrevían con el "Four6" de John Cage. Y digo sorprendente o no, porque esta “composición” de John Cage, escrita en 1992, ya había sido grabada anteriormente por músicos tan poco sospechosos de intérpretes contemporáneos como Sonic Youth.

Escribí sobre Four6 y todas sus grabaciones aquí, pero curiosamente, después de ese post Four6 ha sido publicada en tres ocasiones más: la primera a cargo del ensemble radical Zeitkratzer en el CD “Old School John Cage” (Zeitkratzer Records 2010). La segunda por el saxofonista Ulrich Krieger en “A Cage of Saxophones Vol. 3 & 4” (Mode 2010). Por último, el sello New World publicó a finales del año pasado “Music for Merce”, caja con 10 CDs que contiene infinidad de composiciones escritas entre 1952 y 2009 para el ballet de Merce Cunningham, entre las que podemos encontrar un extracto de 11 minutos de Four6, interpretado por Takehisa Kosugi, Stuart Dempster, Paul DeMarinis y Jim O’Rourke.

Parece ser que las “number pieces” de John Cage, y en especial Four6, se adaptan perfectamente a los gustos de los músicos improvisadores de finales del siglo XX y principios XXI. No en vano, muchos de estos músicos reconocen abiertamente la influencia de estas “composiciones” que Cage escribió en sus últimos años de vida, entre 1987 y 1992. Cage describió Four6 "para cualquier forma de producir sonidos (vocalizando, cantando, tocando cualquier instrumento o instrumentos, electrónica, etc ...)”, lo que la hace lo suficientemente abierta como para que encaje como anillo al dedo de estos nuevos improvisadores.

Siguiendo en esta línea, el sello Another Timbre acaba de lanzar el CD “No Islands” (at46), a cargo de otro cuarteto de improvisadores de la escena británica: Stephen Cornford (piano amplificado), Patrick Farmer (giradiscos y electrónica) y Sara Hughes (zither), y la colaboración del músico griego y director del sello Organized Music from Thessaloniki, Kostis Kilymis. El disco se abre con dos improvisaciones de 9 y 17 minutos de duración y se cierra con otra versión de Four6. Es una versión diferente a las demás (como todas las demás), en la que los cuatro músicos van desempolvando sonidos en medio del piar de unos de pájaros que conforman lo que bien pudiera ser “el quinto músico”. Una muy interesante lectura de Four6 que merece la pena escuchar.

Pero no se por qué me he alargado tanto con Four6, si de lo que realmente quería hablar era de Four3, otra number piece de Cage, escrita en 1991, uno de los años más prolíficos de este prolífico compositor. Como bien reza el título, Four3 fue escrita para cuatro intérpretes: uno o dos pianos (si son dos, uno tiene que estar fuera de la sala), violín u oscilador, doce rainsticks (creo que en castellano se llaman palos de lluvia, y son como unos palos huecos llenos de pequeñas piedras, originarios de Sudamérica y que servían para atraer a las lluvias) y silencio. Al igual que Four6, tiene una duración de 30 minutos, y Cage la escribió para la obra de ballet "Beach Birds" de Compañía de Merce Cunningham.

La partitura de Four3 consta de una portada con las instrucciones escritas en el reverso, una página con paréntesis de tiempo vacíos (flexibles), y seis folios con una partitura llamada “Extended lullaby”, que deriva del concepto de ”chance operation”. Las doce caras de los seis folios están numeradas y contienen cuatro sistemas simples con la escritura musical tradicional. Los cuatro músicos interpretan cuatro acciones diferentes, siguiendo los intervalos de tiempo marcados, a elegir entre:

     1. Silencio
     2. Sonido de un rainstick
     3. Onda sinusoidal, tocada con violín u oscilador
     4. Extractos de la partitura Extended lullaby (pag. 1-6 y 7-12), tocadas en el piano.

Extended lullaby es un conjunto de doce variaciones aleatorias del cantus firmus y el contrapunto de la obra Vexations, del compositor francés Erik Satie. Los rainsticks tienen que moverse inclinados, teniendo cuidado de que no se interrumpa el sonido que generan. El violín u oscilador se toca en Do agudo sin vibrato. Todo debe interpretarse pianísimo y lo más lento posible.

