forgotten memories

Los mejores discos del 2011

2011-12-31T16:41:00.008+01:00

En el discurrir de años anteriores siempre me había tropezado con algún disco que, desde la primera escucha, entendía que iba a convertirse en mi “disco del año”. Así había ocurrido con Raymond and Marie, Naldjorlak, Hearing metal 1 y el de Dante Boon para Wandelweiser. Estos cuatro discos han ocupado los primeros puestos de mi lista en los últimos cuatro años (2007-2010), así que ahora me enfrento al dilema de elegir el mejor disco en el quinto año de éste mi querido blog. Y no ha sido tarea fácil. Si bien este año ha habido buenos discos de nombres que pululan habitualmente por estas páginas (Cage, Feldman, Pisaro, Radigue, Rowe, Malfatti, ...), ninguno de ellos me había impactado tanto como para decir la famosa frase de Lynch “este es el disco”.

Así que ha sido una grata sorpresa cuando casi a finales del año, en sus últimos suspiros, ese disco ha llegado a mis manos. Se trata de una nueva grabación de una de las obras cumbre de John Cage, Etudes Australes, a cargo de la pianista Sabine Liebner, para el sello alemán Wergo. Etudes Australes es una composición para piano escrita entre 1974 y 1975, siguiendo las cartas estelares del Atlas Australis. En total son 32 estudios, agrupados en 4 libros de 8 estudios cada uno. Cage los escribió como dúos para dos manos independientes y con una notación convencional. La partitura no contiene indicaciones para las dinámicas de ataque y decadencia, ni instrucciones para el pedal o de cómo interpretar las notas. Cage dejó estas decisiones en manos de los intérpretes.

Hasta la fecha solamente había tres grabaciones completas de Etudes Australes en el mercado. La primera grabación la realizó la gran pianista alemana Grete Sultan, a quién Cage había dedicado esta composición, entre 1978 y 1982. Posteriormente la grabaron Claudio Crismani (1994-1996) y Steffen Schleiermacher (2001). Curiosamente, esta nueva grabación de Sabine Liebner es la más larga de las cuatro, con una duración total de 260 minutos, larguísima si la comparamos con los 204 minutos de Schleiermacher y los 169 minutos de la Sultan, sin mencionar los 112 de Crismani. O sea, que si utilizamos la de Grete Sultan como grabación de referencia, ya que Cage se la dedicó a ella y fue la única grabación completa que se realizó antes de la muerte de Cage, vemos que la grabación de Liebner es 90 minutos más larga. Una hora y media! Esto nos da una idea del tempo que esta genial pianista imprime a sus grabaciones (conviene recordar aquí que de todas las grabaciones de Triadic Memories de Morton Feldman, la más larga es también la de Sabine Liebner). En definitiva, un gran disco al que sin duda todavía le dedicaremos unas cuantas escuchas a lo largo del 2012, año en el que por cierto se celebrará el centenario del nacimiento de este genial, excéntrico y provocador compositor, nacido el 5 de septiembre de 1912 en Los Angeles, aunque siempre estuvo relacionado con la ciudad de Nueva York.

Aquí dejo el link del vídeo de Sabine Liebner en el Forum Neuer Musik 2011, en el que interpretó los Etudes Australes de John Cage.

Volviendo al tema que nos ocupa en este psot, a lo largo de este año he escuchado 148 discos editados en 2011, y de entre ellos he elegido los 20 que más me han gustado, más o menos en orden de preferencia:

1.- John Cage - Etudes australes (Wergo)
2.- Michael Pisaro - Hearing metal 2 & 3 (Gravity Wave)
3.- Eliane Radigue - Transamorem-transmortem (Important)
4.- Morton Feldman - Feldman edition 11: Orchestra (Mode)
5.- Graham Lambkin - Amateur doubles (Kye)
6.- Burkhard Stangl - Hommage à moi (Loewenhertz)
7.- Morton Feldman - Piano, violin, viola, cello (Bvhaast)
8.- Radu Malfatti/Keith Rowe - Φ (Erstwhile)
9.- John Cage - 108·109·110 (OgreOgress)
10.- Michael Pisaro - Asleep, street, pipes, tones (Gravity Wave)
11.- Morton Feldman/Barbara Monk Feldman - Strings, keyboard, percussion, voices, horn (OgreOgress)
12.- Lionel Marchetti/Olivier Capparos/Yôko Higashi - A blue book (Waystyx)
13.- Francesco Tristano - bachCage (Deutsche Grammophon)
14.- Socell 21 - Stabat mater dolorosa (Makro Musikverlag)
15.- Alvin Lucier - Almost New York (Pogus)
16.- Manfred Werder - Stück 1998 seiten 624-626 (Skiti)
17.- Molly Berg/Olivia Block/Steve Roden/Stephen Vitiello - Moss (12K)
18.- Tetuzi Akiyama/Takuji Kawai - Transition (Ftarri)
19.- Goh Lee Kwang - The lost testimony of Rashomon (Herbal)
20.- Ellen Fullman - Through glass panes (Important)

Como siempre, hay un buen puñado de discos que todavía no he tenido la oportunidad de escuchar y que podrían ser candidatos a entrar en esta lista, como por ejemplo el de Christian Wolf para Edition RZ, el Druids & questions de Eva-María Houben, la nueva grabación de Piano and string quartet a cargo de Vicki Ray y el Eclipse Quartet para Bridge, el DVD PostCage de OgreOgress y la ¿última? grabación de Rowe y Tilbury, esta vez para el sello francés Potlatch. Pero bueno, el año se acaba y los dejaremos para el 2012, que esperemos sea el último año de esta puñetera crisis que ya se está pasando de rosca.

Xenakis para violoncello

2011-12-03T18:47:00.001+01:00

Uno de los discos que me introdujo en la profundidad de las procelosas aguas de la música contemporánea fue el “Chamber Music 1955-1990”, del compositor griego Iannis Xenakis, editado en 1994 por el histórico sello francés Montaigne. Por aquellas fechas mis inquietudes musicales estaban evolucionando desde el rock y otros géneros afines hacia músicas más complejas como el free jazz y la música contemporánea. No era fácil. En primer lugar la información no fluía como ahora, que con internet incluso llega a abrumarnos. Y si la información no fluía como ahora, mucho menos lo hacía la información sobre música, y todavía menos sobre música contemporánea. El rock, el blues, el jazz e incluso la música clásica tenían sus propios canales de información, pero la música contemporánea no cabía en ninguno de estos estilos. Demasiado académica para unos, demasiado vanguardista y rompedora para otros. En segundo lugar, tenías que cambiar tus hábitos de escucha, prestar más atención, ya que era un música que necesitaba mucha más concentración. Es decir, era difícil encontrar esta música, difícil seleccionarla y difícil escucharla. Los mimbres del minoritarismo, vamos.

Pero como he escrito al principio, uno de los discos que me convenció fue el “Chamber Music 1955-1990”. Contiene todas las obras de cámara que escribió Xenakis entre 1955 y 1990, interpretadas magistralmente por el Arditti Quartet y el pianista francés Claude Helffer. El disco se grabó en varias sesiones al lo largo de 1991, y por aquel entonces el cuarteto Arditti presentaba su alineación más prestigiosa: Irvine Arditti y David Alberman (violines), Grath Knox (viola) y Rohan de Saram (violoncello). El doble disco destaca por las tremendas interpretaciones de Nomos Alpha (1966) y Kottos (1977) a cargo del violoncellista Rohan de Saram y las magníficas versiones de Herma (1960-61), Evryali (1973) y Mists (1980) por parte del pianista Claude Helffer. El disco incluye también solos para violín, Mika (1971) y Mika “S” (1976) y para viola, Embellie (1981) y otras combinaciones entre cuerdas y piano y cuerdas.

Iannis Xenakis nació en Rumanía en 1922, pero cursó sus estudios en Grecia, donde perdió un ojo durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra tuvo que exiliarse a Francia, donde residió hasta su muerte en 2001. Entre 1948 y 1960 trabajó como ayudante del arquitecto francés Le Corbusier, aspecto que influyó sobremanera en su música, mientras estudiaba con músicos de la talla de Messiaen y Honegger. En 1965 se nacionalizó francés. Xenakis definía su música como estocástica, basada en conceptos matemáticos como las teorías de conjuntos y de probabilidades y la lógica simbólica.

Iannis Xenakis ha sido un compositor muy reconocido por sus obras electroacústicas (La Légende d’eer, Persepolis, Polytope de Cluny, ...) y orquestales (Kraanerg, Metastasis, Pithoprakta, ...), pero a mí siempre me ha interesado más su música de cámara. En este sentido, el sello norteamericano Mode tiene un magnífico catálogo con grabaciones de obras camerísticas de Xenakis, algunas de ellas muy recientes: "Works for Piano” (2006), con la genial pianista Aki Takahashi, “String Quartets” (2009), con el Jack Quartet, y “Works with Piano” (2010), con Aki Takahashi, Rohan de Saram y el Jack Quartet entre otros.

El último disco de Xenakis ha salido al mercado hace unos meses en el sello francés Aeon. Se titula “Complete Cello Works”, y en él el cellista belga Arne Deforce se atreve con ocho composiciones de Xenakis en las que el cello es el protagonista, bien solo o acompañado por otros músicos. En este último caso le acompañan miembros del ensemble musikFabrik, del que ya hemos escrito anteriormente en este blog. Lo primero que me llama la atención es la interpretación de esas dos grandes obras para cello, Nomos Alpha y Kottos. Las escucho con interés, y me gustan, pero luego pongo el disco de Montaigne, y palidecen contra la fuerza expresiva de la interpretación de Rohan de Saram. Interesante también la composición Paille in the Wind (1991), para cello y piano, que por fechas no pudo aparece en el disco de Montaigne. Aquí le acompaña al piano Daan Vandewalle, y también palidece en la comparación con la versión que Aki Takahashi y Rohan de Saram grabaron para el disco “Works with Piano” de Mode. El disco se completa con algunas buenas interpretaciones de composiciones escritas a finales de los ochenta y los noventa, como Epycicle (1989) para cello y ensemble de 11 músicos, con la colaboración del musikFabrik, Hunem-Iduhey (1996), con el violín de Wibert Aerts, y Roscobeck (1996), para cello y contrabajo. Finalmente, destacar la interpretación de Carisma (1971) para clarinete y cello, a cargo del clarinetista Benjamín Dieltjens. Como curiosidad decir que durante la escucha de Epycicle me viene constantemente a la cabeza el "Smoke on the water" de Deep Purple, escrita dieciocho años antes. En esencia, un buen disco con todas las obras que Xenakis compuso para cello (+1), con buenas interpretaciones de Deforce y musikFabrik, que si bien no llegan al imposible nivel del disco de Montaigne, merecen ser escuchadas y disfrutadas en su justa medida.

Escuchando
Iannis Xenakis - Complete cello works (Aeon 2011)
Lionel Marchetti/Olivier Capparos/Yôko Higashi - A blue book (Waystyx 2011)
Julia Kent - Green and grey (Important 2011)
Marino Formenti - Night studies (Col Legno 2011)
Jonas Kocher - Solo (Insubordinations 2011)
Loren Connors - Red mars (Family Vineyard 2011)
Toshimaru Nakamura - Maruto (Erstwhile 2011)
Nils Ostendorf/Philip Zoubek/Philippe Lauzier - Subsurface (Schraum 2011)

Rowe & Tilbury à Mulhouse

2011-11-05T20:01:00.002+01:00

El próximo mes de diciembre, el sello francés Potlatch sacará la mercado un CD con la grabación del concierto que Keith Rowe y John Tilbury, dos tercios de AMM, grupo seminal de la improvisación electroacústica, ofrecieron en Les Instants Chavirés en Montreuil (París), en diciembre del 2010. Previsiblemente su título será "E.E. Tension and Circustance". Este disco tiene su importancia, ya que estos dos grandes de la improvisación no habían grabado juntos desde el año 2004, cuando editaron su último disco como AMM, Apogee (Matchless 2005).

El grupo AMM fue creado a mitad de los 60 por Keith Rowe (guitarra), Lou Gare (saxofón) y Eddie Prévost (batería). Su primer disco fue "AMMusic 1966" para el sello Elektra. A finales de los 60 pasaron por el grupo otros músicos y compositores de la vanguardia musical de la época como Christopher Hobbs, Christian Wolff y Cornelius Cardew. Rowe y Cardew fueron acercándose cda vez más al socialismo y maoísmo, lo que llevó a Prévost a acusarles de "intimidación cultural" (o bullying, como se conoce ahora). Estas desavenencias causaron la primera gran crisis en el grupo, que se partió en dos: Cardew y Rowe por un lado, y Prévost y Gare por el otro. Hacia finales de los 70, Rowe y Prévost ya habían hecho las paces, y junto con el pianista John Tílbury, dieron forma al AMM que iba a perdurar hasta el año 2004. Pero las relaciones entre Rowe y Prévost se había vuelto a deteriorar a principios del nuevo siglo, esta vez no por motivos políticos, sino estrictamente musicales. Prévost criticaba la dirección que estaba tomando la música de Rowe y su asociación cada vez más comprometida con jóvenes músicos del EAI (improvisación electro-acústica), entre los que se encuentran Taku Sugimoto, Toshimaru Nakamura, Sachiko M, Burkhard Stangl, Axel Dorner, Oren Ambarchi, ... principalmente a través del sello Erstwhile de Jon Abbey. En 2004 Prévost lo puso por escrito en su libro "Minute Particulars" (Matchless 2004), Rowe se enfadó y pegó un portazo dejando solos a Tilbury y Prévost, que han seguido grabando como duo (bien como AMM, bien como Tilbury/Prévost) hasta la actualidad.

Durante los 25 años que estuvieron juntos, el trio Rowe/Tilbury/Prévost grabó un buen puñado de discos imprescindibles, que influyeron profundamente en compositores, músicos del jazz y de la improvisación, productores y sellos discográficos de finales del siglo XX y principios del XXI, como por ejemplo "The inexhaustible document" (1987 ), Newfounland (1993), Live in Allenton USA" (1994") y "Fine" (2001), todos ellos para el sello Matchless. También en solitario los tres grabaron excelentes discos, principalmente John Tilbury y Keith Rowe. El primero grabó todas las obras para piano de Morton Feldman en el cuadruple disco "All Piano" (LondonHall 2000), para mi el mejor disco de la pasada década. Rowe, por su parte, grabó dos discos muy interesantes para el sello Erstwhile, The Room (2007) y Ertslive 007 (2008). Prévost, por su parte, grabó en solitario Entelechy (2006) para su propio sello Matchless.

Pero a los tres les gustaba decir que AMM no era un trio, sino que era un cuarteto, siendo el grupo mismo el cuarto miembro, como para enfatizar la importancia del grupo en su sonido. Y yo no puedo estar más de acuerdo con ellos. Como duo casi nunca han estado al mismo nivel que cuando estaban los tres. Como hemos dicho antes, Tilbury y Prévost siguieron grabando juntos (como AMM o como Tilbury/Prévost) cuando Rowe dejó el grupo en 2004, y al año siguiente sacaron a mercado "Norwich" (Matchless 2005). Desde mi punto de vista, el sonido metálico de las percusiones de Prévost nunca ha encajado bien con la sutileza del piano de Tilbury, al menos sin el contrapunto de Rowe, así que es posible que por esa razón en los últimos años hayan incorporado al grupo al saxofonista John Butcher, que acababa de dejar al grupo Polwechsel. Con él grabaron un par de discos, "Trinity" (Matchless 2008), curiosamente como AMM with John Butcher, y "Sounding Music" (Matchless 2010), esta vez como AMM y con la colaboración de John Butcher y Ute Kanngiesser al cello. Este año han vuelto ha insistir como duo con el disco "Uncovered correspondance: A postcard from Jaslo", como siempre para el sello Matchless.

Pero en mi opinión ha funcionado mejor el otro duo, el de Rowe y Tilbury. Solo han grabado juntos en una ocasión, el 7 de enero del 2003 en los estudios CCAM de Vandoeuvre-les-Nancy. El resultado fue "Duos for Doris" (Erstwhile 2003), que se aupó al puesto número nueve de mi lista de los mejores discos de la pasada década. Durante más de dos horas, la belleza de las notas del piano de Tilbury se desgarran entre la aspereza de la guitarra de Rowe, todo ello rodeado de una atmósfera triste y melancólica. Dos días antes de la grabación había muerto la madre de John Tilbury, Doris, a quien va dedicado el disco. Y eso se nota en el ambiente.

Pero por desgracia este magnífico disco no ha tenido continuación, por lo menos hasta la fecha, en la que Potlatch nos anuncia un nueva grabación del duo para el próximo mes de diciembre. Para ir abriendo boca, aquí dejo un link con otro concierto del duo el pasado 25 de agosto, en el marco del festival Meteo en Mulhouse, Francia.

Escuchando

Zeitkratzer - (Old School) Karlheinz Stockhausen (Zeitkratzer 2011)

Tom Johnson - Orgelpark Color Chart (Mazagran 2011)

Tetuzi Akiyama/Takuji Kawai - Transition (Ftarri 2011)

Hauschka/Hildur Guðnadóttir - Pan Tone (Sonic Pieces 2011)

Kassel Jaeger - Aerae (Senufo Editions 2010)

Joëlle Leandre - Live at the Ulrichsberg Kaleidophon (Leo 2011)

Long string instrument

2011-10-15T16:05:00.002+02:00

Long string instrument. Instrumento de cuerdas largo. Pero qué diablos es eso, me pregunté allá por el otoño del 2004, tras leer en alguna revista un comentario sobre el CD “Ort” de Ellen Fullman y Konrad Sprenger, editado por el sello alemán Choose Records. Curiosity killed the cat! Lo compré y me encontré con un interesante disco en el que Ellen Fullman y Jörg Hiller interpretaban siete temas escritos por la propia Fullman, además de realizar un par de lecturas muy personales de dos clásicos del country: el I Ain’t no Home de Woody Guthrie y John Hardy de A.P. Carter, si si, el de los Carter Family.

“Ort”, aunque pueda parecer lo contrario por la instrumentación utilizada (Ellen Fullman, además de las voces, toca el long string instrument, autoharp, clarinetes y sine tones, y Jörg Hiller, también conocido con Konrad Sprenger, participa con guitarras, bajos, percusiones, pianos, zither y electrónica) es un disco de canciones, de vanguardia, vale, pero canciones al fin y la cabo. Me llamó la atención la versión de John Hardy (1930), con la colaboración de Sonja Müller (violín) y las voces de Jessica Kenny y The Barn Owl Sisters, así como las composiciones de Fullman In the mist (1993), con la colaboración de James McCartney (SuperCollider), y Train (2001), donde Fullman nos deleita con su long string instrument.

Como siempre ocurre en estos casos, acabé investigando en la discografía de Ellen Fullman, para encontrarme con una veterana compositora nacida en Memphis, Tennessee, que a principios de los años 80, interesada en los tonos infinitos que producía la vibración de los cables largos, descubrió el long string instrument, que consiste en 100 cables, los de sonidos graves de unos 27 metros y los de sonidos agudos de entre 9 y 18 metros de longitud, todos afinados en “just intonation”, ya saben, cuando las frecuencias de las notas están relacionadas por ratios de números enteros pequeños. El long string instrument puede ser tocado hasta por tres intérpretes, frotando suavemente las cuerdas para extraer su extraño sonido. El aprendizaje de un instrumento como éste le llevó bastante tiempo, por lo que no grabó su primer disco hasta 1985, el LP “The long string instrument” (Apollo Records 1985). Tras dos cassettes auto-editados en 1987, “Works for 4 players and 90 strings” e “In the sea”), Ellen Fullman reapareció en 1993 con “Body music”, grabado por el sello Experimental Intermendia de Phil Niblock, en el que Scott Lehmann, Danièle Massie y la propia Fullman interpretan seis composiciones de esta última. Luego vendrían “Change of direction” (New Albion 1998), “Staggered stasis” (Anomalous Records 2004), coreografía escrita para la Deborah Hay Dance Company, y dos magníficas colaboraciones con músicos bien diferentes: una grabación en directo con el percusionista norteamericano Sean Meehan, editada por el sello suizo Cut en 2007, y la magnífica colaboración con la trombonista californiana Monique Buzzarté en el disco “Fluctuations” (Deep Listening 2008). Esta gran trombonista ya se había atrevido, en colaboración con el Arditti String Quartet, con el Five3 de John Cage para Mode Records.

Y ahora nos llega el magnífico “Through glass panes”, editado por el sello de Massachusetts Important Records, sello ecléctico donde los haya, y donde conviven sin problemas grabaciones de Eliane Radigue, Christina Kubisch, Josef van Wissem, Merzbow, Larsen, Acid Mothers Temple, Jon Mueller, Julia Kent, Hototogisu y los Masters Musicians of Bukkake entre otros muchos.

Antes de este “Through glass panes”, Important ya había publicado algunos detalles de Ellen Fullman, entre ellos un LP compartido con Eleh, editado en 2010, y “The Headlands” (2010), de Barn Owl & The Infinite String Ensemble, con la colaboración de Ellen Fulllman y Theresa Wong, cellista con la que ya había colaborado en el tema que abría disco “The harmonic series” (Important 2010), y en el que también participaban luminarias del “just intonation” como Charles Curtis, Zachary James Watkins, Greg Davis y pauline Oliveros entre otros.

Curiosamente, “Through glass panes” se abre con “Never gets out of me”, donde el cello de Theresa Wong navega suavemente entre las calmadas olas producidas por el long string instrument de Ellen Fullman, y le sigue “Flowers”, en la que las olas ya no son tan calmadas sino más resonantes, y en ellas se las arreglan como pueden el cello de Henna Chou y el violín de Travis Weller. Los dos temas son adaptaciones de “Stratified bands: last kind words”, escrita por Fullman para el Kronos Quartet en el festival Other Minds. Les sigue el tema que da título al disco, escrito como un homenaje a la armónica, y es una secuencia de patrones rítmicos que se interpretan tocando (o golpeando suavemente) las cuerdas del long string instrument con box bows (pequeñas cajas de cartón curvadas que hacen la función del arco), lo que produce sonidos minimalistas y pegadizos que por momentos me recuerdan al sonido del acordeón. El tema dura 21 minutos y a mí se me hace largo, tal vez con ocho o diez minutos hubiera sido suficiente. Es la única pega que le encuentro al disco, que se cierra con “Event locations No. 2”, otra pieza de 20 minutos, típica de Fullman en solitario con su long string instrument, y que en este caso si que justifica su duración. Un disco que no defraudará a los que ya conocen la música esta magnífica compositora, pero que también servirá como introducción para aquellos que no la conocen.

Escuchando
Steffen Schleiermacher - British! (MDG 2011)
Pulsinger/Kurstin/Jeffery/Heggen - Besides Feldman (Col Legno 2011)
Ellen Fullman - Through glass panes (Important 2011)
Jason Lescalleet - This is what I do: Volume One (Glistening Examples 2011)
Keith Rowe - Concentration of the stare (Bottrop-Boy 2011)
Michael Pisaro - Hearing metal 2 & 3 (Gravity Wave 2011)
Philip Corner/Manuel Zurría - Joy Flashings (Die Schachtel 2011)
Luc Ferrari - Visage 2/Après presque rien/Madame de Shanghai (Mode 2011)

Stabat mater dolorosa

2011-09-04T15:26:00.005+02:00

"Stabat Mater dolorosa, iuxta crucem lacrimosa, dum pendebat filius. Cuius animam gementem, contristantem et dolentem, pertransivit gladius". Estas son las primeras palabras de la plegaria católica "stabat mater dolorosa" (estaba la madre sufriendo), plegaria que medita sobre el sufrimiento de María durante la crucifixión de su hijo. Escrita en el siglo XIII y atribuída a Papa Inocencio III y al franciscano Jacopone da Todi, stabat mater dolorosa es uno de los siete himnos latinos más importantes de todos los tiempos y una de las composiciones literarias a las que más veces se ha puesto música.

Hace unos días estaba escuchando el disco "two. too (for Erwin-Joseph Speckmann)" (EWR 2009) del compositor Antoine Beuger, interpretado por la soprano Irene Kurka y Jürg Frey al clarinete. Lo escuché por primera vez hace un par de años (quedó en cuarto lugar en mi lista del 2009) y desde entonces, siempre que vuelvo a escucharlo me maravilla lo bien que encaja la voz de esta soprano alemana en una composición tan minimalista como "two. too". Así que decidí rebuscar en la discografía de Irene Kurka. Aparte de este disco, en su web solo aparecen cuatro discos más, el más atractivo a priori "stabat mater dolorosa" (Makro Musikverlag 2011), en el que el duo Socell 21 (Irene Kurka, soprano y Burkart Zeller, violoncello), interpretan cuatro composiciones basadas en la plegaria "stabat mater" a cargo de las compositoras Christina Cordelia Messner, Brigitta Muntendorf, Makiko Nishikaze y Eva-Maria Houben. Interesante. No conozco la obra de las dos primeras, pero a Makiko y Eva-Maria las he seguido en los últimos años, principalmente sus grabaciones para el sello Wandelweiser.

Eva-Maria Houben es una compositora y organista alemana, nacida en 1955, que desde hace unos años forma parte del colectivo que gira en torno al sello Wandelweiser. En este sello ha publicado la mayor parte de sus grabaciones, que generalmente son austeras y largas composiciones para un solo instrumento, entre las que destacan Works for piano (2010), Works for double bass (2008), Works for tromba marina y Works for flute (2007) y Dazwischen/Immer anders for organ (2004). También este sello publicó Von da nach da (2007), magnífica composición para violín, saxofón y órgano, interpretada por Rommel Ayoub, Sebastian Jeuck y la porpia Houben al órgano.

Makiko Nishikaze nació en 1968 en Japón. En los años 90 y principios del nuevo siglo vivió en Berlin, donde formó parte del colectivo Wandelweiser, que editó dos discos suyos, los dos con composiciones para piano: Aqua·piano·aerial (1999), interpretada por la propia Makiko, y Pianopera I&II (2003), interpretada por John McAlpine. En 2010 el también sello alemán Wergo editó un disco con cuatro de sus composiciones interpretadas por el ensemble L'Art pour l'art.

Christina Cordelia Messner, compositora alemana afincada en Colonia, estudió violín y composición, y posteriormente completó su formación colaborando con músicos del campo de la improvisación como Steve Lacy y John Tchicai. Junto con Irene Kurka participa en el "all female" C.C. Messner Ensemble.

Brigitta Muntendorf nació en Hamburgo en 1982. Estudió composición con Younghi Pagh-Paan (2003-2005) y con Rebecca Saunders (2005 y 2010). Es directora artística del Ensemble Garage de Colonia.

El disco se abre con "st-mt" de Makiko Nishikaze, una composición austera (no podemos esperar otra cosa de quién vivió unos años en la isla Wandelweiser), con una magnífica introducción al violoncello a cargo de Burkart Zeller y una Irene Kurka que va entrando tentativamente en escena. Pequeños motivos vocales y susurros acompañan el discurrir del cello, a veces encontrándose, a veces no. Le sigue "crux" de Christina Cordelia Messner. Los primeros 30 segundos suponen un cambio brutal. Violoncello y soprano "gritando" al unísono, como para llamarnos la atención. Luego la calma. Lamentos de la soprano acompañados por lamentos del violoncello. La composición acelera y desacelera, e Irene Kurka sube y baja de intensidad, pero siempre con una belleza insondable. Así llegamos a la cumbre del disco, "stabat mater" de Eva-María Houben. A diferencia de las otras tres, "stabat mater" está escrita para soprano, violoncello y reproductor de cds. Dieciseis minutos de austeridad en estado puro, dieciseis minutos de fría y calculada belleza. Nada nuevo para quien conozca la obra de esta gran compositora alemana. El violoncellista diseña un manto de notas prolongadas acompañadas del sonido del lector de cds, sobre las que la soprano “lee” frases espaciadas del stabat mater. Magnífico. De lo mejorcito que he escuchado este año. El disco se cierra con "hin und weg" de Brigitta Muntendorf. En las pirmeras notas ocurre como con la composición de Messner: cambio radical con respecto a la de Houben. Es una composición de marcado carácter centroeuropeo, con la soprano recitando en alemán mientras el violoncello juguetea a su alrededor. Al final el violoncellista se decide a cantar y acompaña a la soprano. En mi opinión la más floja de las cuatro, pero que en absoluto erosiona un ápice la calidad de un disco magnífico.

Escuchando
Socell 21 - stabat mater dolorosa (Makro Musikverlag 2011)
musikFabrik - musikFabrik Edition 5: Kronüng (Wergo 2010)
Dominic Lash/Patrick Farmer/Sarah Hughes - Droplets (Another Timbre 2011)
Christina Kubisch - Mono fluido (Important Records 2011)
Reinhold Friedl - Inside piano (Zeitkratzer Records 2011)
John Cage/Pierre Boulez - Structures & Music for piano (Hat Hut 2011)

Four3

2011-08-15T16:25:00.009+02:00

Hace un par de años, el sello británico Another Timbre editaba un CD titulado "Decentred" (at18), con el subtítulo de "Improvisations and realisations of indeterminate scores by Michael Pisaro and John Cage", en el que un grupo de destacados músicos de la improvisación británica (Tom Chant, Angharad Davies, Benedict Drew y John Edwards) se atrevían con tres "scores" del compositor Michael Pisaro, y más sorprendente, o no, según como se mire, se atrevían con el "Four6" de John Cage. Y digo sorprendente o no, porque esta “composición” de John Cage, escrita en 1992, ya había sido grabada anteriormente por músicos tan poco sospechosos de intérpretes contemporáneos como Sonic Youth.

Escribí sobre Four6 y todas sus grabaciones aquí, pero curiosamente, después de ese post Four6 ha sido publicada en tres ocasiones más: la primera a cargo del ensemble radical Zeitkratzer en el CD “Old School John Cage” (Zeitkratzer Records 2010). La segunda por el saxofonista Ulrich Krieger en “A Cage of Saxophones Vol. 3 & 4” (Mode 2010). Por último, el sello New World publicó a finales del año pasado “Music for Merce”, caja con 10 CDs que contiene infinidad de composiciones escritas entre 1952 y 2009 para el ballet de Merce Cunningham, entre las que podemos encontrar un extracto de 11 minutos de Four6, interpretado por Takehisa Kosugi, Stuart Dempster, Paul DeMarinis y Jim O’Rourke.

Parece ser que las “number pieces” de John Cage, y en especial Four6, se adaptan perfectamente a los gustos de los músicos improvisadores de finales del siglo XX y principios XXI. No en vano, muchos de estos músicos reconocen abiertamente la influencia de estas “composiciones” que Cage escribió en sus últimos años de vida, entre 1987 y 1992. Cage describió Four6 "para cualquier forma de producir sonidos (vocalizando, cantando, tocando cualquier instrumento o instrumentos, electrónica, etc ...)”, lo que la hace lo suficientemente abierta como para que encaje como anillo al dedo de estos nuevos improvisadores.

Siguiendo en esta línea, el sello Another Timbre acaba de lanzar el CD “No Islands” (at46), a cargo de otro cuarteto de improvisadores de la escena británica: Stephen Cornford (piano amplificado), Patrick Farmer (giradiscos y electrónica) y Sara Hughes (zither), y la colaboración del músico griego y director del sello Organized Music from Thessaloniki, Kostis Kilymis. El disco se abre con dos improvisaciones de 9 y 17 minutos de duración y se cierra con otra versión de Four6. Es una versión diferente a las demás (como todas las demás), en la que los cuatro músicos van desempolvando sonidos en medio del piar de unos de pájaros que conforman lo que bien pudiera ser “el quinto músico”. Una muy interesante lectura de Four6 que merece la pena escuchar.

Pero no se por qué me he alargado tanto con Four6, si de lo que realmente quería hablar era de Four3, otra number piece de Cage, escrita en 1991, uno de los años más prolíficos de este prolífico compositor. Como bien reza el título, Four3 fue escrita para cuatro intérpretes: uno o dos pianos (si son dos, uno tiene que estar fuera de la sala), violín u oscilador, doce rainsticks (creo que en castellano se llaman palos de lluvia, y son como unos palos huecos llenos de pequeñas piedras, originarios de Sudamérica y que servían para atraer a las lluvias) y silencio. Al igual que Four6, tiene una duración de 30 minutos, y Cage la escribió para la obra de ballet "Beach Birds" de Compañía de Merce Cunningham.

La partitura de Four3 consta de una portada con las instrucciones escritas en el reverso, una página con paréntesis de tiempo vacíos (flexibles), y seis folios con una partitura llamada “Extended lullaby”, que deriva del concepto de ”chance operation”. Las doce caras de los seis folios están numeradas y contienen cuatro sistemas simples con la escritura musical tradicional. Los cuatro músicos interpretan cuatro acciones diferentes, siguiendo los intervalos de tiempo marcados, a elegir entre:

     1. Silencio
     2. Sonido de un rainstick
     3. Onda sinusoidal, tocada con violín u oscilador
     4. Extractos de la partitura Extended lullaby (pag. 1-6 y 7-12), tocadas en el piano.

Extended lullaby es un conjunto de doce variaciones aleatorias del cantus firmus y el contrapunto de la obra Vexations, del compositor francés Erik Satie. Los rainsticks tienen que moverse inclinados, teniendo cuidado de que no se interrumpa el sonido que generan. El violín u oscilador se toca en Do agudo sin vibrato. Todo debe interpretarse pianísimo y lo más lento posible.

En mi opinión es una de las mejores “number pieces” de Cage, al menos en su interpretación por parte de Martine Joste y Dominique Alchourroun (piano y rainsticks), Ami Flammer (violín y rainsticks) y Jean Michaut (rainsticks), en uno de los mejores discos de John Cage, “The Number Pieces I” (Mode 1995). Además de la magnífica interpretación de Four 3, Martine Joste nos regala una brillante versión de One5, y Martine y Ami Flammer una no menos brillante realización de Two6. También fue grabada por Steffen Schleiermacher (piano, piano de juguete y rainsticks) y Andreas Seidel (violín) para el CD “Complete Piano Music Vol. 10” (MDG 2002), pero sin llegar al nivel de la de Mode.

Así que solamente tenemos dos grabaciones completas de Four3, a las que podemos añadir dos extractos: una en el disco “Fourteen-Four6-Four3” (Megadisc 2007), en la que The Barton Workshop interpreta un extracto de 19 minutos, y otra de 15 minutos en el anteriormente mencionado “ladrillo” de New World “Music for Merce”, a cargo de Takehisa Kosugi, David Tudor, Michael Pugliese y John D.S. Adams. Muy poco para una obra tan importante.

Escuchando
Helmut Lachenmann – Guero/Pression/Gran Torso (Edition RZ 1990)
Elianne Radigue – Transamorem-transmortem (Important 2011)
Luc Ferrari – Piano & percussion works (Hat Hut 2011)
Roman Haubenstock-Ramati – Pour piano (Hat Hut 1996)
Bertrand Denzler – Tenor (Potlatch 2010)
Stephen Cornford/Patrick Farmer/Sarah Hughes/Kostis Kilymis - No islands (Another Timbre 2011)

Triptych, los conciertos

2011-08-11T08:27:00.011+02:00

En una entrada del pasado 27 de mayo anunciaba los conciertos que iban a tener lugar en el mes de junio en Londres bajo el título "Triptych: The Music Of Eliane Radigue", organizados por el colectivo Sound and Music.

Para los que no pudieron ir a Londres en esas fechas, les dejo los links para que puedan descargar los conciertos. Laa grabaciones están realizadas desde la audiencia, por lo que el sonido está lejos de ser perfecto, y además pueden escucharse ruidos ambientales como estornudos, coches, .... Pero merece la pena escuchar el esteno mundial de Occam I a cargo de Rhodri Davies o las interpretaciones del ciclo completo de Naldjorlak a cargo de Charles Curtis, Carol Robinson y Bruno Martinez.

Programa
https://rapidshare.com/files/774342641/Triptych.rar

14 de junio
Elemental II (2004) - The Lappetites: Kaffe Matthews, Antye Greie & Ryoko Akama, laptops
Occam I (2011) - Rhodri Davies, harp
https://rapidshare.com/files/3918794058/Eliane_Radigue_2011-06-14_part_one.rar
Elemental II (2004) - Kasper T Toeplitz, electric bass, computer
https://rapidshare.com/files/1080320260/Eliane_Radigue_2011-06-14_part_two.rar

21 de junio
Naldjorlak I, II, III (2005-2008)
Naldjorlak I - Charles Curtis, cello
https://rapidshare.com/files/2551105750/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_one.rar
Naldjorlak II - Carol Robinson, Bruno Martinez, basset horns
https://rapidshare.com/files/2449000184/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_two.rar
Naldjorlak III - Charles Curtis, Carol Robinson, Bruno Martinez
https://rapidshare.com/files/1735881218/Eliane_Radigue_2011-06-21_part_three.rar

Cy Twombly

2011-07-09T16:41:00.001+02:00

En 1962 Cy Twombly pintó un cuadro que define muchos de los compromisos de su obra. El cuadro, que no tiene título, está dividido en dos partes por una línea horizontal situada a dos tercios de altura. A lo largo del borde inferior del lienzo, Twombly escribió un fragmento de la poetisa griega Sappho: “But their heart turned cold + they dropped their wings” (Y sus corazones se enfriaron + bajaron sus alas). La frase sugiere una oscilación entre reinos superiores e inferiores, nos evoca un clásico reino distante, incluso la agarrotada y torpe mano que hace que las palabras se materialicen.

En el tercio superior del lienzo, Twombly nos proporciona un código para su interpretación: un círculo blanco arremolinado en rosa donde se lee “blood” (sangre), una agresiva X roja donde se lee “flesh” (carne) y una masa pegajosa de color marrón donde puede leerse “earth” (tierra), o posiblemente "youth" (juventud). En un delicado disco de tenue pintura blanca podemos leer “clouds” (nubes) y en una brillante moneda en forma de lápiz de grafito, “mirror” (espejo). Con este código, Twombly nos ofrece, dentro de un marco dibujado, un abanico de posibilidades para la definición de señales “per se”, como para mantenerlas aparte de las referencias más directas de las palabras.

Los elementos del código provienen de tres campos distintos de la experiencia: lo elemental (tierra y nubes), lo somático (carne y sangre) y lo subjetivo (espejo). Tres campos que se pueden relacionar con otros tantos géneros de la pintura al óleo: paisaje, figura y autorretrato, respectivamente. En esta obra de 1962 observamos la invocación de Twombly al mito y la poesía, su vacilación entre lo alto y lo bajo, y su estancia sostenida en el umbral donde la escritura se convierte en dibujo o pintura. Tal vez más importante, vemos en esta obra como señales y palabras, en la colaboración y en la contra distinción, construyen un significado de manera diferente. Como escribió John Berger, Twombly “visualiza con colores vivos el espacio silencioso que existe entre y alrededor de las palabras”.

Cy Twombly murió el pasado martes en Roma. Tenía 83 años y era uno de los últimos representantes del expresionismo abstracto. Nacido en Virginia en 1928 con el nombre de Edwin Parker Twombly, lo cambió por “Cy” por el jugador de béisbol Cy Young. En 1957 se trasladó a Italia, donde dos años después se casaría con la artista italiana Tatiana Franchetti, hermana de Girogio Franchetti, patrón de Twombly, y se trasladó a Roma, donde vivió los últimos 50 años de su vida.

La obra de Twombly se ha caracterizado por grandes pinturas abstractas, muy en el estilo de sus colegas Rothko y Pollock. Este último ejerció una enorme influencia en Twombly, al igual que los surrelistas, lo que confirió a su obra un extraño balance entre la pintura y el dibujo. Muchas de sus pinturas de los años 60 parecen pizarras de colegio en las que un estudiante ha garabateado enormes líneas curvas continuas, lo que en muchas ocasiones llevó a compararlo con los graffiti, comparación que Twombly rechazaba enérgicamente, ya que no compartía su carácter violento. Más adelante, su obra se vería influenciada por la mitología clásica, griega y latina, y por toda la literatura europea. En sus obras aparecían inscripciones, nombres de personajes mitológicos, citas de poemas clásicos, así como elementos de fuertes connotaciones sexuales.

En 2008 se realizaron en España dos exposiciones de Twombly: del 26 de junio al 28 de septiembre en el Museo del Prado, y del 28 de octubre al 15 d efebrero del 2009 en el Guggenheim de Bilbao. Si te las perdiste, échales un vistazo a las web de los dos museos. Merece la pena. Y si como a mi te gusta la pintura de Cy Twombly, aquí tienes el enlace con la galería de obras del genial pintor norteamericano.

Escuchando
Clara Maïda - In Corpore Vili (Edition RZ 2010)
Giuliano d'Angiolini - Simmetrie di Ritorno (Edition RZ 2010)
Harley Gaber - Indra's Net (Edition RZ 2010)
Michael Moser - Resonant Cuts (Edition RZ 2010)
Patrick Kosk - Mondweiß (Edition RZ 2008)
Klaus Lang - Einfalt.Stille (Edition RZ 2007)
Agostino di Scipio - Hörbare Ökosysteme: Live Elektronische Kompositionen 1993-2005 (Edition RZ 2007)
Jakob Ullmann - A Catalogue Of Sounds (Edition RZ 2005)

Two Feldmans

2011-06-04T20:21:00.003+02:00

Better than one, que dicen en mi pueblo. Llevo unos meses escuchando el magnífico DVD "Strings, Keyboard, Percussion, Voices, Horn", editado a finales del pasado año por el sello OgreOgress. El DVD contiene un buen puñado de composiciones inéditas de Morton Feldman y de Bárbara Monk Feldman. En total, seis composiciones de Morton escritas entre 1948 y 1972, y cuatro composiciones de Barbara escritas entre 1988 y 1998.

Este blog contiene varias entradas dedicadas a la música de de Morton Feldman, pero no recuerdo haber escrito nada acerca de Barbara Monk. Nacida en Québec en 1950, estudió composición con Bengt Hambræus en la Universidad McGill (Montréal) entre 1980 y 1983, y con Morton Feldman en la Universidad Estatal de Nueva York (Buffalo) entre 1984 y 1987, con quien acabaría casándose en 1987 unos meses antes de la la muerte de éste en septiembre de 1987. Barbara, compositora principalmente de música de cámara, también ha escrito obras vocales, para orquestas y para piano.

La primera parte del DVD contiene, como hemos dicho al principio, primeras grabaciones de seis composiciones de Morton Feldman, lo que ya de por sí es una noticia excelente. El DVD comienza con "Two pieces (for Danny Stern)", dos piezas cortas (0'30" y 1'22") para cello y piano, escritas en 1948 (conviene recordar aquí que las primeras composiciones de Feldman datan de 1943), despachadas en un plis plas por Karen Krummel (cello) y Paul Hersey (piano). Les siguen dos de las mejores composiciones del disco, "Extensions 5" (1953) para 2 violoncellos y "Two Instruments" (1958) para violoncello e instrumento de viento, magníficamente interpretadas por Karen Krummel y Alicia Eppinga la primera, y la propia Karen Krummel y Paul Austin la segunda. Estas dos composiciones nos llevan con más claridad al universo sonoro de Feldman, sobre todo Two instruments, donde las notas son estiradas hasta llegar al silencio. El disco continúa con dos miniaturas vocales, que nos preparan para el otro momento álgido del disco, "Dance Suite (for Merle Marsicano)", escrita en 1963 para percusión y piano/celesta. Dividida en cuatro partes, es una composición oscura, basada en percusiones cuasi-fúnebres (tambores, campanas, ...), y que en cierta manera me recuerda mucho a otra de sus grandes obras, Rothko Chapel, a la que por cierto precede en ocho años. Aquí está interpretada por Glenn Freeman (percusiones) y Debora Petrina (piano). Y para terminar la parte de Morton Feldman, una curiosidad: "For Stockhausen, Cage, Stravinsky and Mary Sprinson" (1972) para cello y piano: 37 segundos de puro sonido Feldman.

La segunda parte está dedica a la música de Barbara Monk Feldman. Contiene cuatro composiciones muy "Feldmanescas", que podrían llevarnos a pensar que nos son más que bocetos de composiciones del propio Feldman, que Barbara encontró en un cajón a la muerte de éste, y se dijo a sí misma: "ahora que no me ve nadie, les pongo mi firma", y ale, ya tenemos un puñado de composiciones de Barbara Monk Feldman. La primera de ellas, "Duo for Piano and Percussion" (1988) es una bella composición para piano y percusión, que nos recuerda a las "late pieces" de Morton, pero sin arrastrar tanto las notas. Le siguen "The Gentlest Chord" (1991) para voz (Feldman en estado puro), interpetada por Gwendolyn Faasen, y "Clear Edge" (1993) para piano. Han pasado seis años desde la muerte de Morton, y su influencia en la música de Barbara se va diluyendo, volviéndose ésta más melódica. El disco acaba con "Pour un Nuage Violet" (1998) para violin y cello, magníficamente interpretada por Karen Krummel y Christina Fong, en la que parece que Barbara ya se había olvidado de su ex-marido, creando una composición austera que bien pudiera encajar entre las "number pieces" de John Cage.

Un excelente disco que viene a completar un catálogo, el de OgreOgress, que ya este 2011 nos había dado otro magnífico disco del que ya hablamos aquí en su momento: "108·109·110" de John Cage.

Escuchando
Koboku Senjû - Selektiv hogst (Sofa 2010)
Martine Altenburger/Frédéric Blondy/Bertrand Gauguet - Vers l'île paresseuse (Creative Sources 2011)
Ann Southam - Simple lines of enquiry (Centrediscs 2009)
Matthias Pintscher - Janusgesicht (Wergo 2002)
Iannis Xenakis - String quartets (Mode 2009)
Michael Francis Duch - Edges (+3db 2010)

American Sublime ...

2011-05-29T13:48:00.002+02:00

... the late works of Morton Feldman. Así reza el título de la semana de conciertos que la organización Bowebird va a dedicar a la música de Morton Feldman. Los conciertos tendrán lugar en diferentes locales de Filadelfia entre los días 4 y 12 de junio. ¡Vaya mes de junio para los inquietos! Del 4 al 12 de junio Morton Feldman en Filadelfia, y del 13 al 26 Eliane Radigue en Londres. ¿A alguien se le ocurren unas mejores vacaciones?