En mi opinión es una de las mejores “number pieces” de Cage, al menos en su interpretación por parte de Martine Joste y Dominique Alchourroun (piano y rainsticks), Ami Flammer (violín y rainsticks) y Jean Michaut (rainsticks), en uno de los mejores discos de John Cage, “The Number Pieces I” (Mode 1995). Además de la magnífica interpretación de Four 3, Martine Joste nos regala una brillante versión de One5, y Martine y Ami Flammer una no menos brillante realización de Two6. También fue grabada por Steffen Schleiermacher (piano, piano de juguete y rainsticks) y Andreas Seidel (violín) para el CD “Complete Piano Music Vol. 10” (MDG 2002), pero sin llegar al nivel de la de Mode.

Así que solamente tenemos dos grabaciones completas de Four3, a las que podemos añadir dos extractos: una en el disco “Fourteen-Four6-Four3” (Megadisc 2007), en la que The Barton Workshop interpreta un extracto de 19 minutos, y otra de 15 minutos en el anteriormente mencionado “ladrillo” de New World “Music for Merce”, a cargo de Takehisa Kosugi, David Tudor, Michael Pugliese y John D.S. Adams. Muy poco para una obra tan importante.

Escuchando
Helmut Lachenmann – Guero/Pression/Gran Torso (Edition RZ 1990)
Elianne Radigue – Transamorem-transmortem (Important 2011)
Luc Ferrari – Piano & percussion works (Hat Hut 2011)
Roman Haubenstock-Ramati – Pour piano (Hat Hut 1996)
Bertrand Denzler – Tenor (Potlatch 2010)
Stephen Cornford/Patrick Farmer/Sarah Hughes/Kostis Kilymis - No islands (Another Timbre 2011)

Triptych, los conciertos

En una entrada del pasado 27 de mayo anunciaba los conciertos que iban a tener lugar en el mes de junio en Londres bajo el título "Triptych: The Music Of Eliane Radigue", organizados por el colectivo Sound and Music.

Para los que no pudieron ir a Londres en esas fechas, les dejo los links para que puedan descargar los conciertos. Laa grabaciones están realizadas desde la audiencia, por lo que el sonido está lejos de ser perfecto, y además pueden escucharse ruidos ambientales como estornudos, coches, .... Pero merece la pena escuchar el esteno mundial de Occam I a cargo de Rhodri Davies o las interpretaciones del ciclo completo de Naldjorlak a cargo de Charles Curtis, Carol Robinson y Bruno Martinez.

Programa
https://rapidshare.com/files/774342641/Triptych.rar

14 de junio
Elemental II (2004) - The Lappetites: Kaffe Matthews, Antye Greie & Ryoko Akama, laptops
Occam I (2011) - Rhodri Davies, harp
https://rapidshare.com/files/3918794058/Eliane_Radigue_2011-06-14_part_one.rar
Elemental II (2004) - Kasper T Toeplitz, electric bass, computer
https://rapidshare.com/files/1080320260/Eliane_Radigue_2011-06-14_part_two.rar

21 de junio
Naldjorlak I, II, III (2005-2008)
Naldjorlak I - Charles Curtis, cello
https://rapidshare.com/files/2551105750/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_one.rar
Naldjorlak II - Carol Robinson, Bruno Martinez, basset horns
https://rapidshare.com/files/2449000184/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_two.rar
Naldjorlak III - Charles Curtis, Carol Robinson, Bruno Martinez
https://rapidshare.com/files/1735881218/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_three.rar

Cy Twombly

En 1962 Cy Twombly pintó un cuadro que define muchos de los compromisos de su obra. El cuadro, que no tiene título, está dividido en dos partes por una línea horizontal situada a dos tercios de altura. A lo largo del borde inferior del lienzo, Twombly escribió un fragmento de la poetisa griega Sappho: “But their heart turned cold + they dropped their wings” (Y sus corazones se enfriaron + bajaron sus alas). La frase sugiere una oscilación entre reinos superiores e inferiores, nos evoca un clásico reino distante, incluso la agarrotada y torpe mano que hace que las palabras se materialicen.