El programa no tiene desperdicio, sobre todo porque está dedicado a los "late works", para mí la mejor etapa creativa de Feldman:

4 junio
Rodeph Shalom
Triadic Memories (1981)
Marilyn Nonken, piano

5 junio
ICEBox at CraneArts
John Cage, String Quartet in Four Parts/Anton Webern, Six Bagatelles, Op. 9/Earle Brown, String Quartet/Morton Feldman, Structures
JACK Quartet: John Pickford Richards, viola/Ari Streisfeld, violin/Christopher Otto, violin/Kevin McFarland, cello

8 junio
Biello Martin Studio
Palais de Mari (1987)
Gordon Beeferman, piano

10 junio
Philadelphia Museum of Art
Three Voices (1982)
Joan LaBarbara, voz

11 junio
Fleisher Art Memorial
Patterns in a Chromatic Field (1981)
Amy Williams, piano/Jonathan Golove, cello
Crippled Symmetry (1983)
Either/Or: Richard Carrick, piano y celesta/David Shively, percusión/Jane Rigler, flautas

12 junio
Philadelphia Episcopal Cathedral
String Quartet No. 2 (1983)
FLUX Quartet: Tom Chiu, violin/Conrad Harris, violin/Max Mandel, viola/Felix Fan, cello

Triptych: the music of Eliane Radigue

2011-05-27T12:33:00.009+02:00

Una de las primeras entradas de este blog, que comenzó su andadura en septiembre del 2007, estaba dedicada al Festival LEM 2007 de Barcelona, el cual iba a dedicar una noche especial a la música de Eliane Radigue. Aquella magnífica noche del 12 de octubre, Charles Curtis interpretó para medio centenar de personas Naldjorlak (2005), por aquel entonces todavía no publicada en disco. El homenaje a Radigue también incluyó Elemental II (2004), interpretada por Kasper T. Toeplitz con su particular bass-computer, y 676 (2006), interpretada por Gérard Pape. Parece mentira pero ya han pasado tres años y medio, y Ms. Radigue sigue en plena forma a pesar de sus 79 años.

El colectivo Sound and Music anuncia una retrospectiva de la música de esta genial compositora francesa, titulada "Triptych: The Music Of Eliane Radigue", que tendrá lugar en Londres del 13 al 26 de junio. El programa es el siguiente:

Café Otto
13 junio

Introducción a la música de Radigue - Emmanuel Holterbach

Christ Church Spitalfields
14 junio

Elemental II - Kasper T. Toeplitz, bass computer
Elemental II - The Lappetites
Occam I (world premiere) - Rhodri Davies, harp
21 junio

Naldjorlak I, II y III - Charles Curtis, cello/Carol Robinson, clarinete/Bruno Martinez, clarinete

St Stephen Church
15 junio: Trilogie de la Mort I - Kyema
16 junio: Trilogie de la Mort II - Kailasha
17 junio: Trilogie de la Mort III - Koumé
20 junio: Psi 847
22 junio: Early Feedback and Loop Works
23 junio: Jetsun Mila
24 junio: Arthésis/Geelriandre/Biogenesis
25 junio: L'île re-sonante

Simultáneamente se presentarán dos instalaciones sonoras de Eliane Radigue de los años 70: "Transamorem-Transmortem" y "Omnht". Esta dos instalaciones están formadas por dos camas con altavoces especialmente diseñados para la ocasión por Kaffe Matthews, colaboradora de Radigue en The Lappetites.

Rich Mix
14-24 junio
Sonic_Bed Scotland (Kaffe Matthews) y música para cuerpos interpretando Omhnt.

Watermans
12-26 junio
Sonic_Bed London (Kaffe Matthews) y música para cuerpos interpretando Transamorem-Transmortem.

Por cierto, el sello Important Records ha anunciado para el mes de junio el lanzamiento en CD de "Transamorem-Transmortem", instalación sonora para cinta magnética estrenada en The Kitchen (Nueva York) el 9 de marzo de 1974, y que desde entonces había permanecido en el olvido en una fría caja de cartón.

Hommage à moi

2011-05-22T17:03:00.005+02:00

Hommage à moi. Si se tratase del último disco de Prince, seguro que nos parecía uno de sus múltiples actos de narcisismo insoportable. Pero Hommage à moi no es el título de ningún disco de Prince, sino el último disco (triple) del guitarrista y compositor austriaco Burkhard Stangl, uno de los grandes músicos de la vanguardia musical centroeuropea de los últimos 20 años.

Nacido en 1960, empezó en esto de la música de la mano del trompetista austriaco de free jazz Franz Koglmann, con quien grabó varios discos entre 1987 y 1999, la mayoría para el sello suizo Hatology. En esa misma época participaba en el colectivo Ton.Art, en el que también estaban Michael Moser y Werner Dafeldecker, con los que en 1994 formaría uno de los más importantes ensembles de finales del siglo XX, Polwechsel. El primer disco de Polwechsel, editado por Random Acosutics en 1995, se convirtió en una pieza de coleccionista el mismo día en que se agotó en el catálogo de Random Acoustics. Afortunadamente fue reeditado por Hat(Now)Art en 1998, un año antes de que este mismo sello editara Polwechsel 2. En esa misma época debutó como compositor con los discos Ereignislose Musik-Loose Music (Random Acosutics 1996) y Récital (Durian 1997). El primero incluía cuatro composiciones de Stangl, entre las que detacan Konzert für Posaune und 22 Instruments (1994), con el trombón de Radu Malfatti, el cuarto miembro de Polwechsel, que posteriormente sería reemplazado por el saxofonista John Butcher, y Drei Leider (1994), composición dividida en tres partes con las voces de Renate Burtscher, Sainkho Namtchylak y Eva Hosemann. En ambas ya aparece el Ensemble Maxixe, que cuenta entre sus miembros a luminarias del tipo Michel Moser, Werner Dafeldecker, Oskar Aichinger, Max Nagl y Gunter Schneider entre otros. Por el contrario, Récital es un disco en solitario de Burkard Stangl, en el que interpreta a la guitarra y al piano cuatro de sus composiciones, Faible, Timbre, Teint y Partitur. O sea, que en la segunda parte de la década de los 90, Stangl repartía su tiempo entre Polwechsel, colaboraciones con Franz Koglmann, Josef Novotny, Max Nagl y Olga Neuwirth entre otros, y sus propias grabaciones para Durian y Random Acosutics.

El cambio de milenio supone un punto de inflexión en la carrera de Burkhard Stangl, y así en el año 2000 edita tres discos imposibles por dispares: Grain (Durian), Venusmond (Quell) y Schnee (Erstwhile). Grain es el primer disco del grupo experimental Efzeg, integrado por Martín Siewert, Dieb 13, Boris Hauf, Billy Roisz y el propio Stangl. Además de Grain, Stangl ha grabado otros cuatro discos con Efzeg, todos ellos magníficos, para sellos tan prestigiosos como GroB, Charizma y Hatology. Burkhard Stangl abandonó Polwechsel después de grabar Polwechsel 3 (Durian 2001) y Wrapped Islands (Erstwhile 2002), este último con la colaboración de Christian Fennesz, para concentrarse en el nuevo proyecto Efzeg. Volviendo al año 2000, el segundo disco editado ese año fue Venusmond: Oper als Topos, una ópera escrita en colaboración con el poeta Oswald Egger y en la que participan la créme de la créme de la experimentación centroeuropea, entre los que se encuentran, además de los habituales en la órbita de Stangl, nuevos nombres como Jim O’Rourke, Kevin Drumm, Gene Coleman, Thomas Lehn y Franz Hautzinger entre otros. Las voces de esta curiosa ópera corren a cargo de Andy Watts y Sarah Barrett. La segunda parte de Venusmond, titulada Oper Ohne Ort III-V, fue editada en 2004 por el sello Quell. El tercer disco del 2000 y el más curioso es Schnee, colaboración de Stangl con el laptopista Christof Kurzmann, capo de Charizma, para un disco de pop experimental. Curiosamente, en 2005 el sello Erstwhile editó un concierto de Schnee en Berlin, grabado en el marco del Festival AMPLIFY 2004: addition, en el que los amigos de Schnee versioneaban a su manera "Sometimes it snows in April" del mismísimo Prince.

Al año siguiente se edita una de las obras maestras de la improvisación electro-acústica, Dachte Musik (GroB 2001), en el que participan Burkhard Stangl, Gunter Schneider, Radu Malfatti y Franz Hautzinger, y comienza su colaboración con músicos japoneses que a principios de siglo formaban parte del movimiento que se conocía con el nombre de “onkyo”: An Old Fashioned Duett (Slub Music 2002) con Taku Sugimoto, SSSD (GroB 2002), con Sugimoto, Siewert y Dafeldecker, In Tokio (Musica Genera 2002), con Sugimoto y Kurzmann, y el mejor de todos, I Was (Hibari Music 2006) con Taku Unami.

En los últimos Stangl ha seguido coqueteando con el pop experimental en proyectos como The Year Of, con los que grabó Slow Days (Morr Music 2006) y en sendos proyectos para el sello norteamericano Esrtwhile, ambos editados en 2009, uno con Kurzmann, Neuschnee (Erstpop 2009), y otro con Kai Fagaschinski, Ein Porträt in Sehnsucht (Erstwhile 2009). También en los últimos años ha colaborado en grabaciones de músicos tan dispares como Anthony Braxton, Kathatina Klement, Davil Sylvain y Joëlle Leandre.

Y así llegamos hasta el 2011 en que Mr. Stangl se monta un homenaje y nos deleita con la edición de Hommage à Moi, disponible en dos versiones: Caja con 3 CDs en la edición de Loewenhertz y Caja con 3 CDs, DVD y libro de 496 páginas, solo en alemán, en la edición de Echoarum. El triple CD, que es la edición que yo tengo, contiene 3 discos muy diferentes: el primero se titula “Kompositionen für Ensembles”, y contiene 4 magníficas composiciones para solistas y ensembles. Concert for Saxophon and Quiet Players (2007) interpretada por John Butcher y el ensemble Extended Heritage (Angelica Castelló, Eva Reiter, Billy Roisz, Dieb 13 y Burkhard Stangl). WOLKEM.HEIM breathing/clouds (2009), para flautas y voces, interpretada por Angélica Castelló, Eva Reiter y Maja Osojnik. El punto álgido del disco llega con My Dowland (2006-2009) bella composición para contratenor y ensemble, magníficamente interpretada por el contratenor austriaco del ensemble vocal Cinqueccento Jakob Huppmann. La voz de Huppmann va acompañada de flautas, viola da gamba, pequeñas percusiones y field recordings del Yucatán. Para terminar, Los vestidos blancos de Mérida (2009), una composición, según el propio Stangl, para dos grupos de nuevos y viejos instrumentos. Está interpretada por el Extended Heritage ampliado con varios músicos de la escena centroeuropea, entre los que se encuentran viejos conocidos de Stangl como Gunter Schneider, Jakob Schneidewind y Berndt Thurner entre otros.

El segundo, titulado “Divertimenti”, aunque mantiene la diversidad del primero, no está a la misma altura. Contiene 15 composiciones muy diferentes, desde la excelente pieza electroacústica Angels touch (2005-2010) hasta composiciones para vibráfono y percusión, Ronron (2009) y trompeta, For a young trumpet player (2009), interpretadas por Berndt Thurner y Gabriël Scheib-Dumalin respectivamente. El disco lo completan 3 piezas para órgano de 2005, intepretadas por Burkhard Stangl y Christoph Herndler, y 9 miniaturas que ya habían ido apareciendo en diferentes recopilaciones como 10 jahre klingt.org Sampler, Powerful Friends and Devotes Lovers y 60 sound artist protest the war. Para terminar, otro detalle de Jakob Huppmann, Come heavy sep, dedicada a John Dowland.

El tercer CD contiene una reedición del disco “Ereignislose Musik-Loose Music” de 1996, del que ya hemos comentado más arriba. La inclusión de este disco es una magnífica noticia ya que estaba descatalogado desde hacía demasiado tiempo.

Hommage à moi es uno de los mejores discos editados en 2011, y la inclusión de Ereignislose Musik-Loose Music lo hace simplemente imprescindible.

Escuchando
Burkhard Stangl – Hommage à moi (Loewenhertz 2011)
Michael Pisaro – Asleep, street, pipes, tones (Gravity Wave 2011)
Nikos Veliotis/Klaus Filip – Slugabed (Hibari 2011)
Sven-Åke Johansson/Annette Krebs – Peashot (Olfo Bright 2011)
Sophie Agnel/Bertrand Gauguet/Andrea Neumann – Spiral inputs (Another Timbre 2011)
Sarah Leonard/Christopher Bowers-Broadbent – Gorecki/Satie/Milhaud/Bryars (ECM 1993)

Mark André

2011-05-07T19:04:00.006+02:00

Recuerdo haber leído en algún lugar de la mancha una leyenda sobre Ornette Coleman a propósito de su polémica teoría de “harmolodics”, ya saben, esa teoría o filosofía musical que sintetiza “armonía, movimiento y melodía”. Debe ser una teoría compleja que casi nadie entiende, hasta el punto de que el propio Coleman lleva desde los años 70 escribiendo un libro sobre ella y, a fecha de hoy, nada sabemos del asunto. Pero volvamos a la leyenda. Un músico que iba a tocar con Coleman en un concierto le preguntó: maestro, ¿que es eso de harmolodics? Y Coleman le respondió: ¿quieres saber lo que es harmolodics, joven? ¿Ves esa partitura que tienes en la mano?. Sí, dijo el joven y nervioso músico. La que usted me ha dado hace unos minutos. Eso es, le dijo Ornette. Pues toca esa partitura, y yo tocaré lo que me de la gana. Eso es harmolodics.

Me viene a la cabeza esta historia escuchando el tema “… zum staub sollst du zurückkehren” del compositor francés Mark André. Es una composición del 2005 para flauta, clarinete, violín, viola, violoncello, piano y percusión, y suena como si coges a siete personas que no tienen ni idea de música, los encierras en una habitación, les das a cada uno un instrumento y les dices: ¡ale, a tocar!. Y se ponen a tocar. Seguro que el resultado es un discurrir de sonidos inconexos que no hay por donde cogerlo. Pero en el disco que nos ocupa, quienes tocan los instrumentos son los miembros del Ensemble Alternance, y eso ya son palabras mayores.

Mark André nació en Paris en 1964 y estudió en el Conservatorio Superior de Música de Paris con Gérard Grisey entre otros. Entre 1994 y 1997 estudió en Sttugart con Helmut Lachenmann, y eso se nota en sus composiciones. Este pequeño detalle es el que me llevó hace un par de años a comprar en una tienda de Basilea el CD que el sello Kairos editó con cuatro composiciones de Mark André: “durch” (2004-05) para saxofón, percusión y piano, interpretada por el Trio Accanto, “...zu...” (2004) para trío de cuerdas, interpretada por miembros del Ensemble Recherche, “...in” (2002) para clarinete bajo, realizada por la gran clarinetista del Ensemble Recherche, Shizuyo Oka, y “...als...II” (2001) para clarinete bajo, violoncello, piano y electrónica, interpretada por el Experimentalstudio des SWR.

El disco me pareció magnífico, en la línea radical de su maestro Lachenmann, así que busqué más grabaciones de André, pero solo encontré participaciones aisladas en las ediciones del sello Neos en las que documenta actuaciones del festival “Donaueschinger Musiktage”, festival de música contemporánea que se celebra todos los años en la localidad de Donaueschingen, en plena Selva Negra alemana, muy cerca de la frontera con Suiza, y en el “Internationale Ferienkurse für Neue Musik”, otro festival de música contemporánea que tiene lugar en población alemana de Darmstadt, ciudad muy conocida en el ámbito musical por sus famosos cursos de verano. Volviendo a la música de André, en la edición del 2007 del festival “Donaueschinger Musiktage aparece “...auf...III” (2005-07) para orquesta y electrónica, y en la edición del 2006 del “Internationale Ferienkurse für Neue Musik”, “...als” (2001) para clarinete bajo, violoncello y piano.

Así que ha sido una bonita sorpresa descubrir que el sello italiano Stradivarius editó a finales del año pasado un nuevo CD con cinco composiciones de André, dos para ensemble, “iv 4 (2008-09) para flauta, oboe, clarinete y tuba y la ya mencionada “… Zum Staub Sollst du Zurückkehren …" (2004–05), y tres para solistas: “Contrapunctus” (1998–99) para piano, “iv 3” (2008) para clarinete y “iv 2” (2007) para violoncello, todas magistralmente interpretadas por los miembros del Ensemble Alternance. "iv 4" es una magnífica composición para cuatro instrumentos de viento, dividia en cinco partes, que bordea peligrosamente el "territorio improv" que protegen "practicioners" centroeuropeos como Axel Dörner, Franz Hautzinger, Robin Hayward y Kai Fagaschinski entre otros. Jean-Marie Cottet interpreta al piano la muy lachenmanniana “Contrapunctus", que nos adentra en la pieza central del disco “… Zum Staub Sollst du Zurückkehren …", de la que ya hemos hablado al principio de esta entrada. El disco termina con dos magníficas interpretaciones de Dirk Descheemaeker al clarinete y Frédéric Baldassare al violoncello, en las que yo percibo claramente la influencia de Lachenmann (iv 2 recuerda por momentos a Pression), pero también de la improvisación contemporánea centroeuropea e incluso chispazos del colectivo Wandelweiser!

Por cierto, en su web descubro que este no es el primer CD del Ensemble Alternance dedicado a la música de Mark André. El sello 3D Classics ya había editado uno en 2005 con otras cuatro de sus composiciones. Habrá que hacerse con él.

Escuchando

Mark André - Ensemble Alternance (Stradivarius 2010)

Morton Feldman/Barbara Monk Feldman - Strings, keyboard, percussion, voices, horn (OgreOgress 2010)

John Cage - Empty words (Wandelweiser 2011)

Nick Hennies - Psalms (Roeba 2011)

PRES revisited

2011-04-21T15:41:00.003+02:00

Polonia. Un pais desconocido que ha sufrido como ninguno las barbaridades del siglo XX. Un pais que reventó a finales del siglo XVIII y cuyos restos fueron repartidos entre Rusia, Prusia y Austria. Un pais que recobró la independencia tras la primera guerra mundial, pero al que todavía le esperaba lo peor: las ocupaciones nazi y soviética del 39, que causaron más de seis millones de muertos. Un pais que aguantó 50 años de dictadura soviética, hasta que en 1989 recuperó su independencia, lo que le llevó a las puertas de la Unión Europea en 2004.

Polonia. Un sufrido pais de 40 millones de habitantes que, si exceptuamos las revueltas de finales de los 80 del sindicato Solidaridad, casi nunca ha sido noticia en los últimos 25 años. En el terreno socio-cultural, pocos nombres han emergido de su superficie: el papa Wojtyla era polaco, como también lo son el astrónomo Copérnico, los escritores Joseph Conrad y Kapuscinski, los cineastas Wajda y Kieslowski y los compositores Chopin, Gorecki y Penderecki. Pocos nombres pero grandes, diría yo.

En este extraño contexto, un músico llamado Józef Patkowski fundó en 1957, cuatro años después de la muerte de Stalin, el Polish Radio Experimental Studio de Varsovia, más conocido por sus iniciales PRES. Sus fundadores presumen de que PRES fue el cuarto estudio de estas caracteríticas en todo el mundo, solo precedido por el Studio D'Essai de Paris, el Studio für Elektronische Musik de Colonia y el Studio de Fonología Musicale de Milán. Pero a diferencia de estos tres importantes estudios, en los que sus compositores llegaron a ser grandes nombres de la música del siglo XX, los compositores polacos que trabajaron y grabaron en el PRES solamente fueron reconocidos por un número reducido de seguidores polacos, a pesar de que allí se realizaron cientos de grabaciones de composiciones para cine, televisión, radio y otros menesteres por compositores como Krysztof Penderecki, Boguslaw Schaeffer, Tomasz Sikorski, Krzysztof Knittel, Jaroslaw Kapucinski y Bohdan Mazurek.

En general, las grabaciones de este studio no han sido fáciles de conseguir fuera de Polonia, por lo que ha sido una gran noticia que el sello polaco Bôlt haya decidido sacar al mercado tres grabaciones de la música relaccionada con este estudio, a saber:

BR ES01 PRES Revisited. In Memoriam Józef Patkowski
Interesante doble CD en el que en el primer disco nos encontramos siete grabaciones originales realizadas en el estudio PRES: Assamblage (1966) y Antiphona (1975) de Boguslaw Schaeffer, Collage (1965) y Dixi (1967) de Eugeniusz Rudnik, Esperienza (1968) y Episodes (1973) de Bohdan Mazurek y Psalmus (1961) de Krzysztof Penderecki. Interesantes como son estas grabaciones, la sorpresa la encontramos en el segundo CD, que documenta un concierto realizado el 13 de diciembre de 2009 en el londinense Café Otto, donde un grupo de músicos relaccionados con la improvisación hacen lecturas muy particulares de esas mismas siete composiciones. Estos músicos son Phil Durrant (violín), John Tilbury (piano) y Eddie Prévost (percusión), a los que se sumaron dos jóvenes músicos polacos: Maciej Sledziecki (guitarra) y Mikolaj Palosz (cello). Todos los intérpretes excepto Prévost realizan una lectura en solitario de alguno de los siete temas, entre los que destacan la interpretación de Psalmus por Tilbury y la de Dixi por Palosz. En el otro extremo, los cinco al completo interpretan Esperianza de Mazurek y para terminar improvisan un homenaje a Boguslaw Schaeffer al que llaman "Hommage to Boguslaw Schaeffer's Symphony". Un buen disco al que merece la pena dedicar unas cuantas escuchas.

BR ES02 Bohdan Mazurek - Sentinel Hypothesis
Doble CD monográfico de la obra de una de las más importantes figuras del PRES, Bohdan Mazurek, que empezó en el estudio como ingeniero de sonido en 1962 y acabó siendo uno de sus más ilustres compositores. Las composiciones que aparecen en este doble CD abarcan el periodo desde 1967 a 1989, y cubren un amplio espectro estilístico, desde lo que podemos llamar "electrónica clásica" hasta algo parecido a lo que hoy conocemos como "field recordings" (curioso, ya que gran parte de la obra de Mazurek fue utilizada para programas infantiles de televisión), pero que todavía hoy suena fresca y original. Entre estas composiciones, podemos destacar Bozzetti (1967), Sinfonia Rustica (1970), Daisy Story (1979), From a notebook (1983) y Pennsylvania Dream (1987).

BR ES03 Zeitkrtazer plays PRES
El tercer disco de la serie y el único que no es doble. Contiene seis lecturas de otras tantas composiciones del estudio realizadas por el ensmeble alemán Zeitkratzer, del que no hace mucho escribí en este blog. De las seis composiciones, dos ya aparecían en el primer disco de la serie, "PRES revisited": "Dixi" de Rudnik y "Episodes" de Mazurek. A ellas hay que añadir dos composiciones de Krzysztof Knittel, "Low sounds" y "Norcet", y sendas composiciones de Elzbieta Sikora, "View from the window" y Dennis Eberhard "Icon (for tape)". El disco se grabó en la White Synagogue de Sejny el 4 de septiembre del pasado año. Los chicos y chicas de Zeitkratzer nos demuestan que lo que en los años 60 solo podía grabarse en un estudio, en el siglo XXI puede interpretarse en vivo con instrumentos tradicionales como violin, viola, trombón, saxofón, ... Zeitkratzer, a quien a veces he criticado por sus excesos, están muy comedidos y concentrados en estas seis grabaciones, y Zeitkratzer plays PRES es para mí el mejor disco de la serie.

Escuchando
Jennifer Allum/Eddie Prévost - Penumbrae (Matchless 2011)
John Cage - One/One2/One5 (Neos 2010)
John Cage - ASLSP (Neos 2010)
Christian Wolff - Piano pieces (Neos 2008)
Zeitkratzer - Plays PRES (Bôlt 2010)
Various Artists - PRES revisited. Józef Patkowski in memoriam (Bôlt 2010)

Crossroads

2011-04-11T12:11:00.000+02:00

Allá por el mes de septiembre de 2007, echaba a andar este blog mientras leía el libro “On beauty” de Zadie Smith y tomaba unas copas de Pago de Carraovejas del 2004. Por aquel entonces compré una caja de este magnífico vino, y a lo largo de estos tres años y medio he ido disfrutando del resto de botellas. Esta noche he abierto la última que me quedaba, y la verdad es que el vino sigue en un excelente estado de forma. Lástima que sea la última! Me siento a leer “Los sinsabores del verdadero policía” de Bolaño con el “Four walls” de Cage de fondo. No puedo. El piano de John McAlpine se lleva toda mi atención. “Four walls” es una música violenta, apasionada, arrolladora. Es como una lucha entre un hombre y un piano, un combate al que McAlpine se emplea con absoluta dedicación. Por momentos no se sabe muy bien quien toca a quien: si es el hombre quién toca el piano o al revés, el piano quien toca al hombre. No se si Cage lo tenía en mente cuando la escribió, pero la obra se divide en dos actos y catorce escenas (casi quince como los combates de boxeo) y su título podría recordarnos al cuadrilátero. Y no es hasta la escena final cuando comprobamos que quien gana es el hombre, que es él quien toca al piano (por cierto, esta última escena se titula “sharp and angry”, fuerte y enfadado). Lo que yo decía.

Me pregunto que debió pensar la gente que la escuchó por primerra vez cuando Cage la estrenó en 1944 con el ballet de Merce Cunningham. Más que vanguardia, les debió parecer “punk”. Cage se había instalado en Nueva York a principios de esa década, y a pesar de que Nueva York siempre ha estado a la vanguardia musical, esto debió ser demasiado. ¡Y en plena guerra mundial!

Y pienso en los contrastes de un país como Estados Unidos. Unos pocos años antes de que Cage compusiera “Four walls”, en el sur un tipo negro escribía cosas como “Come on in my kitchen”, “Terraplane blues”, “Me and the devil blues” y “Love in vain” entre otras. Se trataba de Robert Johnson, el hombre que firmó un pacto con el diablo a cambio de convertirse en “the king of the delta blues singers”. El mujeriego que fue envenenado por un marido celoso a los 27 años de edad. El bluesman que solamente grabó 29 temas en dos sesiones, 29 temas que han influido de manera especial en la mayoría de los grandes músicos de blues, jazz, rock, reggae, etc ... de la segunda mitad del siglo pasado. El músico que ya tiene un lugar entre los grandes genios del siglo XX. ¡Esto si que es tierra de contrastes!

Esuchando:
John Cage – Four walls (Largo 1994)
Robert Johnson – King of the delta blues singers, Vol. 1 & 2 (Columbia 1998)

The Rothko Chapel

2011-04-03T16:59:00.006+02:00

The Rothko Chapel es una capilla situada en Houston (Texas). Es una capilla un tanto especial, ya que no pertenece a ninguna religión o secta, sino que está dedicada a la meditación y al arte contemporáneo. Y es conocida universalmente por llevar el nombre de uno de los pintores más importantes de todos los tiempos: Mark Rothko.

Los fundadores de la Rothko Chapel, John y Dominique de Menil, encargaron en 1964 a Mark Rothko el proyecto de un espacio dedicado a la meditación, con obras suyas en las paredes, pintadas específicamente para este proyecto. Dada la personalidad de Rothko, el proyecto empantanó por conflictos con el primer arquitecto del proyecto, Philip Johnson. Luego vinieron otros arquitectos y nuevos conflictos con Rothko, hasta que finalmente la capilla fue inaugurada en 1971. Rothko no pudo verla ya que se cortó las venas a principios de 1970.

The Rothko Chapel es un pequeño edificio octogonal, sin ventanas, que alberga en sus paredes 14 pinturas monocromáticas de Mark Rothko. Estas 14 pinturas están repartidas de tal forma que transmiten al visitante una extraña sensación de oscuridad. The Rothko Chapel se ha convertido en un lugar de meditación abierto a todo tipo de religiones pero que no pertenece a ninguna, un lugar de intercambios culturales, religiosos y filosóficos, donde se llevan a cabo coloquios y actuaciones diversas.

Es fácil de adivinar, por el avatar que encabeza este blog, que Mark Rothko es mi pintor favorito de todos los tiempos. Rothko perteneció a la “Escuela de Nueva York”, que incluía a un grupo de pintores surgidos en este ciudad en los años 40. Aunque sus miembros practicaban diferentes tipos de pintura, la corriente predominante era el “expresionismo abstracto”, cuyo máximo exponente era Jackson Pollock. Rothko y otros pintores, como por ejemplo Jules Olitsky, Clyfford Still y Barnett Newman, practicaron una pintura que ellos denominaban “campos o planos de color”, que define perfectamente la obra de Rothko.

Pero, curiosamente, en los años 40 también surgió otra “Escuela de Nueva York”, la que formaron los compositores Morton Feldman, John Cage, David Tudor y Earle Brown entre otros. Su música estuvo claramente influenciada por las obras de estos pintores, principalmente Pollock y Rothko. Pero fue Morton Feldman el compositor que a mi modo de ver mejor absorbió los postulados expresionistas de estos pintores, que además fueron sus amigos, traduciéndolos en composiciones donde la repetición y el tempo resultaban fundamentales.

Fue el propio Feldman el que escribió en 1971 “The Rothko Chapel”, una composición para “viola, percusión, celesta, soprano, alto y coro”. De unos 25 minutos de duración, es una de las mejores composiciones de Feldman. Empieza con un par de minutos de viola en solitario, solo perturbada tenuemente por algunos elementos de percusión. Luego entran los coros, que dialogan con la viola como si de un funeral se tratase. Por momentos parece la música que acompañaría a una hipotética procesión de Semana Santa por el patio de un psiquiátrico.

Hay seis grabaciones de esta obra para los sellos Odyssey (1976), New Albion (1991), Col Legno (2000), Hänssler Classic (2002), Aeon (2004) y Rozart (2010). Para mi, la mejor versión es la de Hänssler Classic, con Kristen Drope (soprano), Ulrike Becker (alto), Barbara Maurer (viola), Markus Stange (celesta), Meinhard Jenne (percusión) y el SWR Vokalensemble de Stuttgart. A destacar también la grabación de Col Legno, con Julie Moffat (soprano), Ulrike Koch (alto), el Klangforum Wien dirigido por Bat Furrer y Sünfunk Chor de Stuttgart dirigido por Rupert Huber.

Como curiosidad, aunque no la he escuchado, decir que la grabación del sello Rozart la realizó el Cor de la Generalitat Valenciana y el Grup Instrumental de Valencia, bajo la dirección de Joan Cerveró.

Escuchando
Morton Feldman – The Rothko Chapel (Hänssler Classic 2002)
Alvin Lucier – Almost New York (Pogus 2011)
The Magic I.D. – I’m so awake/Sleepless I feel (Staubgold 2011)
Kees Wieringa – A new sound (DO Reccords 2006)
Manfred Werder – Stück 1998 Seiten 624-626 (Skiti 2011)
Caspar Johannes Walter – Kammermusik 1983-1995 (Wergo 1998)

108 · 109 · 110

2011-03-27T18:20:00.005+02:00

Estoy escuchando el que para mi es, hasta la fecha, el mejor disco editado en 2011. Se trata del DVD 108·109·110, publicado por el sello OgreOgress. Este sello de Michigan se ha caracterizado por haber sacado al mercado grabaciones de compositores como John Cage, Morton Feldman, Arnold Schönberg, Alan Hovhaness y María de Alvear entre otros. También ha publicado grabaciones del Tashi Lhunpo Monastery, uno de los cuatro grandes monasterios de la escuela Gelugpa del Budismo Tibetano.

De John Cage, OgreOgress ha publicado al menos ocho ediciones entre CDs y DVDs, todos ellos dedicados a las “number pieces”, de las que ya hemos hablado en este blog en repetidas ocasiones. Caben destacar las grabaciones en CD de “One6 y One10”, a cargo de la violinista oficial del sello, Cristina Fong, “Four4”, por el percusionista Glenn Freeman y “One7 (from One13) y One8”, grabadas por un (o una, yo me decanto más por esta segunda opción) violoncellista que prefirió quedar en el anonimato. A partir del 2005, el sello se ha ido centrando más en el formato DVD, así que las tres últimas grabaciones de Cage han sido publicadas en este formato: “Two3/Intlets/Two4”, a cargo de los habituales Fong, Freeman y por primera vez Tamami Tono al shô, y dos grabaciones de “number pieces” más numerosas: “Three/ Twenty-Eight/Twenty-Six with Twenty-Eight/Twenty-Eight with Twenty-Nine”, y “Twenty-Six with Twenty-Nine/Twenty-Six with Twenty-Eight & Twenty-Nine/Eighty/Sculptures Musicales”, estas dos últimas grabaciones con los habituales de la casa más los Prague Winds.

Y ahora nos llega el cuarto DVD de la serie dedicada a John Cage con tres grabaciones diferentes de la composición 108, terminada en abril de 1991. Es una composición para gran orquesta de 108 instrumentos y es la “number piece” que Cage escribió para el mayor número de participantes. La duración de 108 es de 43:30, lo que no deja de ser un guiño a su popular 4:33. En las instrucciones, Cage escribió que 108 puede ser interpretada, simultáneamente o no, con One8 (1991) para violoncello solo y/o One9 (1991) para shô y/o Two3 (1991) para shô y caracolas marinas (conch shells).

108 está compuesta de periodos de tiempo flexibles con tonos únicos, que tienen que ser interpretados con un solo arco o un solo soplido, o una simulación de ellos. Estos tonos pueden ser cortos o largos, ya que el comienzo y el final de los periodos de tiempo se solapan. Los tonos largos tienen que ser suaves y los cortos más fuertes. La obra se divide en partes en silencio y partes con sonidos: 0'00"-1'30", 14'00"-18'00", 32'30"-34'30", 35'00"-39'00" y 42'00"- 43'30" son periodos en silencio y el resto periodos de actividad. En el caso de ser interpretada con One8, el violoncello debe escucharse en los periodos de silencio. En este caso la obra se llama One8 and 108. Los instrumentos de percusión no están definidos, pero deben distinguirse unos de otros. Tienen que ser muy resonantes y ser tocados con arcos o trémolos. Cage menciona algunos como platillos chinos y turcos, gongs japoneses y balineses, ....

Hasta ahora solamente había una grabación de 108, grabada en octubre del 2000 para el sello Mode. La grabación se hizo simultáneamente con One9, quedando como “One9 and 108”. Está interpretada por Mayumi Miyata (shô) y la WDR Sinfonieorchester Köln. Este año, el sello New World ha publicado una caja con diez CDs titulada “Music for Merce”. En el disco 9 de esta caja aparece una extracto de 14 minutos de “One8 and 108” grabada en el año 2000 para la danza “Interscape” de Merce Cunningham, interpretada por Loren Dempster (cello) y Orquesta del Teatro La Fenice, dirigida por Arturo Tamayo.

El DVD que nos ocupa contiene una grabación de 108 a cargo de la Chance Philharmonic Orchestra (el libreto la llama “108: symphony for large orchestra”), además de las versiones con violoncello, One8 and 108 (el libreto la llama “109: cello concerto”) y con shô y conch shells, Two3 and 108 (el libreto la llama “110: double concerto for shô and conch shells”).

Las tres grabaciones son magníficas, con la Chance Philharmonic interpretando 108 de manera muy contenida y precisa. En “One8 and 108”, no se menciona el nombre del o de la cellista, lo que me lleva pensar que es la misma persona que grabó el CD One7 (from One13)/One8, que OgreOgress publicó en 2001. Por cierto, una magnífica grabación de One8, al menos en el mismo nivel que la de Michael Bach para Mode en 1994 (recordemos que Cage dedicó la composición al propio Bach). Y para terminar, Tamami Tono (shô) y Glenn Freeman (conch shells) interpretan “Two3” sobre la orquesta para completar de manera magistral “Two3 and 108”. Un disco imprescindible.

Escuchando:
John Cage – 108·109·110 (OgreOgress 2011)
MIMEO – Music in Movement Electronic Orchestra (Perdition Plastics 1999)
Michael Pisaro – Fields have ears (Another Timbre 2010)
Christian Wolff – Exercises (Hat Hut 1995)
Jonas Kocher - Materials (Creative Sources 2010)

Pauline Oliveros/Eliane Radigue/Yoshi Wada/Sun Circle – Attention Patterns (Important 2010)

¿En qué quedamos?

2011-03-20T16:05:00.007+01:00

Esta fotografía fue tomada el 11 de febrero de 2003 en el acto de presentación del manifiesto contra la guerra. La guerra de Irak estalló finalmente el 20 de marzo de ese año, y el segundo por la derecha en la foto declaró: " Hoy, cada bomba ha atentado directamente contra los valores y los principios de la democracia y del orden jurídico internacional. Hoy, cada bomba ha sembrado la semilla del odio en millones de seres humanos".

Vista hoy, ocho años después, la fotografía no tiene desperdicio. El cartel repite en 21 ocasiones la frase "No a la guerra", sin explicar a qué guerra se refiere, por lo que hemos de pensar que se refiere a la guerra en general, es decir, a todas las guerras. Si no, el cartel debería haber mencionado "No a la guerra tal o a la guerra cual". Pues bien, ocho años después, el segundo por la derecha de la foto mete a nuestro país en otra guerra, aunque según parece, ésta es una guerra diferente, una "guerra buena", una guerra de playmobil. Un sapo difícil de tragar. Y es que al final, el tiempo siempre pone a cada uno en su sitio.

Y el primero por la derecha fumándose una pipa (¿de la paz?) en un acto público, algo que ocho años después sería considerado como un delito con su correspondiente "multita". Y las botellas de agua "tiradas" literalmente por la mesa. ¡Qué cruel es la memoria, amigos! (forgotten memories).

Sendai

2011-03-16T19:55:00.007+01:00

Sendai-shi. Bonita ciudad del norte de Japón, conocida por los japoneses como la ciudad de los árboles (mori no miyako). Capital de la prefectura de Miyagi. Fundada en 1600 por un samurai, Date Masamune. Un millón de habitantes. 360 km al norte de Tokyo, o sea, a poco más de una hora en shinkansen (tren bala).

Quienes sigan este blog sabrán de mi admiración por la cultura y la gastronomía japonesas. Por motivos profesionales he viajado en bastantes ocasiones a Japón, casi siempre a visitar a uno de nuestros mejores clientes, que tiene sus oficinas centrales en Sendai. Viajaba a Tokio en avión y desde Tokio a Sendai en shinkansen. Siempre me pareció una ciudad bastante más pequeña y tranquila de lo que puede esperarse de una ciudad de un millón de habitantes. Al margen del trabajo, recuerdo lo difícil que era comunicarse con sus habitantes, y lo complicado que ear encontrar gente que hablase un idioma mínimamente inteligible. Incluso pedir la comida en los restaurantes era un verdadero lío. Luego venían las sorpresas. Es lo que ocurre en Japón cuando te alejas de Tokio. A pesar de la fama de viajeros que tienen, los idiomas no son el punto fuerte de los japoneses. Pero guardo muy buenos recuerdos de Sendai.

Hasta el pasado viernes Sendai era un perfecta desconocida para la mayor parte de los habitantes de este planeta. Pero ese día Sendai entró tristemente en la historia por haber soportado uno de los más feroces terremotos de todos los tiempos, al que las autoridades japonesas han denominado "terremoto de la costa Pacífico de la región de Tôhoku 2011", un terremoto de intensidad 9 en la escala Richter que además provocó un violento tsunami con olas de hasta 12 metros.

Las imágenes han impactado al mundo. Hasta tal punto que parece que lo de Japón es lo único que sucede en el mundo en estos días. Pero también han mostrado a un pueblo envidiable, un pueblo donde la mezquindad brilla por su ausencia. Todavía tengo amigos en Sendai a los que he contactado y todos me han confirmado que tanto ellos como sus familias están bien (dentro de lo que cabe, por supuesto), aunque no saben que les deparará el futuro. Desde aquí les deseo lo mejor, como a todo el pueblo japonés. Estoy seguro que sabrán salir adelante.

Piano, violin, viola, cello

2011-03-13T16:18:00.003+01:00

Piano, violin, viola, cello. En principio puede parecer una simple enumeración de instrumentos musicales, pero en realidad se trata del título de la última composición que escribió Morton Feldman. La terminó el 28 de mayo de 1987, apenas tres meses antes de su muerte el 3 de septiembre de ese mismo año.

Siempre me han llamado la atención un par de cosas de esta composición. En primer lugar, el título, ya que lo lógico sería que se llamase “Piano, violín, viola and cello”. Y en segundo lugar, que siendo una composición tan feldmanesca y además la última que escribió el genio neoyorkino, hasta la fecha solamente había sido publicada una grabación de la misma, la realizada por miembros del Ives Ensemble para el sello suizo Hat Hut, John Snijders (piano), Josje Ter Haar (violin), Ruben Sanderse (viola) y Job Ter Haar (cello). La grabación de este disco se realizó el 3 y 4 de febrero del 1994 en el Sandersaal de Frankfurt, el CD fue publicado en 1995 y desde hace tiempo está descatalogado. El propio sello Hat Hut ha anunciado que va a reeditar esta grabación, pero de momento no hay fecha prevista.

Por eso ha sido una agradable sorpresa que hace unos días el sello holandés BVHaast haya publicado otra grabación de “Piano, violín, viola, cello”, realizada el día de su estreno mundial el 17 de junio de 1987 en el Kloveniersdoelen de Middelburg (Holanda), grabación realizada en presencia del mismísimo Feldman. La premiere de esta composición corrió a cargo de la omnipresente Aki Takahashi (piano), Mifune Tsuji (violín), Matthijs Bunschoten (viola) y Tadashi Tanaka (cello), todos músicos desconocidos para quien esto escribe, excepto Aki Takahashi. Como hemos dicho al principio, Feldman terminó la composición el 28 de mayo y esta grabación se realizó el 17 de junio, o sea, apenas 20 días después. ¡Pero si casi no tuvieron tiempo los músicos de estudiar la partitura!

“Piano, violín, viola and cello” fue la última composición de Feldman, y tiene mucho en común con la mayoría de las obras que escribió en los años 80, a las que se conoce como “late pieces” (For Bunita Marcus, Triadic Memories, Patterns in a chromatic fields, Trio, Piano and string quartet, ….). En “Piano, violín, viola and cello” el ritmo es más lento que en sus obras anteriores, lo que nos indica que Feldman estaba en un proceso “ralentizador” de su música, lo que le hacía distanciarse, musicalmente hablando, cada vez más de otros compositores contemporáneos. Las cuerdas van creando una especie de colchón sonoro (en la línea del SQII del propio Feldman) sobre el que el piano se despereza con notas desganadas, perezosas, claustrofóbicas diría yo, pero de una belleza incontestable. Es una música difícil que requiere concentración y no creo yo que sea la más adecuada para introducirse en el universo Feldman, pero una vez dentro, estaremos de acuerdo en que se trata de una de sus composiciones más personales.

No sabría con cual de las dos grabaciones quedarme. La de Hat Hut es más viva y más rápida (75’50”), como si estuviera grabada más de cerca, como casi siempre ocurre con las interpretaciones del Ives Ensemble. La de BVHaast es más lenta (84’39”), desganada y claustrofóbica, y parece como si hubiera sido grabada desde más lejos.

Solamente está disponible la de BVHaast, y para quién esté interesado, puede adquirirse aquí.

Escuchando:
Morton Feldman – Piano, violin, viola, cello (BVHaast 2011)
Alvin Curran – Solo works: the ‘70s (New World 2011)
Erik Satie - Trois Sarabandes et Six Gnossiennes (Nato 2007)
Erik Satie - 42 vexations (Sub Rosa 2009)
Iannis Xenakis – Works with piano (Mode 2010)
Ferran Fages/Robin Hayward/Nikos Veliotis – Tables and stairs (Organized Music from Thessaloniki 2011)

Kunsu Shim

2011-03-04T15:42:00.003+01:00

Mi primer contacto con la música de Kunsu Shim se produjo allá por el año 2005. El ensemble alemán Zeitkratzer, del que ya he escrito aquí hace unos meses, había sacado al mercado un extraño disco llamado “Die kraft der negation” en el sello Volksbühne Recordings (Volksbühne es un teatro en la Rosa-Luxemburg-Platz de Berlín, y el sello se dedica a sacar grabaciones realizadas en dicho teatro). El disco en cuestión había sido grabado en dicho teatro el 30 de junio del 2002. ¿Y por qué digo un extraño disco? Porque contenía dos versiones de otros tantos temas de los industriales Throbbing Gristle y los electro-punks Suicide, y cuatro composiciones de compositores tan dispares como John Cage, Helmut Lachenmann, Terre Thaemlitz y .... Kunsu Shim. Todos estos nombres eran conocidos para mí excepto el de Shim, que aportaba al disco una composición de 1994 llamada “Man lässt dinge fallen und beobachtet sie - ein herbstmusik”, algo así como “Puedes ver como caen las cosas – Un musical de otoño”. que no es más que eso, el sonido de ciertos objetos que caen y colisionan con diferentes superficies. Y silencios, por supuesto. En la línea de Branches (1976) de John Cage y Stones (1995) de Christian Wolff. Escuché varias veces el disco, no me gustó mucho, y lo olvidé.