En el tercio superior del lienzo, Twombly nos proporciona un código para su interpretación: un círculo blanco arremolinado en rosa donde se lee “blood” (sangre), una agresiva X roja donde se lee “flesh” (carne) y una masa pegajosa de color marrón donde puede leerse “earth” (tierra), o posiblemente "youth" (juventud). En un delicado disco de tenue pintura blanca podemos leer “clouds” (nubes) y en una brillante moneda en forma de lápiz de grafito, “mirror” (espejo). Con este código, Twombly nos ofrece, dentro de un marco dibujado, un abanico de posibilidades para la definición de señales “per se”, como para mantenerlas aparte de las referencias más directas de las palabras.

Los elementos del código provienen de tres campos distintos de la experiencia: lo elemental (tierra y nubes), lo somático (carne y sangre) y lo subjetivo (espejo). Tres campos que se pueden relacionar con otros tantos géneros de la pintura al óleo: paisaje, figura y autorretrato, respectivamente. En esta obra de 1962 observamos la invocación de Twombly al mito y la poesía, su vacilación entre lo alto y lo bajo, y su estancia sostenida en el umbral donde la escritura se convierte en dibujo o pintura. Tal vez más importante, vemos en esta obra como señales y palabras, en la colaboración y en la contra distinción, construyen un significado de manera diferente. Como escribió John Berger, Twombly “visualiza con colores vivos el espacio silencioso que existe entre y alrededor de las palabras”.

Cy Twombly murió el pasado martes en Roma. Tenía 83 años y era uno de los últimos representantes del expresionismo abstracto. Nacido en Virginia en 1928 con el nombre de Edwin Parker Twombly, lo cambió por “Cy” por el jugador de béisbol Cy Young. En 1957 se trasladó a Italia, donde dos años después se casaría con la artista italiana Tatiana Franchetti, hermana de Girogio Franchetti, patrón de Twombly, y se trasladó a Roma, donde vivió los últimos 50 años de su vida.

La obra de Twombly se ha caracterizado por grandes pinturas abstractas, muy en el estilo de sus colegas Rothko y Pollock. Este último ejerció una enorme influencia en Twombly, al igual que los surrelistas, lo que confirió a su obra un extraño balance entre la pintura y el dibujo. Muchas de sus pinturas de los años 60 parecen pizarras de colegio en las que un estudiante ha garabateado enormes líneas curvas continuas, lo que en muchas ocasiones llevó a compararlo con los graffiti, comparación que Twombly rechazaba enérgicamente, ya que no compartía su carácter violento. Más adelante, su obra se vería influenciada por la mitología clásica, griega y latina, y por toda la literatura europea. En sus obras aparecían inscripciones, nombres de personajes mitológicos, citas de poemas clásicos, así como elementos de fuertes connotaciones sexuales.

En 2008 se realizaron en España dos exposiciones de Twombly: del 26 de junio al 28 de septiembre en el Museo del Prado, y del 28 de octubre al 15 d efebrero del 2009 en el Guggenheim de Bilbao. Si te las perdiste, échales un vistazo a las web de los dos museos. Merece la pena. Y si como a mi te gusta la pintura de Cy Twombly, aquí tienes el enlace con la galería de obras del genial pintor norteamericano.

Escuchando
Clara Maïda - In Corpore Vili (Edition RZ 2010)
Giuliano d'Angiolini - Simmetrie di Ritorno (Edition RZ 2010)
Harley Gaber - Indra's Net (Edition RZ 2010)
Michael Moser - Resonant Cuts (Edition RZ 2010)
Patrick Kosk - Mondweiß (Edition RZ 2008)
Klaus Lang - Einfalt.Stille (Edition RZ 2007)
Agostino di Scipio - Hörbare Ökosysteme: Live Elektronische Kompositionen 1993-2005 (Edition RZ 2007)
Jakob Ullmann - A Catalogue Of Sounds (Edition RZ 2005)

Two Feldmans

Better than one, que dicen en mi pueblo. Llevo unos meses escuchando el magnífico DVD "Strings, Keyboard, Percussion, Voices, Horn", editado a finales del pasado año por el sello OgreOgress. El DVD contiene un buen puñado de composiciones inéditas de Morton Feldman y de Bárbara Monk Feldman. En total, seis composiciones de Morton escritas entre 1948 y 1972, y cuatro composiciones de Barbara escritas entre 1988 y 1998.