Al año siguiente entré en contacto con el sello Wandelweiser, y en los cinco años que han pasado desde entonces me he hecho con buena colección de discos de este sello. Entre ellos, un disco del Ensemble Q-O2, grabado en Bruselas en 1998, en el que interpretan, además de composiciones de los Wandelweiserianos Burkhard Schlothauer, Manfred Werder y Carlo Inderhees, otras dos composiciones de Kunshu Shim: “Relations” (1995) para violín, viola y violoncello, y “Chamber piece No.1” (1994) para voz, flauta, clarinete, violín, viola y violoncello. Relations es una composición muy austera de cinco minutos de duración en la que Silvia Tentori Montalto, Gabriella Strümpel y Julia Eckhardt producen sonidos muy secos y rasgados en las cuerdas de sus instrumentos, violin, violoncello y viola respectivamente. Pero lo más curioso es que Chamber Piece No.1, una composición para voz y cinco instrumentos, solo dura ¡cuatro segundos!. Un gritito, una nota ... y se acabó. Este ha sido un disco que he escuchado muchas veces en los últimos tiempos. Así que a principios de febrero decidí investigar un poco más sobre Kunsu Shim, y me encontré con que el sello alemán Edition Zeitklang tenía editado, desde 2007, un disco de Shim con dos composiciones para piano. Así que lo pedí, junto con el que el gran cellista Rohan de Saram sacó en el mismo sello en 2009 con composiciones de Berio, Gehlhaar, Steinke, Zimmermann, Xenakis, Ruzicka y Pröve.

Kunsu Shim nació en Corea de Sur en 1959. A principios de los 80 estudió composición con Iyong La, y en 1985 se trasladó a Alemania, donde estudió dos años con Helmut Lachenmann. Entre 1989 y 1992 estudió con Nicolaus A. Huber, cuyo lenguaje musical “simple, pero fuerte” causó un gran impacto en el joven Shim. A partir de ahí su estilo musical cambió radicalmente, en parte influenciado por la vanguardia americana, Feldman y Cage principalmente, lo que le llevó a incorporarse al colectivo Wandelweiser en 1994. Con los compositores de este colectivo (Antoine Beuger, Jürg Frey, Chico Mello y Thomas Stiegler entre otros) Shim compartía actitudes estéticas básicas como el silencio y la simplicidad. Abandonó el colectivo en 1999, y desde entonces vive y trabaja en Alemania con su compañero Gerhärd Stabler.

El disco en cuestión contiene dos composiciones de Shim: “trace, elements (IIa)” para piano y cuatro manos (2005), y “54 things” para piano solo (2005), interpretadas magistralmente por Aya & Kozue Ara, pianistas japonesas que en el momento de la grabación de este disco tenían 28 y 26 años respectivamente.

Las dos composiciones consisten en una sucesión de acordes interpretados muy suavemente y a los que se hace resonar con el pedal a mitad. Estos acordes están agrupados de acuerdo a principios estructurales o divididos por silencios. “trace, elements (II)” es una de las cinco partes de un ciclo, en las que el piano es el instrumento central. Es esencialmente un estudio de la similitud entre acordes de siete y nueve notas. Los acordes están divididos en dos grandes grupos separados por un silencio de entre 60 a 90 segundos, durante los cuales el pedal es pisado. “54 things” está dividida en 54 partes, cada una de las cuales está a su vez dividida en cuatro secciones agrupadas en 3+1 por dos pausas y una doble pausa. Aya Ara interpreta en el disco las doce primeras partes de esta composición.

Es un gran disco en el que se aprecian claramente las influencias de Cage y Feldman (sobre todo de sus últimos años) y del colectivo Wandelweiser, del que Shim formó parte durante seis años. El propio Shim lo describe así: “El silencio es especialmente significativo: agudiza nuestra percepción de los pequeños detalles y hace que parezca que las cosas cotidianas hablan. Esto requiere una escucha muy paciente”. “54 things nos recuerda a la serie “Ten thousand things” de John Cage, que se refiere al antiguo concepto cosmológico chino wan wu (10.000 things), que niega la distinción entre cosas primarias y secundarias (o pensamientos primarios o secundarios), y respeta cada cosa por su singularidad. Esto está también muy bien expresado en el poema de William Blake con el que Shim encabeza la partitura de “54 things”:

Cada grano de arena,
cada piedra en la tierra,
cada colina, cada piedra,

cada pequeña gota de agua,
cada planta, cada árbol,
la tierra, el espacio y el mar,
las nubes, las estrellas,
son seres humanos, brillando desde lejos.

Escuchando
Kunsu Shim - trace, elements (IIa)/54 things (Edition Zeitklang 2007)
Rohan de Saram - Berio/Gehlhaar/Steinke/Zimmermann/Xenakis/Ruzicka/Pröve (Edition Zeitklang 2009)
Ensemble Q-O2 – Shim/Schlothauer/Werder/Inderhees (Wandelweiser 2001)
Manfred Werder - Ein(e) Ausführende(r) Seiten 218-226 (Wandelweiser 2006)
Antoine Beuger – Keine fernen mehr (Wandelweiser 2010)
AMM - Live Università La Sapienza di Roma, 11th March 2008 (No label)

November

2011-02-27T18:36:00.004+01:00

Hoy está haciendo un día magnífico, soledado y casi casi primaveral. Y es que el próximo martes entramos en marzo, lo que siginifica que ya decimos adiós al invierno. Parece que no tiene mucho sentido la fotografía que ilustra esta entrada, en la que se ve a gente paseando bajo la lluvia, estampa más propia del otoño que de la primavera. Pero sí que lo tiene.

Estos días atrás he estado escuchando una magnífica grabación de la obra "November", del compositor norteamericano Dennis Johnson. Escrita en 1959, November es una composición para dos pianos, muy minimalista y muy larga: más de cuatro horas de duración. Es un claro ejemplo del estilo basado en "largos tonos" que desarrollaron a finales de los 50 compositores minimalistas como La Monte Young y Tony Conrad en la Universidad de California en Los Angeles (UCLA). Incluso el propio Young reconoció que November le había influído a la hora de componer su obra mestra "The well-tuned piano" en 1964. Johnson también ejerció una gran influencia en el joven compositor californiano Terry Jennings, a quién conoció en 1957 cuando Jennings tenía 17 años.

La grabación en cuestión está interpretrada por la pianista Sara Cahill y el compositor Kyle Gann, y fue grabada en Kansas City el 6 de septiembre de 2009. Esta grabación puede descargarse desde la web de Kyle Gann.

También me gustaría recomendar otra grabación que también puede descargarse en internet: Ὅροϛ μετέωροϛ (Horos Meteoros), del compositor alemán Jakob Ullmann. Ya escribí aquí hace un par de años sobre este magnífico compositor, y los que sigan este blog sabrán que su disco "A catalogue of sounds" (Edition RZ 2006) quedó tercero en mi lista de los mejores discos de la pasada década.

Ὅροϛ μετέωροϛ (2009) es una composición basada en fragmentos dramáticos de Esquilo y Eurípides, y en el terreno estrictamnete musical, muy típica de Ullmann. Forma parte de un proyecto llamado "Neue Musik, Forschung durch Musik", patrocinado por la Gare du Nord de Basilea y el Departamento de Historia de la Universidad de Basilea. Es un proyecto músico-ciéntifico sobre la historia de la estación de tren de Baden en Basilea (Suiza). El estreno de esta obra se realizó entre el 15 y el 22 de octubre de 2009, y en dicho estreno participaron Christiane Mikoleit (soprano), Silvester von Hösslin (narrador), Basler Madrigalisten, Mondrian Ensemble Basel, Conrad Steinmann (aulós), Molly McDolan (corno inglés), Daniel Weissberg (electrónica), Francesc Prat (director musical) y Nives Widauer (vídeo). La grabación puede descargarse desde la web de Molly McDolan.

Esta grabación nos sirve como aperitivo para el próximo disco de Jakob Ullmann, "Solo I+II+III", que será editado en breve por el sello Edition RZ. Grabado el 7 de septiembre de 2010 en Abteikirche Neresheim e interpretado por Molly McDolan (oboe da caccia), Dafne Sandoval (fagott) y Hans-Peter Schulz (órgano), se puede escuchar un fragmento en la propia web de Edition RZ.

Escuchando:
Dennis Johnson - November (No Label 2009)
Music for Merce (New World 2010)
R. S. Gjertsen - Grains (+3db 2009)
Lene Grenager - Affinis Suite (+3db 2009)
Philip Thomas - Comprovisation (Bruce Fingers 2007)
Matthias Pintscher - Janusgesicht (Wergo 2002)

Triadic Memories, revisited

2011-02-13T14:00:00.006+01:00

Hace un par de años escribí en este blog una entrada dedicada a Triadic Memories, composición para piano escrita por Morton Feldman en 1981 y, en mi opinión, una de las mejores obras para piano del sigo XX. En aquel post, clasifiqué las doce grabaciones que tengo de Triadic Memories en función de su duración. Me interesaba mucho el “tempo” que el pianista imprimía en su interpretación. Y llegaba a la conclusión de que dos de las mejores interpretaciones son la más corta (Aki Takahashi, 61’) y la más larga (Sabine Liebner, 124’). Entre tanto, otras diez grabaciones por grandes pianistas como John Tilbury, Roger Woodward y Markus Hinterhauser, entre otros. Entre las grabaciones que menos me gustan está la del pianista belga Jean-Luc Fafchamps, que la grabó en 1990 para el sello Sub Rosa. No se explicar por qué, pero es una grabación que “me deja frío”.

Pues bien, el sello Sub Rosa va a sacar al mercado un nuevo CD con Triadic Memories, interpretado por Jean-Luc Fafchamps. La primera pregunta que me viene a la mente es obvia: ¿será una reedición del CD editado en 1990 o una nueva grabación? La siguientes palabras del pianista belga responden por sí mismas a la pregunta:

“En el verano de 1990, lancé en el sello Sub Rosa una grabación de Triadic Memories de Morton Feldman (1926-1987). Fue una de las primeras grabaciones de esta larga obra para piano, escrita el 23 de julio de 1981. La partitura que usé había sido publicada por Universal Edition en 1987 con el número UE 17326. Poco después de que que mi CD saliera al mercado, Universal publicó una nueva edición. Al final de la página 2, debajo de una dedicatoria a Aki Takahashi y Roger Woodward, había escrita una pequeña mención: edición corregida el 14.02.1991. No la tuve en cuenta durante mucho tiempo. Había leído, analizado y trabajado cuidadosamente mi partitura de 1987, la había interpretado en directo y también la había grabado. La obra sonaba muy bien, el diseño de la edición era impecable, la composición era coherente de la A a la Z, y no había sido publicada ninguna fe de erratas. Para mis ojos, la partitura era la obra. Muchos oyentes me dijeron que les gustaba el tono meditativo del álbum, y yo estaba orgulloso de ello. Pero había algo rondando por mi mente ... Me dediqué a otros proyectos, y consideré este asunto cerrado. Sin embargo, bastante tiempo después, debido a unos pocos e incomprensible signos exteriores, decidí comprar una nueva partitura de Triadic Memories. Inmediatamente observé la mención “edición corregida”. El diseño de la partitura era exactamente el mismo excepto en un pequeño detalle: a partir de la página 5, pequeños dígitos empiezan a aparecer encima de la mayoría de las marcas de repetición. Estos dígitos, que habían sido omitidos en “mi” partitura, indicaban obviamente el número de veces que algunos pasajes debían repetirse – no solamente dos veces, sino tres, cuatro, cinco, siete ... hasta once veces! Este pequeño detalle tiene enormes consecuencias en la forma de la composición. Universal Edition ni siquiera se había preocupado de informarme de este asunto. Yo estaba mortificado! Con increíble generosidad, el sello Sub Rosa me ofreció la posibilidad de realizar una nueva grabación de esta obra exactamente 20 años después de la anterior. Así que aquí está. He hecho todo lo posible para mantener el espíritu de la grabación de 1990: el mismo piano, el mismo ingeniero, el mismo método de trabajo, el mismo enfoque para el teclado. Pero ahora con la partitura correcta, mi propia versión corregida. Que a decir verdad, es totalmente diferente. Para mi, no hay posible versión corregida. La edición 1987-1991 era simplemente una obra diferente, que no había sido completamente diseñada por su creador, y que presentaba problemas diferentes a sus intérpretes”.

O sea, que en 1990, cuando Fafchamps realizó la grabación para Sub Rosa, utilizó una partitura que no era la correcta, ya que la partitura correcta no fue publicada hasta febrero de 1991. Las palabras de Fafchamps nos llevan a otra pregunta obvia: ¿qué partitura utilizaron el resto de pianistas que han grabado esta composición? Veamos.

Las trece grabaciones realizadas hasta la fecha, por orden cronológico, son las siguientes:

- Aki Takahashi (Alm): 7 de abril de 1983
- Jean-Luc Fafchamps (Sub Rosa): abril de 1990
- Roger Woodward (Etcétera): 4, 24 y 28 de septiembre de 1990
- Anton Bagatov (Long Arm): febrero de 1992
- Markus Hinterhauser (Col Legno): 26 de marzo de 1993
- John Tilbury (LondonHALL): octubre de 1996 y marzo de 1997
- Louis Goldstein (Offseason Productions): 19 de mayo de 1999
- Sabine Liebner (Oehms): mayo de 2001
- Marilyn Nonken (Mode): 29 de mayo de 2003
- Pia Blum (Ton Art): 2004
- John Tillbury (Atopos): 10 de junio de 2008
- Steffen Schleiermacher (MDG): 2008
- Jean-Luc Fafchamps (Sub Rosa): 2010

De aquí se desprende que la primera grabación y la única que conoció Feldman fue la de Takahashi, que junto con las de Fafchamps y Woodward, se realizaron antes de la corrección de la partitura en febrero de 1991. Incluso Aki Takahashi la grabó antes de la publicación por parte de Universal de la primera partitura en 1987. Otra pregunta obvia: ¿Qué partitura utilizó Ms. Takahahsi en 1983? Todos los demás pianistas tuvieron a su disposición la partitura corregida, por lo que es de suponer que la utilizaron.

Por cierto, la grabación de Fafchamps de 1990 dura 74'25", mientras que la de 2010 dura 73'59". O sea, que la duración de las dos grabaciones es muy similar. Por aquí ninguna pista. Esperamos escucharla pronto.

Escuchando
Morton Feldman - Triadic Memories (Sub Rosa 1990)
John Cage - Complete piano music Vol. 9: Etudes australes (MDG 2002)
AMM - Uncovered correspondence: a postcard from Jaslo (Matchless 2010)
Ingar Zach - M.O.S (Sofa 2010)
Jakob Ullmann - Horos Metoros (No Label 2009)
Jason Kahn - Sin Asunto (Creative Sources 2010)
Manfred Werder - Stück 1998 seiten 624-626 (Skiti 2010)

Osvaldo Coluccino

2011-01-29T13:30:00.006+01:00

En mi post de del pasado 30 de diciembre, en el que detallaba la lista de los mejores discos del 2010, comentaba también que el descubrimiento del año había sido la música del compositor italiano Osvaldo Coluccino, y concretamente su disco Gemina (Due Punti Edizione 2010). Compré este disco a finales del año, y acabó aupándose al puesto número 6 de la lista en cuestión. En aquella ocasión olvidé mencionar otro descubrimiento del año pasado: el compositor griego Anastasis Filippakopoulos y su magnífico disco Solo Pieces (Wandelweiser 2005).

Volviendo a Coluccino, en el mismo post escribía que Gemina contiene ocho espléndidas miniaturas, de entre tres y seis minutos de duración, para otros tantos duos (violin/piano, flauta/piano, violin/viola, flauta/guitarra, violin/cello, clarinete/saxofón, cello/piano y trombón/electrónica), interpretados de manera magistral por un nutrido elenco de músicos italianos, entre los que se encuentran Marco Sala y Marino Nicolini (piano), Gianluca Turconi (violin), Andrea Repetto (viola), Manuel Zigante (violoncello), Leopoldo Saracino (guitarra) y Daniela Cima (flauta). Las ocho composiciones que integran Gemina son de una austeridad que me recuerda mucho a la música de Morton Feldman, donde se deja mucho espacio a las notas para que puedan ser degustadas sin prisas. A destacar Gemina (violin/piano), Talea (violin/violoncello) y Specchio (violoncello/piano). Por último, el disco fue grabado entre 2008 y 2009 en la Sala Barocca del Studio SMC de Ivrea. Un gran disco, de lo mejorcito del año pasado.

Pues bien, el propio Osvaldo Coluccino fue tan amable de enviarme otros dos discos suyos: Voce d’Orlo (RAI Trade 2009) y Neuma Q (Die Schachtel 2010). Voce d’Orlo es otro espléndido disco que contiene otras siete composiciones, también muy austeras, aunque para grupos instrumentales más numerosos que en el caso de Gemina, e interpretadas por los miembros del Algoritmo Ensemble, dirigido por Marco Angius. El disco se abre con Voce d’Orlo, una bella composición para flauta, clarinete, violin y violoncello, que da paso a dos de las mejores piezas del disco: Lasciato (violin, violoncello y piano) y Without witness (clarinete, violoncello y piano). Como curiosidad, durante el transcurso de esta última hay un momento en que los músicos parece que se van a arrancar con el popular ¡ya se han casado, ya se han casado!, pero es solo un segundo. Luego viene Coro, para flauta y violín, una combinación un tanto extraña, y Prima stanza, para piano, interpretada por Ciro Longobardi, una obra bastante espaciada y que para mí debería desarrollarse bastante más de los casi cinco minutos que dura. Que sabe a poco, vamos! El broche de oro lo pone ensemble al completo interpretando Gamete Stele, otra de las composiciones cumbre del disco. Simplemente añadir que el disco fue grabado los días 4 y 5 de febrero de 2008 en el VDM Studio de Roma, excepto Gamete Stete, que fue grabada en el teatro Tese delle Vergini durante el concierto de la Biennale de Venecia de 2007.

Neuma Q es un disco totalmente diferente, ya que se trata de una composición electro-acústica del 2006. En el libreto, el propio Osvaldo hace una reflexión sobre expropiación y reapropiación para definir Neuma Q: “Un espacio diferido, anticipado, aspirado, espacio como radio-interferencia, cortocircuito, agujero negro, desglose del lenguaje, infrasonidos – y aquí estamos en la primera pieza, el eje de la obra – pero también un espacio torcido, tendido, polvoriento, ronco, metamorfosis ... Parece la estrategia para un proyecto de espacialización, pero Neuma Q, fijado solamente por implementaciones textuales, .... detiene su onda en un no-espacio tan asfixiante como sin límites”. Claro? Claro. Neuma Q se estrenó pro primera vez en su totalidad el 19 de noviembre de 2006 en el Festival di Nuova Conosnanza, en el Instituto Goethe de Roma.

Como todas las composiciones electro-acústicas, Neuma Q es difícil de describir. Si bien es una sola obra dividida en cuatro partes, en una primera escucha las percibí como cuatro obras diferentes, la primera de las cuales me dejó más bien frío, siendo la mejor la cuarta. Posteriores escuchas hicieron que la percibiese como una sola composición, y ahí la obra sale ganadora.

Osvaldo me comenta que acaba de terminar la masterización de sus "string quartets". Esperamos poder escucharlos pronto.

Escuchando:
Christian Wolff – Percussionist songs (Matchless 2003)
Eliane Radigue – Jouet electronique/Elemental I (Alga Marghen 2010)
Ernstalbrecht Stiebler – Three in one (Hat Hut 1996)
Julia Holter – Celebration (Engraved Glass 2010)
John Cage – Four4 (Another Timbre 2010)
John Cage – The works for piano 6 (Mode 2005)
Michael Moser – Resonant cuts (Edition RZ 2010)

Eliane R, 79

2011-01-24T19:49:00.006+01:00

Eliane Radigue cumple hoy 79 años. Ya he escrito aquí en varias ocasiones sobre esta singular compositora francesa, y no me cansaré de decir la importancia que tuvo en su momento para, junto con Cage, Feldman, Lachenmann y Sugimoto, cambiar radicalmente mi manera de escuchar y entender la música.

Casualmente, el sello Alga Marghen ha sacado al mercado las últimas grabaciones, de momento, de Eliane Radigue (y digo de momento porque cualquier día de estos tienen que publicarse Naldjorlak II y III, con Michael Moser, Carol Robinson y Bruno Martinez). Por desgracia, las dos grabaciones de Alga Marghen solo están disponibles en LP y en edición limitada de 300 copias. Estas son "Jouet Electronique" (1967) para feedback en cinta magnética, y "Elemental 1" (1968) para feedback de sonidos naturales en cinta magnética. Las dos son composiciones primerizas de Radigue, de 12 minutos de duración cada una aproximadamente, y las dos fueron grabadas en el estudio Apsome de Pierre Henry en Paris. Ninguna de las dos composiciones había sido publicada anteriormente.

En mi opinión, ninguna de estas dos tempranas composiciones está entre sus mejores obras, así que podemos decir que este disco es fundamentalmente para completistas. Es entre 1972 y 1974, con Geelriandre, Arthesis, Biogénésis y Adnos I, cuando despunta el talento de esta genial compositora. Luego, ya en los 80, perfecciona su estilo con Adnos II y III, Songs of Milarepa, Jetsun Mila, Kyema, .... Y así hasta este 2011, en el que, como hemos dicho al principio, Eliane cumple 79 años. ¡Felicidades desde "forgotten memories"!

Four walls

2011-01-15T17:57:00.005+01:00

Four walls. Una de las primeras obras maestras de John Cage. Escrita en 1944 a la edad de 33 años, Four walls es una composición para piano y voz (aunque la voz solo aparece en la escena VII). De casi una hora de duración, en esa época era su composición más larga. John Cage escribió Four walls para el coreógrafo Merce Cunningham, quien a su vez escribió las partes vocales de la escena VII (Sweet love my throat is gurgling). La obra está dividida en dos actos: el primero de ellos se divide en ocho escenas y el segundo en seis. Las escenas III, IV y V del primer acto están separadas por sendas "dance". O sea, en total serían catorce escenas: trece para piano solo y una para voz solo, que es la que escribió Cunningham. Como curiosidad decir que algunos pianistas "fusionan" las escenas XIII y XIV en una sola, de tal manera que sus grabaciones solo contienen trece escenas.

Four walls trata de una familia disfuncional, compuesta por una madre débil pero cariñosa y un padre que no habla, un hijo y una hija rebeldes y el novio de la hija. Además, hay un "coro parlante" de seis personas compuesto por amigos y parientes de la familia, y otro "coro danzante" compuesto por seis locos. La música es diatónica, lo que significa que solo se utilizan las teclas blancas del piano. La estructura musical de la obra está llena de contrates entre fuerte y suave, alto y bajo, rítmico y sostenido, sonido y silencio, .... con unos pocos elementos que se repiten y alternan de diferente manera, dando lugar a una gran intensidad psicológica, muy en concordancia con la hsitoria de la obra.

El estreno de Four walls tuvo lugar el 22 de agosto de 1944 en el Perry Mansfield Workshop, Steamboat Springs, Colorado. John Cage la interpretó al piano para un elenco de bailarines, entre los que se encontraban Merce Cunningham y Julie Harris. Desde entonces, varios pianistas contemporáneos se han enfrentado a esta magnífica composición con resultados dispares. A continuación vamos a detallar las diferentes grabaciones por orden cronológico:

- "John Cage: Four Walls (Tomato 1989): primera grabación de Four Walls en marzo de 1979 en los estudios Capitol de Los Angeles, California. Los intérpretes fueron Richard Bunger (piano) y Jay Clayton (voz). El LP fue publiado por el sello Tomato en 1989, y posteriormente en CD en 2003. También el sello Wea Atlantic ha sacado al mercado una versión en CD de esta grabación.

- "John Cage: The Perilous Night/Four Walls" (New Albion 1991). Margaret Leng Tan (piano) y Joan La Barbara (voz), dos pesos pesados de la interpretación de la obra de Cage, grabaron Four Walls en noviembre de 1990 en la American Academy and Institute of Arts and Letters de Nueva York. Dado que se trata de dos intérpretes muy conocidas y un buen sello discográfico, esta grabación es una de las más populares.

- "John Cage: Four Walls" (Largo 1994). El gran pianista neozelandés John McAlpine, responsable de magníficas grabaciones de obras de Jürg Frey, Makiko Nishikaze y Tom Johnson para el sello Wandelweiser, grabó su versión de Four Walls el 20 y 30 de abril de 1994 en la Deutschland Radio Funkhaus de Colonia, acompañado de la soprano Beth Griffith. En mi opinión, una de las mejores grabaciones de esta composición.

- "John Cage: Four Walls (Long Arm Records 2002): grabación en vivo durante el Lockenhaus Chamber Music Festival de Austria, la noche del 8 de julio de 1994, entre las 00:00h y las 01:00h, por el pianista ruso Alexei Lubimov, acompañado a las voces por la soprano Marianne Pousseur.

- "John Cage ... In Memoriam" (Albany Troy 1996). Grabación realizada el 2 de noviembre de 1994 en el John C. Borden Auditorium, MSM, New York City, por el pianista Joshua Pierce y el tenor Robert White en la escena VII. Esta misma grabación aparece también en el disco "John Cage: A Tribute" (Ants Records 2001), doble CD que también contiene una de las más conocidas composiciones de Cage, Sonatas and interludes for prepared piano (1948), sí como de otras composiciones interpretadas por el American Festival of Microtonal Music Ensemble.

- "John Cage Vol. 28: The Works for Piano 5" (Mode 2003). El pianista Haydée Schvartz grabó Four Walls el 29 y 30 de octubre de 1995 en el Slee Hall de la Universidad Estatal de Buffalo, Nueva York. Posteriomente, se añadieron las voces de la escena VII grabadas por Jack Bruce el 13 de octubre de 2002 en los estudios Clinton Sound de Nueva York.

- "John Cage: Voice and Piano" (MDG 2001). Grabación realizada entre el 20 y 22 de noviembre del 2000, en el Fürstliche Raitbahn, Bad Arolsen, Alemania, por el ubicuo pianista Steffen Schleiermacher y la cantante Ana Clementi.

- "Four Walls: Aki Takahashi plays John Cage" (Camerata 2003). La excepcional pianista Aki Takahashi grabó la que para mí es la mejor versión de Four Walls entre el 2 y 4 de abril de 2003 en el Mie Center for de Arts de Tsu, Japon. Le acompañó en la voces Megumi Hashiramoto.

- "John Cage: Four Walls" (Brilliant Classics 2007). Grabación realizada en la Sala Assunta de la Ciudad del Vaticano, en mayo del 2007, por Giancarlo Simonacci al piano y la voz de Lorna Windsor. Triple CD que contiene, además de Four walls, diversas obras para piano y violin y piano y percusión.

Escuchando:

- Salvatore Sciarrino - Sue poemi concentrici (Kairos 2009)

- Eliane Radigue - Jouet electronique/Elemental I (Alga Marghen 2010)

- Michael Pisaro - Fields have ears (Another Timbre 2010)

- Claude Tchamitchian - Another childhood (Emouvance 2010)

- Iannis Xenakis - Works with piano (Mode 2010)

- Michael Moser - Resonant cuts (Edition RZ)

- Otomo Yoshihide/Axel Dörner/Sachiko M/Martin Brandlmayr - Allurements of the ellipsoid (Neos 2010)

Los mejores discos del 2010

2010-12-30T17:06:00.006+01:00

"Año de nieves, año de bienes", dice un conocido dicho popular. ¿Alguien recuerda las extraordinarias nevadas de enero y febrero de este año? Yo si. ¿Y alguien recuerda los bienes de este año? Yo no. En eso deben de consistir las crisis modernas, en que ya no se cumplen ni los dichos populares. "El político debe ser capaz de predecir lo que va a pasar mañana, el mes próximo y el año que viene, y de explicar después por qué no ocurrió lo que él predijo", sentenció en cierta ocasión Winston Churchill.

Este 2010 que ya se nos va ha sido para mi un año de importantes cambios profesionales. El trabajo me ha tenido más ocupado que de costumbre, por lo que he tenido menos tiempo libre para dedicarlo a la música, al cine y a la lectura. He escuchado menos discos que otros años, he visto menos películas y he leído menos libros que de costumbre, pero como siempre se hace por estas fechas, hago propósito de enmienda y me comprometo a dedicarles más tiempo en 2011. Ya veremos.

En el terreno musical, hay varios nombres que me vienen a la cabeza cuando repaso los últimos 365 días. Entre ellos, John Cage y Morton Feldman, los dos grandes de la New York School, cuyas composiciones están siendo revisadas permanentemente por los mejores intérpretes y sellos contemporáneos. De Feldman hemos escuchado una magnífica versión de Trio (1980) para el sello Mode, a cargo de Aki Takahashi, Marc Sabat y Rohan de Saram (se recomienda el DVD, para ver el nivel de concentración de los tres músicos), dos estupendas interpretaciones de Piano and string quartet (1985) y For John Cage (1982) a cargo de John Tilbury y The Smith Quartet para el sello Matchless y otra interpretación de For Bunita Marcus (1985) a cargo de Louis Goldstein para Nuscope. Estas dos últimas grabaciones me parecen muy interesantes ya que Matchless y Nuscope no son precisamente sellos especializados en música contemporánea. Por último, Steffen Schleiermacher nos ofreció el tercer volumen de su serie sobre Feldman Late Piano Works, que incuye Palais de Mari (1986) y Piano (1977).

De John Cage también hemos tenido un buen número de grabaciones y para sellos dispares: Mode nos entregó los volúmenes 3 y 4 de "The works for saxophone", a cargo de Ulrich Krieger. También el sello Another Timbre, especializado en música improvisada, publicó dos discos de Cage: "Lost daylight", en el que John Tilbury interpreta Elecronic music for piano (1964), junto con cinco maravillosas miniaturas de Terry Jennings, y "Four4", interpretado por los percusionistas Simon Allen, Chris Burn, Lee Patterson y Mark Wastell. Y el sello Neos, otros dos discos con la pianista Sabine Liebner como protagonista: uno con una versión de "ASLSP" y otro con versiones de "One, One2 y One5". Por si esto fuera poco, los sellos alemanes Col Legno, Wergo y MDG también se apuntaron al carro con sendos discos interpretados por duos: "Melodies and Harmonies" (Annelie Gahl, violin y Klaus Lang, Fender Rhodes), "Etudes Boreales/Harmonies/10'40.3'' (Friedrich Gauwerky, cello y Mark Knoop, piano) y "Violin and piano (Andreas Seidel, violin y Steffen Schleiermacher, piano) respectivamente.

Tampoco se queda atrás el compositor Michael Pisaro, del que ya he hablado aquí en bastantes ocasiones, con al menos ocho discos publicados en 2010 en siete sellos discográficos diferentes (dos de ellos en su propio sello Gravity Wave), entre los que destacan "A wave and waves" (Cathnor) con el percusionista Greg Stuart, y su colaboración a distancia con Taku Sugimoto para el sello Erstwhile. Mención especial para la grabación de Within (3.2), a cargo del guitarrista gallego Miguel Prado, además primera referencia de su propio sello Heresy.

A destacar también los tres discos que el sello Wandelweiser sacó en la primavera con el piano como protagonista, con magníficas interpretaciones de Dante Boon, Eva-Maria Houben y Philip Thomas, y los tres discos que el ensemble Zeitkrazer ha lanzado en su propio sello dentro la serie Old School, dedicados a John Cage, James Tenney y Alvin Lucier. Parece ser que para el 2011 tendremos los discos dedicados a Morton Feldman y Karlheinz Stockhausen.

Pero el descubrimiento del año no ha sido otro que la música de Osvaldo Coluccino, compositor italiano al que no conocía y que me ha sorpendido muy gratamente con su disco Gemina (Due Punti Edizioni). Ocho espléndidas miniaturas para otros tantos duos (violin/piano, flauta/piano, violin/viola, flauta/guitarra, violin/cello, clarinete/saxofón, cello/piano y trombón/electrónica), despachados con inusual maestría en menos de 36 minutos (por cierto, las primeras notas del disco a cargo del pianista Marco Sala recuerdan mucho a las primeras notas del disco de AMM Sounding Music, a cargo de John Tilbury).

Otro descubrimiento que no quiero dejar pasar es el sello noruego +3db, con tres magníficos discos este año, los tres con la participación del contrabajista Michael Fracis Duch: Lemur (Aygéan), Michael Francis Duch (Edges) y Cornelius Cardew (Works 1960-70). En este último, John Tilbury, Rhodri Davies y el propio Duch interpretan de manera magistral cinco composiciones del malogrado compositor.

Y todavía ha habido más música intersante (Carol Robinson, Andrea Neumann, Sabine Ercklentz, Annette Krebs, Taku Unami, Radu Malfatti, ...). Pero no hay sitio para más, así que paso directamente a listar los 20 discos que más me han gustado este año, más o menos en orden de preferencia:

1.- Dante Boon - Cage·Frey·Vriezen·Feldman·Ayres·Johnson·Manion (Wandelweiser)
2.- Morton Feldman - Trio (Mode)
3.- Terry Jennings/John Cage - Lost daylight (Another Timbre)
4.- Morton Feldman - Music for piano and strings Vol. 1 (Matchless)
5.- Michael Pisaro/Taku Sugimoto - 2 seconds/b minor/wave (Erstwhile)
6.- Osvaldo Coluccino - Gemina (Due Punti Edizioni)
7.- Cornelius Cardew - Works 1960-1970 (+3db)
8.- Carol Robinson - Billows (Plush)
9.- Sabine Ercklentz/Andrea Neumann - LAlienation (Herbal)
10.- Eva-Maria Houben - Works for piano (Wandelweiser)
11.- Cranc - Cooper fields (Thessaloniki)
12.- Michael Pisaro - A wave and waves (Cathnor)
13.- Radu Malfatti - Himmelgeister 19 (b-boim)
14.- Annette Krebs/Taku Unami - motubachii (Erstwhile)
15.- John Butcher/Rhodri Davies - Carliol (Ftarri)
16.- Zeitkratzer - Old School: James Tenney (Zeitkratzer Records)
17.- Stephen Cornford/Samuel Rodgers - Turned moment, weighting (Another Timbre)
18.- Stefano Scodanibbio - Oltracuidansa (Mode)
19.- Manu Holterbach/Julia Eckhardt - Do-undo (Helen Scarsdale)
20.- Roberto Fabbriciani/Robyn Hayward - Nella basilica (Another Timbre)

También es justo reconocer que hay una buena pila de discos que todavía no he escuchado e imagino que alguno de ellos pudiera haber entrado en la lista, a saber: AMM "Uncovered correspondence: a postcard from Jaslo" (Matchless), Michael Pisaro "Fields have ears" (Another Timbre), Jürg Frey "weites land, tiefe zeit" (b-boim) (8 CDs!!!), Antoine Beuger "keine fernen mehr" (Wandelweiser), Looper "Dying sun" (Another Timbre/Cathnor), Eliane Radigue "Jouet electronique/Elemental I" (Alga Marghen), ... Pero bueno, la lista refleja bastante bien mis preferencias musicales del año 2010. Veremos que nos depara el próximo año.

¡A disfrutar el 2011!

El oído humano

2010-12-18T14:31:00.009+01:00

"Human Ear es una organización de arte contemporáneo para la música. Human Ear está dedicada a la conservación, creación de comunidades y organización de la vanguardia musical y el arte sonoro. Además, también está dedicada a la financiación, organización y archivo de actuaciones, grabaciones, exposiciones y otros proyectos especiales que conecten de una manera esclarecedora a los artistas con sus audiencias. Human Ear trabaja con artistas legendarios y emergentes en una amplia gama de disciplinas, donde comparten la naturaleza innovadora de su trabajo. Nuestra lista de artistas pasados y presentes incluye Ariel Pink, Gary Wilson, Michael Pisaro, William Basinski, Linda Perhacs and Jeff Phelps. Hacemos muchas cosas, desde la organización de eventos y producción de discos hasta la organización de proyectos especiales que ayudan a los artistas emergentes a hacerse escuchar ... Y nosotros somos también artistas!"

Así se describen a si mismos los músicos y compositores que forman parte de esta organización basada en San Francisco. Curiosamente, Human Ear Music fue creada en Los Angeles, en el año 2006, por Jason Grier. Su idea era la de "dar sentido e identidad a una comunidad creciente de músicos experimentales de Los Angeles, y extender esta identidad a nuevas formas musicales." Entre 2007 y 2008, Human Ear Music pasó de ser una especie de sello discográfico independiente a organizar eventos y proyectos de la mano de Julia Holter (quien, por cierto, acaba de sacar un disco magnífico, Celebration, en el sello Engraved Glass). Durante estos años Human Ear produjo diversos proyectos, cruzando las líneas divisorias entre el sello discográfico y la fundación, y entre disciplinas populares y académicas. En 2009, Human Ear Music pasó a ser una institución "full-service", ofreciendo por primera vez soporte para giras y servicios para el archivo y conservación de grabaciones de artistas afines.

En 2010 la organización se ha trasladado a San Francisco, y, dirigida por Jean Yaste, ha ampliado su catálogo de servicios con un estudio de grabación y una renovada dedicación a la comunidad de artistas y sus archivos. El Consejo de Administración lo componen el propio Jean Yaste y los artistas Ramona González, Jason Grier, Julia Holter y Michael Pisaro. Para los que sigan este blog, es fácil adivinar que he llegado hasta esta organización a través de Michael Pisaro, para mi uno de los mejores compositores de esta última década.

Entre las diversas actividades de Human Ear está la organización anual de "Dog Star Concert Series", una semana de conciertos organizados cada verano por el propio Michael Pisaro. Los conciertos del 2009, que tuvieron lugar entre los días 2 y 11 de junio, pueden escucharse y descargarse en Dog Star archive. En ellos, la llamada Dog Star Orchestra, integrada por los músicos Casey Anderson, Tara Boyle, Madison Brookshire, Ezra Buchla, Eric Km Clark, Katie Clark, Daniel Corral, Rory Cowal, Rob Esler, Christa Graf, Jason Grier, April Guthrie, John Hastings, Orin Hildestad, Danny Holt, Lewis Keller, David Kendall, James Klopfleisch, Ulrich Krieger, Grace Lai, Rachel Manderfeld, Mari, Adam Overton, Aniela Perry, Michael Pisaro, Isaac Schankler, Gary Schultz, Sam Sfirri, Sepand Shahab, Mark So, Cassia Streb, Greg Stuart, Christine Tavolacci, Lisa Tolentino, Mark Trayle, Douglas Wadle, Brian Walsh y Mike Winter, interpretan composiciones de John Cage, Christian Wolff, Ulrich Kreiger, Jennie Gottschalk, Julia Holter, Mark So, Michael Pisaro, Klaus Lang, Jürg Frey, Morton Feldman y James Tenney entre otros (ver programa aquí). Más de 10 horas de buena música para disfrutar con un buen libro estas navidades y así evadirse del tedio polñitico y televisivo.

Y todavía hay más. Las grabaciones de los conciertos del 2010, que tuvieron lugar entre los días 2 y 12 de junio en Los Angeles, están en proceso de masterización y estarán disponibles en breve. Increible!

Escuchando:
Osvaldo Coluccino - Gemina (Due Punte Edizione 2010)
Joe Colley - Disasters of Self (CIP 2010)
David Toop/Rhodri Davies/Lee Patterson - Wunderkammern (Another Timbre 2010)
Keith Fullerton Whitman - Disingenuity b/w Disingenuousness (PAN 2010)
Lemur - Aigéan (+3db 2010)
Manu Holterbach/Julia Eckhardt - Do-Undo (In G Maze) (Helen Scarsdale 2010)
Otomo Yoshihide New Jazz Trio+ - Lonely Woman (Doubtmusic 2010)
Otomo Yoshihide New Jazz Trio+ - Bells (Doubtmusic 2010)

Composición/improvisación

2010-12-12T13:46:00.013+01:00

... he ahí el dilema. En los últimos años, en revistas y foros especializados en la materia, se han producido interesantes debates sobre el estado de la música experimental o de vanguardia. Los defensores de la música improvisada defienden la libertad creativa de los músicos improvisadores, al mismo tiempo que critican la rigidez de la composición, donde los músicos se limitan a reproducir partituras escritas por otros. Por contra, los defensores de la composición contemporánea argumentan que la improvisación solo refleja el ego de unos músicos interesados en sonidos únicos y personales, que al ser improvisados, no pueden volver a ser reproducidos por ningún otro músico. Y en medio, los que opinan que "la improvisación no es más que otra manera de componer música, o lo que es lo mismo, composición instantánea".

A mi particularmente, que no soy músico ni compositor, nunca me ha interesado este debate. Siempre he juzgado la música que he escuchado con un único criterio: me gusta o no. Y a partir de ahí, en los últimos diez años he encontrado magníficas grabaciones en el terreno de la improvisación, en el de la composición y en el del medio. Por eso, en la lista que publiqué aquí mismo el pasado 12 de octubre con los 50 mejores discos de la década, podemos encontrar grabaciones que cubren un amplio espectro entre los dos campos.

Pero, una vez dicho esto, también tengo que decir que últimamente me encuentro un poco "fatigado" por la música improvisada. Al hablar de música improvisada me refiero a lo que comunmente llamamos EAI (electro-acoustic imporvisation), para diferenciarla de la EFI (european free improvisation). Esta última está más cercana al jazz o free-jazz, y a mí no me ha interesado particularmente. Pero bueno, estaba diciendo que últimamente me encuentro dedicando más tiempo y horas de escucha a la composición contemporánea que a la música improvisada. Las grabaciones del sello Wandelweiser serían un buen ejemplo, pero también las de Mode, New World, Edition RZ, Wergo, ... Incluso sellos tradicionalmente relacionados con la improvisación electro-acústica han sacado recientemente grabaciones con composiciones, a veces con resultados magníficos, i.e. Erstwhile (Michael Pisaro y Taku Sugimoto) o Another Timbre (John Cage y Terry Jennings).

Para aquellos que estén intresados es este tema, les recomiendo un par de artículos que circulan por la red: Wandelweiser and improvisation de Yuko Zama y Two Worlds del propio Taku Sugimoto.

Escuchando:
Taku Sugimoto - Musical composition series Vol. 1 & 2 (Kid Ailack Enterprise 2010)
Radu Malfatti - Himmelgeister 19 (b-boim 2010)
Klaus Hubber - Complete cello works (Aeon 2010)
Harley Gaber - I saw my mother ascending Mount Fuji (Innova 2010)
Susan Alcorn/George Burt - A & B (Iorram 2010)
Aldo Clementi - Works with flutes (Mode 2010)
Thollem McDonas/Stefano Scodanibbio - On Debussy's piano and ... (Die Schachtel 2010)
Muta - Bricolage (Al Maslakh 2010)

Old school: Zeitkratzer

2010-11-20T13:49:00.013+01:00

Hace unos cuantos años, allá por el 2004, leí en The Wire una entrevista con el músico alemán Reinhold Friedl. En dicha entrevista, el periodista lo definía como pianista y líder de Zeitkratzer, un "grupo de cámara con sensibilidades diversas que abarcan desde el ruido hasta la composición contemporánea pasando por la improvisación", con un repertorio que incluye obras de compositores tan diversos como John Cage, Phil Niblock, Mario Bertoncini, John Duncan, Terre Thaemlitz y los "ruidosos" Masami Akita y Zbigniew Karkowski. Interesante. Nunca hasta entonces había oído hablar de este curioso ensemble alemán, así que mi sorpresa fue mayúscula cuando, leyendo la entrevista, descubrí los músicos que lo integraban: además del propio Friedl (piano), allí estaban Franz Hautzinger (trompeta), Anton Lukoszeviece (cello), Uli Philipp (contrabajo), Melvyn Poore (tuba), Frank Gratkovski (clarinete), Burkhard Schlothauer (violin), Maurice de Martin (percusiones) y Marc Weiser (electrónica). Pero es que además, por allí también habían pasado Michael Moser (cello), Axel Dörner (trompeta), Ulrich Krieger (saxofón) y Luca Venitucci (acordeón), entre otros. O sea, la "crème de la crème" de la música contemporánea centroeuropea de principios del siglo XXI.

Asi que me hice con varios discos del grupo, entre los que se encontraban SoundinX, Xtensions y Fresh, este último en colaboración con John Duncan. Y la verdad es que en general me decepcionaron. Su planteamiento radical (casi "punk", diría yo) de la música contemporánea, me dejaba frío. Solamente Xtensions, que contiene cuatro composiciones de los miembros del grupo Dörner, Poore, Schlothauer y Krieger, además de una composición de Radu Malfatti, me pareció interesante. Así que el grupo dejó de interesarme. En los años siguientes, he seguido su trayectoria de manera esporádica, fundamentalmente porque muchos de sus integrantes (Hautzinger, Lukosceviese, Schlothauer, ...) siguen siendo músicos favoritos de quien escribe. Pero nunca han conseguido atraer mi interés. Sus colaboraciones con Lou Reed, Keiji Haino, Carsten Nicolai y Whitehouse entre otros, siempre me han parecido que no reflejaban ni de lejos el potencial del grupo.

Por eso ha sido una grata sorpresa el lanzamiento este año, en su propio sello Zeitkratzer Records, de la serie Old School, en la que interpretan de manera magistral obras de tres grandes compositores contemporáneos: John Cage, James Tenney y Alvin Lucier. El primero de los tres, llamado "Old School: John Cage", contiene tres composiciones tardías del gran compositor norteamericano: Four6 (1992), Five (1988) e Hymnkus (1986). A destacar la intepretación de Four6, en mi opinión superior a la recientemente publicada en el disco Decentred (Another Timbre 2009), interpretada por Angharad Davies, Tom Chant, Benedict Drew y John Edwards. Por cierto, también este año el sello Mode ha publidado una versión de Four6 para cuarteto de saxofones, interpretada po Ulrich Krieger, ex-miembro de Zeikratzer. ¡Parece que Four6 está de moda entre los músicos de la improvisación contemporánea!

El segundo disco y para mi el mejor de los tres, "Old School: James Tenney", contiene tres magníficas interpretaciones de otras tantas composiciones de Tenney. Critical Band (1988) y Harmonium #2 (1976), las dos intepretadas por el grupo al completo, sirven de aperitivo al plato fuerte del disco, Koan: Having never written a note for percussion (1971), una auténtica maravilla interpretada en solitario por el percusionista Maurice de Martin. Genial.