Este blog contiene varias entradas dedicadas a la música de de Morton Feldman, pero no recuerdo haber escrito nada acerca de Barbara Monk. Nacida en Québec en 1950, estudió composición con Bengt Hambræus en la Universidad McGill (Montréal) entre 1980 y 1983, y con Morton Feldman en la Universidad Estatal de Nueva York (Buffalo) entre 1984 y 1987, con quien acabaría casándose en 1987 unos meses antes de la la muerte de éste en septiembre de 1987. Barbara, compositora principalmente de música de cámara, también ha escrito obras vocales, para orquestas y para piano.

La primera parte del DVD contiene, como hemos dicho al principio, primeras grabaciones de seis composiciones de Morton Feldman, lo que ya de por sí es una noticia excelente. El DVD comienza con "Two pieces (for Danny Stern)", dos piezas cortas (0'30" y 1'22") para cello y piano, escritas en 1948 (conviene recordar aquí que las primeras composiciones de Feldman datan de 1943), despachadas en un plis plas por Karen Krummel (cello) y Paul Hersey (piano). Les siguen dos de las mejores composiciones del disco, "Extensions 5" (1953) para 2 violoncellos y "Two Instruments" (1958) para violoncello e instrumento de viento, magníficamente interpretadas por Karen Krummel y Alicia Eppinga la primera, y la propia Karen Krummel y Paul Austin la segunda. Estas dos composiciones nos llevan con más claridad al universo sonoro de Feldman, sobre todo Two instruments, donde las notas son estiradas hasta llegar al silencio. El disco continúa con dos miniaturas vocales, que nos preparan para el otro momento álgido del disco, "Dance Suite (for Merle Marsicano)", escrita en 1963 para percusión y piano/celesta. Dividida en cuatro partes, es una composición oscura, basada en percusiones cuasi-fúnebres (tambores, campanas, ...), y que en cierta manera me recuerda mucho a otra de sus grandes obras, Rothko Chapel, a la que por cierto precede en ocho años. Aquí está interpretada por Glenn Freeman (percusiones) y Debora Petrina (piano). Y para terminar la parte de Morton Feldman, una curiosidad: "For Stockhausen, Cage, Stravinsky and Mary Sprinson" (1972) para cello y piano: 37 segundos de puro sonido Feldman.

La segunda parte está dedica a la música de Barbara Monk Feldman. Contiene cuatro composiciones muy "Feldmanescas", que podrían llevarnos a pensar que nos son más que bocetos de composiciones del propio Feldman, que Barbara encontró en un cajón a la muerte de éste, y se dijo a sí misma: "ahora que no me ve nadie, les pongo mi firma", y ale, ya tenemos un puñado de composiciones de Barbara Monk Feldman. La primera de ellas, "Duo for Piano and Percussion" (1988) es una bella composición para piano y percusión, que nos recuerda a las "late pieces" de Morton, pero sin arrastrar tanto las notas. Le siguen "The Gentlest Chord" (1991) para voz (Feldman en estado puro), interpetada por Gwendolyn Faasen, y "Clear Edge" (1993) para piano. Han pasado seis años desde la muerte de Morton, y su influencia en la música de Barbara se va diluyendo, volviéndose ésta más melódica. El disco acaba con "Pour un Nuage Violet" (1998) para violin y cello, magníficamente interpretada por Karen Krummel y Christina Fong, en la que parece que Barbara ya se había olvidado de su ex-marido, creando una composición austera que bien pudiera encajar entre las "number pieces" de John Cage.

Un excelente disco que viene a completar un catálogo, el de OgreOgress, que ya este 2011 nos había dado otro magnífico disco del que ya hablamos aquí en su momento: "108·109·110" de John Cage.

Escuchando
Koboku Senjû - Selektiv hogst (Sofa 2010)
Martine Altenburger/Frédéric Blondy/Bertrand Gauguet - Vers l'île paresseuse (Creative Sources 2011)
Ann Southam - Simple lines of enquiry (Centrediscs 2009)
Matthias Pintscher - Janusgesicht (Wergo 2002)
Iannis Xenakis - String quartets (Mode 2009)
Michael Francis Duch - Edges (+3db 2010)