Por último, hace unos días ha salido el tercer disco de la serie: "Old School: Alvin Lucier", interesante revisión de cinco composiciones de Lucier entre las que se encuentran Fidelotrio (1987), con una buena interpretación a cargo de Schlothauer, Lukoszeviece y Friedl (violin, cello y piano), además de tres composiciones para solista: Music for piano with magnetic strings (1996), con Reinhold Friedl al piano, Silver streetcar for the orchestra (1998), con Maurice de Martin en el triángulo amplificado, y Violynn (2001), con Schlothauer al violin. Y para terminar, Opera with objects (1997), una "ópera" (si sí poemos llamarla) interpretada por el grupo con objetos resonantes en lugar de voces humanas. Una bonita forma de cerrar un disco más que interesante.

Parece ser que Zeitkratzer tiene la intención de continuar con la serie Old School, y que en los próximos meses escucharemos grabaciones de otros compositores, entre ellos Morton Feldman. Veremos si de ahí pasan a Lachenmann, Nono, .....

Escuchando:

Cornelius Cardew - Works 1960-70 (+3Db 2010)

Michael Pisaro - Within (3.2) (Heresy 2010)
Alvin Curran - Under the fig tree (Die Schachtel 2010)
Stefano Scodanibbio - Oltracuidansa (Mode 2010)
Jean-Calude Eloy - Gaku-no-michi (Hors Territories 2010)
Martin Küchen - The lie & the orphanage (Mathka 2010)
Berlin-Buenos Aires Quintet - Berlin-Buenos Aires Quintet (L'innomable 2010)
Anthony Braxton - Piano Music (Notated) 1968-1988 (Hat Hut 1996)

Lo mejor de la década

2010-10-12T12:56:00.014+02:00

En mi modesta opinión, esta fotografía del pianista John Tilbury poco antes de interpretar "For Bunita Marcus" en la Unitarian Church, St. Stephen's Green, dentro del marco del I&E Festival del 2007, representa el punto álgido de los últimos diez años en las procelosas aguas de la música de vanguardia. Personalmente, el descubrimieno de la música del compositor neoyorkino Morton Feldman ha sido, sin lugar a dudas, lo mejor que me ha ocurrido en el terreno cultural. Y si tengo que elegir, son sus obras para piano, o aquellas en las que el piano tiene un papel preferente, las que más me gustan. Por eso no es de extrañar que mi disco favorito de la década sea "All Piano", cuadruple disco editado por el sello austriaco London Hall y que contiene todas las obras para piano de Morton Feldman interpretadas por John Tilbury. He dudado bastante si debía incluir este disco entre lo mejor de la década, ya que salió al mercado en el año 1999, pero al final he decidido incluirlo ya que en el momento de su edición pasó bastante desapercibido, y no ha sido hasta mediados de la década, cuando otras grabaciones de sus dos grandes composiciones para piano, Triadic Memories y For Bunita Marcus, han sido grabadas por otros pianistas contemporáneos (Marilyn Nonken, Sabine Liebner, Steffen Schleiermacher, Stephane Ginsburgh, ...) que ha sido descubierto por muchos de nosotros.

También merece una mención especial la compositora francesa Eliane Radigue, que llegó al cambio de milenio con 68 años, y que parece estar viviendo una segunda juventud. Además de la edición de "Adnos I-III" en 2002, nos ha deleitado con magníficas composiciones recientes como Elemental II en 2004 y L'île re-sonante y Naldjorlak en 2005. Y también la merecen un buen puñado de músicos y compositores que nos han llenado de buena música a lo largo de estos diez últimos años: Keith Rowe, Klaus Lang, Burkhard Stangl, Michael Pisaro, Taku Sugimoto, Annette Krebs, Jürg Frey, Werner Dafeldecker, Jakob Ullmann, Franz Hautzinger, Charles Curtis, Burkhard Schlothauer, Christian Wolff, Burkhard Beins, Radu Malfatti, Michael Moser, ....

Mi lista de los mejores discos de la década es la siguiente:

1.- Morton Feldman - All piano (London Hall 1999)
2.- Eliane Radigue - Adnos I-III (Table of the Elements 2002)
3.- Jakob Ullmann - A catalogue of sounds (Edition RZ 2006)
4.- Franz Hautzinger - Gomberg (GroB 2000)
5.- Eliane Radigue - Naldjorlak (Shiiin 2008)
6.- Morton Feldman - String quartet II (Hat(Now)Art 2001)
7.- Klaus Lang - Die überwinterug der mollusken (Durian 2000)
8.- David Tudor - Music for piano (Edition RZ 2007)
9.- Keith Rowe/John Tilbury - Duos for Doris (Erstwhile 2003)
10.- Jürg Frey - String Quartets (EWR 2004)
11.- Michael Pisaro - Harmony series 11-16 (EWR 2008)
12.- Christian Wolff - Early piano music 1951-1961 (Matchless 2002)
13.- Keith Rowe/Günter Müller/Taku Sugimoto - The world turned upside down (Erstwhile 2000)
14.- Morton Feldman - Piano and string quartet (Hat(Now)Art 2001)
15.- Dante Boon - Cage, Frey, Vriezen, Feldman, Ayres, Johnson, Manion (EWR 2010)
16.- Burkhard Stangl/Dieb 13 - Eh (Erstwhile 2002)
17.- John Cage - The number pieces 5: Two2 (Mode 2008)
18.- Morton Feldman - Trio (Mode 2010)
19.- Otomo Yoshihide/Keith Rowe/Taku Sugimoto - Ajar (Alcohol 2002)
20.- Terry Jennings/John Cage - Lost daylight (Another Timbre 2010)
21.- Michael Pisaro - Hearing metal I (EWR 2009)
22.- Taku Sugimoto - Italia (A Bruit Secret 2001)
23.- Keith Rowe/Sachiko M/Toshimaru Nakamura/Otomo Yoshihide - Erstlive 005 (Erstwhile 2005)
24.- Morton Feldman - Music for piano and strings, Vol. 1 (Matchless 2010)
25.- Otomo Yoshihide/Park Je Chun/Mi Yeon - Loose community (IMJ 2003)
26.- Burkhard Stangl/Taku Unami - I was (Hibari 2006)
27.- Burkhard Schlothauer - ChamberEvents (EWR 2005)
28.- John Cage - The number pieces 2: One8 (Mode 2004)
29.- Morton Feldman - Triadic memories (Oehms Classics 2005)
30.- Keith Rowe/Axel Dörner/Franz Hautzinger - A view from the window (Erstwhile 2004)
31.- Polwechsel - Polwechsel 3 (Durian 2001)
32.- Mersault - Raymond and Mary (Formed 2007)
33.- Jürg Frey - Pianoworks 1978-1998 (EWR 2002)
34.- Annette Krebs - Guitar solo (Fringes 2002)
35.- Eva-Maria Houben - Von da nach da (EWR 2007)
36.- Keith Rowe - Erstlive 007 (Erstwhile 2008)
37.- Eliane Radigue - Geelriandre/Arthesis (Fringes 2003)
38.- Tim Parkinson - Cello piece (EWR 2006)
39.- Werner Dafeldecker/Franz Hautzinger/John Tilbury/Sachiko M - Absinth (GroB 2002)
40.- Alvin Lucier - Anthony Burr/Charles Curtis (Antiopic/Sigma Editions 2005)
41.- Tetuzi Akiyama - Relator (Slub Music 2001)
42.- Annette Krebs/Toshimaru Nakamura - Siyu (Soseditions 2008)
43.- Luigi Nono - 20 jahre inventionen (Edition RZ 2006)
44.- Earle Brown - Tracer (Mode2007)
45.- Polwechsel/Fennesz - Wrapped islands (Erstwhile 2002)
46.- James Tenney - Forms 1-4 (Hat(Now)Art 2002)
47.- Gene Coleman/Franz Hautzinger/Sachiko M/O. Yoshihide - Concert in St Louis (GroB 2005)
48.- Sabine Vogel - Aus dem fotoalbum eines pinguins, part 1 & 2 (Creative Sources 2006)
49.- Malcolm Goldstein - A sounding of sources (New World 2008)
50.- Masahiko Okura - Time service (IMJ 2004)

Es más que posible que durante la recopilación de esta lista haya olvidado algún disco, así que si alguien quiere hacer alguna sugerencia, siempre será bienvenida. Lo mismo ocurre con el orden de los discos. Una vez que tenía decididos los 50 discos, ha sido mucho más difícil ponerlos en orden. Pero bueno, la lista es la que es a fecha de hoy. Ya veremos como la veo dentro de unos años.

Piano piano

2010-09-24T10:42:00.012+02:00

Durante los últimos días he estado escuchando los tres últimos discos editados por el magnífico sello alemán Edition Wandelweiser Records: "EWR 1001/02 Cage, Frey, Vriezen, Feldman, Ayres, Johnson and Manion", "EWR 1003/04 Eva-Maria Houben Works for Piano" y "EWR 1005 Tim Parkinon Piano Piece". La mejor manera de conseguir los discos del catálogo Wandelweiser es pedirlos directamente a Antoine Beuger, que es quien dirige el sello. Así lo hice, y de paso pedí también otros dos discos de su catálogo que hacía tiempo que quería escuchar: "EWR 0503 Anastassis Philippakopoulos Solo Pieces" y "EWR9601/02 Cage, Pisaro, Frey and Beuger Accordion Music", este último, por cierto, la primera referencia del sello allá por 1996.

Los tres primeros discos, editados este año, tienen en común que los tres contienen composiciones para piano solo, interpretadas respectivamente por los pianistas Dante Boon, Eva-Maria Houben y Philip Thomas. En el primero, el pianista Dante Boon (antes conocido como Dante Oei), interpreta una tupida amalgama de composiciones contemporáneas para piano, utilizando la diversidad como eje conductor del programa. El disco 1 empieza con el "Etude 2" de Etudes Australes (1975) de John Cage, para seguir con una de las joyas del disco: "San Lazaro Bros" (1984) del compositor wandelweiseriano Jürg Frey (curiosamente, el disco Accordion Music mencionado más arriba también contiene una magífica interpretación de esta composición, pero interpretada al acordeón por Edwin Alexander Buchholz). San Lazaro Bros ya habia sido grabada para el sello Wandelweiser por el pianista John McAlpine en el año 2001, y publicada al año siguiente en el disco de Jürg Frey Klaviermusik 1978-2001. La interpretación de Boon es más lenta y pausada que la de McAlpine (la primera dura 17 minutos y la segunda 10), aunque no sabría con cual de las dos quedarme. A San Lazaro Bros le siguen 5 miniaturas de Samuel Vriezen tituladas Possible Words 1-5 (2003), de alrededor de medio minuto de duración, para atacar dos composiciones de Morton Feldman "Last Pieces" (1959) y John Cage "Two Pieces for Piano" (1935, revisada en 1974). Otras cuatro miniaturas de Richard Ayres "No. 8 Piano Solo"(1991) nos llevan a la recta final del disco con "One" (1987) de John Cage y "Tilework for Piano" (2003) de Tom Johnson, curiosamente también grabada previamente para el sello por John McAlpine. Los 34 segundos de "Possible Words No. 5" de Vriezen cierran un disco que por si solo sería magnífico, pero es que todavía nos queda el disco 2, dedicado exclusivamente a Music for Solo Piano (2003) del compositor norteamericano Michael Manion. Es una pieza muy simple, de 34 minutos de duración, donde el pinista toca acordes cortos y repetitivos, dejando el suficiente espacio entre ellos para que podamos sentir su desaparición. Belleza desnuda, diría yo. No se me ocurre una mejor forma de acabar un disco tan maravilloso.

Eva-Maria Houben, de la que ya he escrito aquí con anterioridad, tiene varios discos publicados en el sello Wandelweiser, con composiciones para órgano, contrabajo, tromba marina y flauta, y ahora nos deleita con un disco doble con seis de sus composiciones para piano e interpretadas por ella misma. Es un disco más difícil que el de Dante Boon, y también requiere una mayor atención. Pero no por ello deja de ser también un disco magnífico. Empieza con una composición de 2003 llamada simplemente "klavier", en la que Eva-Maria alterna de manera repetitiva notas bajas y altas, unas tocadas suavente y las otras de manera más fuerte, casi percusivamente. Le sigue "drei chorale (penser à Satie)" de 2007, donde también predominan las notas cortas, y "senza espressione" (2007), más melódica que las anteriores (casi como una lección de piano a un principiante) y con silencios esparcidos a lo largo de toda la composición. El disco 2 está dominado por los 46 minutos de "und entfernt sich wieder-singend", también de 2007. Es una composición más sombría y austera que las anteriores, en la que se alternan bellos pasajes de colores con otros pasajes más abstractos y con silencios que demandan nuestra concentración. El disco termina maravillosamente con "three lullabies" (2007), que son eso, tres nanas a la manera de esta gran compositora alemana.

El tercer disco del pack, Tim Parkinson Piano piece, es para mi el más flojo de los tres. El pianista británico Philip Thomas interpreta dos composiciones del también británio Tim Parkinson, las dos llamadas "piano piece", una de 2006 y la otra de 2007. Las dos composiciones tienen sus momentos, y la interpretación de Philip Thomas es magistral, pero no me acaban de llegar del todo. En varias fases me encuentro distraído, como si Mr. Parkinson no lograse conseguir toda mi atención durante los 20 y 35 minutos que duran cada una de las dos piezas de este disco. No es que sea un mal disco, pero languidece al lado de los dos anteriores. Y me sorprende, ya que uno de mis discos favoritos del sello Wandelweiser es Cello Piece, una gran composicion para violoncello escrita por Tim Parkinson, dividida en 12 partes para ser escuchada aleatoriamente e interpretada por Stefan Thut.

Este 2010 está siendo un buen año para la música para piano, donde aparte de estos tres discos del sello Wandelweiser, también hemos podido escuchar magníficos discos como los que siguen a continuación:

- Sebastian Berweck - Extended piano (CeReNeM). El propio Sebastian Berweck interpreta composiciones de James Saunders, Benjamin Lang, Michael Maierhof, Thomas Wenk y Johannes Kreidler.
- Morton Feldman - For Bunita Marcus (Nuscope). Enésima versión de esta obra maestra del siglo XX, esta vez a cargo del pianista Louis Goldstein, que ya grabó una magnífica interpretación de Triadic Memories en 1999 para el sello Offseason Productions.
- Morton Feldman - Late piano works Vol. 3 (MDG). Tercer volumen de la serie de grabaciones de las "late pieces" para piano de Morton Feldman que Steffan Schleiermacher está realizando para el sello MDG. Las dos primeras fueron For Bunita Marcus y Triadic Memories, y este tercer volumen incluye Palais de Mari y Piano.
- Magda Mayas - Heartland (Another Timbre). La pianista Magda Mayas nos deleita con dos improvisaciones grabadas en Berlin y Nueva York en 2008.
- Terry Jennings/John Cage - Lost daylight (Another Timbre). John Tilbury interpreta Electronic Music for Piano de John Cage, y lo mejor del disco, cinco magníficas composiciones de Terry Jennings. Dada la escasez de grabaciones de este compositor californiano, éste es un disco imprescindible para cualquier colección de música de vanguardia.
- Peter Ablinger - Voices and piano (Kairos). Nicolas Hodges interpreta al piano composiciones de Peter Ablienger, intercaladas con voces de personajes públicos muy conocidos como Mao, Sartre, Orson Wells, Marcel Duchamp, Pasolini, La Madre Teresa ....

Escuchando:
Cranc - Cooper fields (Organized Music from Thessaloniki 2010)
Sabine Ercklentz/Andrea Neumann - LAlienation (Herbal 2010)
John Cage - The works for saxophone Vol. 3&4 (Mode 2010)
Roberto Fabbriciani/Robyn Hayward - Nella basilica (Another Timbre 2010)
Karlheinz Stockhausen - Plus-Minus (Hat Hut 2010)
Martin Schüttler - Pelze & restposten (Wergo 2010)
The International Nothing - Less action, less excitement, less everything (Ftarri 2010)
Michael T. Bullock/Andrew Lafkas - Ceremonies to breate upon (Winds Measure 2010)

Having never written a note for percussion

2010-04-23T13:26:00.018+02:00

Cierto. James Tenney tiene razón. Nunca he escrito una sola nota para percusión. Es más, hasta hace unos pocos años, tampoco había prestado mucha atención a la música escrita por o para percusionistas. Y de repente me encuentro a mi mismo eligiendo como disco favorito del año pasado el "Hearing Metal 1" de Michael Pisaro, magistralmente interpretado por el percusionista norteamericano Greg Stuart. Algo había cambiado. Veamos.

Rebuscando en mi discografía música para percusión, compruebo que efectivamente la presencia de percusionistas es más bien escasa. En el territorio de la composición contemporánea, solo unos pocos compositores se han esforzado por componer música para instrumentos de percusión. Entre los más notables, John Cage, del que podemos destacar "Imaginary Landscapes", cinco composiciones para conjunto de percusión, escritas entre 1939 y 1952, y documentadas en varios discos, entre ellos el Imaginary Landscapes (Hat Hut 1996), con el Maelström Percussion Ensemble. También "One4"(1990), para percusionista solo, que podemos encontrar entre otros, en los discos "Eight/Two/One4 (Megadisc 2005), interpretada por Tobias Liebezeit y "One4/Four/Twenty-Nine" (OgreOgress 2004), interpretada por Glenn Freeman, que también interpreta una versión de "Four4" (1991) de 72 minutos de duración en el disco del mismo (OgreOgress 2001). Curiosamente, otra composición de Cage para percusión, "Three2" (1991), la podemos encontrar en los dos mismos sellos, "Three2/Twenty-Three/Six/Tewnty-Six (OgreOgress 2000) y "Fourteen/Seven/Ten/Three2" (Megadisc 2006), e interpretadas por los mismos percusionistas que One4. Combiene destacar también una composición de 1976 llamada "Branches", escrita para percusión solo, duo, trio o agrupación de cualquier número de miembros, que aparece interpretada magistralmente por en Ensemble Daswirdas en el disco "Branches" (Wandelweiser 1999).

Otro de los compositores contemporáneos que escribió, y bastante, para percusión fue Iannis Xenakis. Entre sus grabaciones, destacar "Percussion Works" (Mode 2006), triple CD que incluye algunas sus mejores composiciones interpretadas por magníficos percusionistas, por ejemplo "Persephassa" (1969), interpretada por el sexteto Red Fish Blue Fish, "Psappha" (1975) por Steven Schick, y "O0phaa" (1989) por John Mark Harris y Greg Stuart.

También Christian Wolff escribió (si así puede decirse) una obra para percusión llamada "Stones" (1968-1974), grabada en 1996 por el Wandelweiser Composers Ensemble para el sello Wandelweiser. Y Helmut Lachenmann, que escribió "Interieur I" (1966), y que podemos encontrar en el disco "Helmut Lachenmann 3: Solo Pieces" (Auvidis Montaigne 1996), interpretada por Christian Dierstein. Y James Tenney, de quien "Having never written a note for percussion" (1971) da título y sentido a este post. Esta composición de título imposible ha sido grabada en numerosas ocasiones, entre ellas por los mismísimos Sonic Youth para su disco "Goodbye 20th Century" (SYR 1999), por Tobias Liebezeit del Barton Workshop en "Postal Pieces" (New World 2004) y por el percusionista Maurice de Martin, para el magnífico disco de reciente aparición " Zeitkratzer Old School: James Tenney" (Zeitkratzer Records 2010).

En el terreno de la música improvisada, también hay grandes percusionistas que a lo largo de su carrera han sacado discos en solitario, por ejemplo Will Guthrie con su magnífico "Building Blocks" (Antboy 2003), Eddie Prévost, percusionista del mítico ensemble AMM, que grabó "Entelechy" para su propio sello Matchless en 2006, Burkhard Beins, percusionista omnipresente, miembro de Polwechsel, Phosphor, Trio Sowari, Perlonex, The Sealed Knot y Activity Center entre otros, que el año pasado nos sorprendió con "Structural Drift" (Edition Künstlerhaüser 2009), o Erik Carlsson, que también en 2009 grabó el excellente "Let's Fall in Love!" (Bombax Bombax 2009).

Pero el compositor que realmente está consiguiendo que me entusiasme la música para percusión es Michael Pisaro. Ya he escrito aquí en varias ocasiones sobre este magnífico compositor neoyorkino, miembro del Wandelweiser Composers Ensemble. En estos tres últimos años desde 2007, Pisaro nos ha sorprendido con un gran variedad de composiciones para guitarra (Mind is Moving I y Unter Eichen), field recordings (Transparent City 1-4) y ensembles (Ascending Series 2.1 y algunas de las composiciones de las Harmony Series: 16a Where There Is, 12a Is, 14 A Single Charm is Doubtful, 12d The Best Thing y 16b Tomorrow). Pero donde Pisaro está brillando de manera especial es en sus composiciones para percusión, en las que siempre ha contado con la inestimable colaboración del percusionista Greg Stuart. Primero fueron cuatro pequeñas composiciones para percusión de entre 2 y 6 minutos de duración para el disco Harmony Series 11-16 (Wandelweiser 2007). Al año siguiente el propio sello Wandelweiser nos entregaba dos versiones de su composición "An Unrhymed Chord" (2003), realizadas cada una por Greg Stuart y Joseph Kudirka. Y en 2009 Michael Pisaro, Greg Stuart y el sello Wandelweiser nos deleitaron con el que para mi fue mejor disco del 2009: "Hearing Metal 1".

Y ahora nos llega otro magnífico disco del tandem Pisaro-Stuart, "A Wave and Waves", referencia #9 del catálogo del sello Cathnor, sello discográfico del infatigable Richard Pinnell, que entre otras cosas escribe diariamente sobre música en su blog "The Watchful Ear". El propio Greg Stuart ha sido tan amable de enviarme un ejemplar del disco, ya que todavía no puede comprarse en la web del sello Cathnor, aunque en ella se anuncia su inminente lanzamiento. Y el disco, aunque diferente del "Hearing Metal 1", es también extraordinario. Si "Hearing Metal 1" estaba realizada con un tam-tam de 60 pulgadas, "A Wave and Waves" está realizada con 100 instrumentos de percusión. Está dividida en tres partes: dos partes de 35 minutos separadas por un silencio de cuatro minutos. Además, cada una de las dos partes empieza con un minuto de silencio.

"A Wave and Waves" es una obra muy dificil de describir. La composición está inspirada en las olas del mar: una ola la primera parte, y varias olas la segunda. La primera parte, "A world is an Integer", comienza con un único sonido de un arco rasgado en un vibráfono, seguido de un grupo de sonidos producido por dos piedras rozadas entre si. La obra progresa y los solos se convierten en duos, los duos en trios, etc ... En la segunda parte, "A Haven of Serenity and Unreachable", el proceso está comprimido. Lo que oíamos en detalle en la primera parte, se escucha ahora en miniatura a través de 100 repeticiones espaciadas. Cada instrumento, empezando desde el silencio, realiza crencendos de 20 segundos y decrescendos de 10 segundos para llegar otra vez al silencio. El tiempo entre dos crestas sucesivas es de 20 segundos. Como si fuesen las olas del mar, que aparecen, rompen y desaparecen.

Un gran disco, de lo mejorcito en lo que llevamos de año, que si bien son solo cuatro meses, ya nos ha entregado cuatro discos fabulosos, a saber: Carol Robinson Billows (Plush), Zeitkratzer Old School: James Tenney (Zeitkratzer) y Terry Jennings/John Cage Lost Daylight (Another Timbre) y este A Wave and Waves que nos ocupa.

Por cierto, Michael Pisaro y Greg Stuart han sacado este año otro disco conjunto: July Mountain (Engraved Glass). Es una composición de 21 minutos para percusión y field recordings. Y para quien esté interesado, puede descargarse la partitura de la composición aquí.

Escuchando:
Michael Pisaro - A wave and waves (Cathnor 2010)
Michael Pisaro/Greg Stuart - July Mountain (Engraved Glass 2010)
Zeitkratzer - Old School: James Tenney (Zeitkratzer 2010)
Zeitkratzer - Old School: John Cage (Zeitkratzer 2010)
Anne Guthrie - Standing sitting (Engraved Glass 2010)
AMM - Sounding Music (Matchless 2010)
Clara Maïda - In corpore vili (Edition RZ 2010)

Two6

2010-04-05T12:55:00.012+02:00

No fue John Cage especialmente prolífico a la hora de componer para violin y piano. En total escribió cuatro composiciones para estos dos instrumentos: Nocturne (1947), Six Melodies (1950), Two4 (1991) y Two6 (1992). Como vemos, dos "early pieces" y dos "number pieces", separadas por más de cuarenta años. No se por qué pero creo que al señor Cage no le gustaba la combinación de estos dos instrumentos. Es posible que no quedara muy satisfecho de las dos primeras, que no pasan de ser dos pequeñas pinceladas en la vasta obra de John Cage. Nocturne es una pequeña composición de cuatro minutos de duración, donde el violin juguetea con un piano muy cinematográfico, y Six Melodies son seis pequeñas obras con reminiscencias de la música tradicional irlandesa o de la música medieval, que en cierta medida me recuerdan a la magnífica adaptación para string quartet que Irvine Arditti realizó de las 44 Harmonies from Apartment House 1776 (1973).

Punto y aparte. Cuarenta y un años tuvieron que pasar para volver a escuchar una nueva composición de Cage para violin y piano, Two4, que Cage escribió para violin y piano o sho. Pero es esa época John Cage estaba inmerso en esa vorágine creativa que había comenzado en 1987 y que culminaría con su muerte en agosto de 1992, solo cuatro meses después de componer Two6, la otra gran "number piece" para violin y piano. Two6 fue una de sus últimas composiciones, de 20 minutos de duración y dedicada a Ami Flammer y Martine Joste, quienes por cierto la estrenaron el 5 de diciembre de ese mismo año en el Musée des Beaux-Arts d'Orléans (Francia) y también realizaron la primera grabación de esta obra en enero de 1994 para el sello Mode.

"Two6 contiene largos tonos sostenidos en el tiempo. Los paréntesis temporales están vacíos y tienen que ser llenados por los intérpretes. El pianista puede (o no) tocar partes de Extended Lullaby de Eric Satie y/o tocar fragmentos de secuencias de tono ascendente. Estas secuencias estaban relaccionadas en la mente de Cage con el "musical train" de Marcel Duchamp, quién representó cada octava del piano como un tren, con las notas viajando en cada uno de los vagones. El violinista puede elegir entre el silencio, pasajes microtonales o parejas a escoger entre cualquiera de los ocho tonos seleccionados por operaciones al azar (chance operations) y arregladas con una sonoridad única". Así la describe Rob Haskins en su escrito An Anarchic Society of Sounds: The Number Pieces of John Cage (2004).

Two6, como otras composiciones escritas en los últimos año de su vida, está muy abierta a la interpretación de los músicos. Es por ello que en alaguna ocasión se haya hablado de estas composiciones como cuasi-imporovisaciones, y hayan sido interpretadas sin complejos por músicos improvisadores, sobre todo centroeuropeos.

Existen varias grabaciones de Two6, siendo las mejores las siguientes:

- John Cage - The Number Pieces 1 (Mode 1995)
Excelente disco que contiene tres composiciones de Cage, Four3, One5 y Two6, interpretadas por Ami Flammer (violin) y Martine Joste (piano), grabadas para Radio France en Paris, entre el 18 y el 24 de enero de 1994. Si tuviera que elegir una interpretación de Two6, posiblemente me quedaría con ésta brillante lectura de Flammer y Joste, a quienes iba dedicada esta composición.

- John Cage - The Works for Violin 4 (Mode 2001)
Otro magnífio disco del sello Mode, con dos composiciones para violin (Eight Whiskus y One10) y tres para violin y piano (Six Melodies, Nocturne y Two6), interpretadas por los consumados intérpretes de música contemporánea Irvine Arditti (violin) y Stephen Drury (piano). La versión de Two6, grabada en el Clinton Sound de New York en 20 de febrero de 1995 (un año después de la de Flammer y Joste), rivaliza con ésta última en calidad, pero como siempre que aparece el violín de Arditti, la grabación es un poco más austera y fria que la anterior. Pero brillante también de todas formas.

- John Cage - Two, Five, Seven (Hat Hut 1996)
Otro magnífico disco de uno de los grandes sellos discográficos, el sello suizo Hat Hut. Aquí, los miembros del Ives Ensemble, con la colaboración de Mayumi Miyata al sho, interpretan seis number pieces de Cage: Two4 y Two6, Five2 y Five5 y Seven y Seven2. El disco fue grabado en directo del 14 al 17 de enero de 1996 en el Theater Romain de Leeuwarden (Holanda). Es también una grabación muy austera, aunque no tan fría como la de Arditti-Drury, con silencios más prolongados que en las anteriores. También una gran interpretación por este gran ensemble holandés.

Recientemente ha sido publicado el disco John Cage: Violin & Piano (MDG 2010), que contiene las cuatro obras para violin y piano de John Cage, interpretadas por Andreas Seidel (violin) y Steffen Schleiermacher (piano).

Escuchando:
Vertex - Shapes & phases (Sofa 2010)
Clemens Merkel - L'hiver monastique (Collection QB 2007)
Lori Freedman - Bridge (Collection QB 2009)
Stephen Cornford/Samuel Rodgers - Turned moment, weighting (Another Timbre 2010)
Galina Ustvolskaya - 3 (Hat Hut 1995)
Jason Kahn - Timelines Los Angeles (Creative Sources 2009)
John Butcher/Rhodri Davies - Carliol (Ftarri 2010)

Una década de cine

2010-03-21T12:45:00.008+01:00

Llevo unos días intentando elaborar una lista con la mejor música que, en mi opinión, se ha publicado en estos últimos diez años. Y tengo que reconocer que no es tarea fácil. Diez años es mucho tiempo, y mis preferencias musicales han ido evolucionando con el paso de los años. Quienes lean este blog ya saben que actualment mis preferencias se situan entre los límites marcados por la composición contemporána del siglo XX y la improvisación electroaústica, principalmente la centroeuropea. En ese amplio (o estrecho, según como se mire) espectro estarán la mayor parte de discos de la lista en cuestión.

Pero mientras termino la lista, me he puesto a reflexionar sobre las mejores películas que he visto a lo largo de estos diez años. Ya publiqué una lista de películas favoritas allá por septiembre del 2007, y por lo que veo mis preferencias no ha cambiado nada en abosoluto. Alguna ligera variación y alguna nueva incursión (pocas, lo que quiere decir que la última parte de la década no ha sido muy fructífera en cuanto a grndes películas), pero la nueva lista se parece mucho a la anterior. Ahí van las quince mejores películas de la década:

1.- David Lynch - Mulholland Drive (USA 2001)
2.- Alejandro González Iñarritu - Amores Perros (Mexico 2000)
3.- Cristian Mungiu - 4 meses, 3 semanas y 2 días (Rumania 2007)
4.- Fernando Meirelles - Ciudad de Dios (Brasil 2002)
5.- Florian Henckel-Donnersmarck - La vida de los Otros (Alemania 2006)
6.- Christopher Nolan - Memento (Gran Bretaña 2000)
7.- Michael Haneke - La Pianista (Francia 2001)
8.- Jim Jarmusch - Ghost Dog (USA 2000)
9.- Gaspar Noé - Irréversible (Francia 2002)
10.- Enrique Urbizu - La Vida Mancha (España 2003)
11.- David Lynch - Inland Empire (USA 2006)
12.- Jim Jarmusch - Flores Rotas (USA 2005)
13.- Stephen Frears - La Reina (Gran Bretaña 2006)
14.- Pedro Almodovar - Hable con Ella (España 2002)
15.- Kevin McDonald - Touching the Void (Gran Bretaña 2003)

Es curioso recordar ahora películas de principios de la década y darse cuenta lo rápido que han pasado estos diez años. Recuerdo perfectamente mi primer encuentro con Mulholland Dr., Amores Perros o Ciudad de Dios, grandes películas que se quedan para siempre en tu memoria.

Por otra parte, es interesante ver la evolución que han seguido estos grandes realizadores. Algunos siguen en la brecha, como David Lynch, que sigue a lo suyo haciendo películas oníricas, difíciles pero imprescindibles, o Iñarritu, que continua con sus historias cruzadas (con la ayuda en los guiones de Guillermo Arriaga), pero sin llegar al nivel de Amores Perros. O Jarmusch, que sigue rodando buenas películas de carácter independiente y rebelde (todavía no he visto su última película, Los límites del control). Otros han perdido el norte, como Almodovar o Nolan. Y otros simplemente han desaparecido o su presencia en las carteleras es ciertamente escasa, como Noé o Urbizu.

En resumen, una buena década para el cine, que nos ha dejado un buen puñado de obras maestras, de pequeñas grandes obras maestras, diría yo. Time will tell!

Escuchando:
Alvin Curran - Inner Cities (Long Distance Records 2005)
Chris Burn/Simon H. Fell/Philip Thomas - The middle distance (Another Timbre 2010)

Dave Barnes/Richard Kamerman/Graham Stephenson - Three Duos (Copy for Your Records 2009)

Michael Pisaro - Transparent City Vol. 3 & 4 (Wandelwesier 2007)
John Cage - Four Walls (Largo 1996)
John Cage - Two3/Inlets/Two4 (OgreOgress 2007)

Billows

2010-03-13T16:15:00.006+01:00

Esta tarde la he dedicado a escuchar un disco que llevaba bastante tiempo esperando: Billows, de la clarinetista norteamericana y residente en Francia Carol Robinson. El disco, editado por el sello parisino Plush, salió al mercado en noviembre del año pasado, y para mí es de lo mejorcito que he escuchado hasta la fecha en 2010.

El libreto que acompaña al disco menciona que Carol toca "clarinets (birbyne y basset horn) y live electronics". El birbyne es una especie de flauta, que puede tener una o dos lengüetas, y que es utilizada por los pastores lituanos para conducir el ganado, y el basset horn es un clarinete tenor. Con estos ingredientes y un ordenador que recibe y procesa los sonidos enviados por la clarinetista, Carol Robinson ha construído un disco que en una primera escucha puede parecer ligéramente monótono, pero que en posteriores escuchas, cuando tus oídos se han acomodado a las magníficas resonancias y timbres de la música, nos muestra una belleza y una sutileza extraordinaria. Se nota que es un trabajo realizado con mucho mimo y dedicación. Son 45 minutos repartidos en 12 temas cortos, que la compositora recomienda escuchar de manera aleatoria, como si fueran infinits composiciones de 45 minutos cada una, según la aleatoriedad de la reproducción. El libreto también nos habla del paisaje de Dakota del Sur, donde creció Carol Robinson, y de la lentitud del escritor checo Milan Kundera, lo que nos da una clara idea de lo que podemos esperar del disco. Maravilloso.

Hace ya tiempo que he seguido la música de esta genial clarinetista, pero siempre como intérprete, no como compositora. Si tengo que recomendar algunos de sus discos, me decantaría por dos, ambos para el sello Mode:

- Morton Feldman Edition 7: Late Works for Clarinet (Mode 2003). Carol interpreta al clarinete tres composiciones de Feldman: Three Clarinets, Cello and Piano (1971), Bass Clarinet and Percussion (1981) y la magnífica Clarinet and String Quartet (1983), ésta última con el Quatuor Diotima.
- Giacinto Scelsi Volume 3: Music for High Winds (Mode 2001). Carol Robinson, acompañada por Clara Novakova a la flauta y Cathy Millike al oboe, interpreta varias composiciones del gran maestro italiano, escritas entre 1956 y 1970.

Aparte de estos dos magníficos discos, Carol también ha participado en otras grabaciones de grandes compositores contemporáneos, entre ellas las siguientes:

- Luciano Berio: The Complete Sequenzas and Works for Solo Instruments (Mode 2006) donde interpreta la Sequenza IXa (1980) y Comma (1987)
- Alain Bancquart: Le Livre du Labyrinthe (Mode 2003)
- Phil Niblock: Touch Food (Touch 2003)
- Peter Herbert: B-A-C-H a Chromatic Universe (Between The Lines 2001)
- Luigi Nono Edition 1: Voices of Protest (Mode 2000), donde interpreta A Floresta é Jovem e Cheja de Vida (1966) para dos clarinetes, tocados simultaneamente por Carol Robinson.

Por último, y aunque ya lo he mencionado en algún post anterior, recordar que Carol Robinson va a participar (o ha participado, no estoy seguro) en la grabación, junto con Charles Curtis y Olivier Martinez, de Naldjorlak II y III de la compositora Eliane Radigue, que previsiblemente sacará al mercado el sello Shiiin en un futuro no muy lejano. Mientras tanto, seguiremos disfrutando con este Billows.

Escuchando:
Carol Robinson - Billows (Plush 2009)
Activity Center - Lohn & brot (Absinth 2010)
Richard Barrett - Adrift (PSI 2010)
Morton Feldman - Late piano works Vol. 3 (MDG 2010)
Robin Hayward - States of rushing (Choose 2010)
Paul Baran - Panoptic (Fang Bomb 2009)
Mural - Nectars of emergence (Sofa 2010)

Avalancha Feldman

2010-02-28T11:23:00.014+01:00

Morton Feldman es uno de mis compositores favoritos del siglo XX. Ya he escrito en alguna ocasión que si bien me gusta toda su música, son las composiciones que escribió los últimos años de su vida, desde 1980 hasta su muerte en 1987, las conocidas como "late pieces", las que hacen de este compositor uno de los más sobresalientes de la llamada música contemporánea.

Pues bien, todos los aficionados a la música de este extravagante compositor neoyorkino estamos de enhorabuena ya que para este año se anuncia una auténtica avalancha de CDs y DVDs con nuevas grabaciones de algunas de sus obras, principalmente "late pieces", que como bien sabe el lector, algunas de ellas son de muy larga duración, por lo que el formato DVD encaja mejor que el CD, ya que permite la escucha completa de la obra sin tener que levantarse del sofá par cambiar de disco.

Empezamos por la grabación que a mí me parece en principio la más interesante: Trio (1980) para violin, cello y piano. El sello americano Mode sacó al mercado a finales del año pasado una grabación de esta obra en formato doble CD y DVD bajo el título Feldman Edition 10 (Mode 216). Los músicos, de ensueño: Aki Takahashi (piano), Rohan de Saram (cello) y Marc Sabat (violin). Si alguien me hubiese pedido hace un año que imaginase un trio para interpretar esta obra, sin dudarlo ni un momento de mi boca hubiera salido Takahashi-De Saram-Sabat. Aki Takahashi es una pianista excepcional que grabó la que para mi es la mejor interpretación de Triadic Memories del propio Feldman. Rohan de Saram fue durante muchos años el cellista del Arditti Quartet, y Marc Sabat ha grabado, para Hat Hut y Mode, composiciones para violin y piano de James Tenney, Morton Feldman y Christian Wolff, todas ellas con el pianista Stephen Clarke. Esta grabación de Trio dura 105 minutos, mientras que las dos grabaciones anteriores de esta obra son bastante más cortas: 76 minutos la del Ives Ensemble para Hat Hut y 88 minutos la de New Classical Adventure.

Pero el sello discográfico que para mi ha dado la campanada ha sido Matchless, el sello británico del que fuera (o es, que ya no se sabe) percusionista de AMM, Eddie Prévost. Acaba de sacar al mercado el Volumen 1 de la serie "Music for piano and strings", y anuncia para los próximos meses los volúmenes 2 y 3 de la serie. Estas grabaciones, editadas solamente en DVD, fueron grabadas en el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield en 2006, a cargo del Smith Quartet (Ian Humphries y Darrah Morgan, violines, Nic Pendlebury, viola y Deirdré Cooper, cello) y el gran pianista John Tilbury. El Volumen 1 contiene las grabaciones For John Cage (1982) para violin y piano a carago de Darragh Morgan y John Tilbury, de 91 minutos de duración, y Piano and String Quartet (1985), de 89 minutos. Que yo sepa esta es la sexta grabación de For John Cage, y para mi la referencia sigue siendo la grabación de Aki Takahashi y Yashushi Toyoshima para el sello Alm records. En lo que respecta a Piano and String Quartet, hay dos magníficas grabaciones anteriores de esta obra de 1985 (año mágico para Feldman, ya que ese año escribió For Bunita Marcus, Violin and String Quartet, Coptic Light y Piano and String Quartet), una de la omnipresente Aki Takahashi y el Kronos Quartet para Nonesuch, y otra del Ives Ensemble para Hat Hut. Los volúmenes 2 y 3, que todavía no están en el mercado, contienen Patterns in a Chromatic Field (1981) y Piano, Violin, Viola, Cello (1987, la última composicición que escribió Feldman) el volumen 2, y Piece for Violin and Piano (1950), Extensions 1 (1951), Projection IV (1951), Durations II (1960), Vertical Thoughts II (1963), Four Instruments (1965), The Viola in my Life (1970), Springs of Chosroes (1977) y Trio (1980) el volumen 3. Wow!!!

Pero todavía hay más. El sello alemán MDG acaba de sacar al mercado el volumen 3 de la serie The Late Piano Pieces de Morton Feldman, a cargo del pianista Steffen Schleiermacher. Este magnífico pianista, que ya grabó para el mismo sello la serie completa de música para piano de John Cage en 10 Cds, algunos de ellos dobles, se atreve ahora con las late pieces de Feldman. El Volumen 1 contiene Triadic Memories y el 2 For Bunita Marcus. Adivinan que contiene el volumen 3? "Piano 77" y "Palais de Mari". Elemental, mi querido Watson.

Y más piano. El sello Nuscope tiene ya preparada una grabación de For Bunita Marcus (1985) a cargo de Louis Goldstein, realizada en Noviembre de 2005 en un piano Steinway D y grabada en la Universidad de Wake Forest en Carolina del Norte. Goldstein ya tiene una grabación de Triadic Memories del año 1999 para Offseason Productions, así que veremos que da de si en la interpretación de la obra maestra de Feldman. El disco saldrá a la venta en primavera.

Por último, el sello OgreOgress anuncia para el invierno un nuevo disco con primeras grabaciones de varias obras de Feldman y composiciones de su esposa Barbara Monk Feldman. Los intérpretes, los de siempre en este sello de Michigan: Christian Fong, Glenn Freeman, Karen Krummel, Debora Petrina y el Rangzen Quartet entre otros.

Todo esto lo veremos (y escucharemos) a lo largo del 2010. Pero además, hay anunciadas más grabaciones de Feldman, sin fecha de salida al mercado, como por ejemplo For Bunita Marcus por Aki Takahashi para Mode, Triadic Memories y Piano por John Snijders para Hat Hut, Rothko Chapel y For Stefan Wolpe para Mode a cargo del New London Chamber Choir y por último, el cd "Morton Feldman: Piano Pieces" de la pianista Sabine Liebner para Neos. Morton Feldman está de moda, amigos!

Escuchando:
John Cage/Terry Jennings - Lost daylight (Another Timbre 2010)
Magda Mayas - Heartland (Another Timbre 2010)
Jürg Frey/Antoine Beuger - Duos (Wandelweiser 2009)
John Cage - Postcard from heaven (ArpaViva Foundation 2006)
Aldo Clementi - Fragments and symmetries (Content 2006)
Morton Feldman - Piano/Palais de Mari (L'Empreinte Digitale 2001)
Alvin Lucier - Vesper and other early works (New World 2002)
John Cage - Eight/Two/One4 (Megadisc 2005)
Jonas Kocher - Materials (Creative Sources 2009)
Stephen Cornford - Air guitar (Sculpture Recordings 2009)

A Portrait of Eliane Radigue

2010-01-31T17:26:00.007+01:00

Para los amantes de la buena música, les recomiendo el vídeo "A Portrait of Eliane Radigue", producido por el IMA austriaco (Institut for Media Archeology) y dirigido por Maxime Guitton. En él podemos ver a la compositora francesa en su estudio, trabajando con el sintetizador ARP y hablando del proceso de creación y grabación de sus composiciones. Eliane habla en francés con subtítulos en inglés.

Pero todavía hay más sobre Eliane Radigue, que parece que a sus 78 años está viviendo una segunda juventud. Jesse Goin ha publicado un artículo sobre ella el pasado 28 de enero en Junkmedia, y la revista británica The Wire le dedica el Invisible Jukebox del mes de febrero, en el que el periodista Dan Warburton pone a prueba los conocimientos musicales de Eliane a través de una selcción de discos que élla tiene que reconocer a ciegas.

Y aunque no tenga nada que ver con Eliane Radigue, merece la pena ver el vídeo del concierto que Carol Robinson (clarinetes) y Frances-Marie Uitti (cello) grabaron el pasado 12 de diciembre para el programa A l'mproviste de Radio France. Este concierto me ha venido a la cabeza ya que Carol Robinson participará en la grabación de Naldjorlak II y III de Eliane Radigue, junto con el cellista Charles Curtis y el clarinetista Bruno Martinez.

Y una última recomendación. El sello norteamericano Mode acaba de sacar al mercado un DVD con la grabación de la composición "Trio" (1980), para piano, violin y violoncello, del gran compositor norteamericano Morton Feldman. Existen dos grabaciones anteriores de esta composición, curiosamente las dos realziadas en 1996: una de 76 minutos de duración para el sello suizo Hat Hut, interpretada por miembros del Ives Ensemble, Josje Ter Haar (violin), Job Ter Haar (cello) y John Snijders (piano), y otra de 89 minutos para el sello alemán New Classical Adventure, a cargo de Kristina Radke (Violin), Adelheid Schloemann (cello) y Albert Breier (piano). Pero esta de Mode parece la definitiva. Atención a la alineación: Aki Takahashi (Piano), Rohan de Saram (cello) y Marc Sabat (Violin). Y una duración de 105 minutos!!!

Escuchando:
Alfred Zimmerlin - Euridice (ECM 2009)
Christian Wolff - Long piano (New World 2009)
Various Artists - The harmonic series (Important 2009)
Keiichiro Shibuya - For Maria (Spekk 2009)
Taku Sugimoto - 13 & 14 for guitars (Slub 2009)
Loris - The cat from Cat Hill (Another Timbre 2009)
Una MacGlone/Nick Fells/Neil Davidson - Proximo (Iorram 2009)
Tetuzi Akiyama/Eric Carlsson/Toshimaru Nakamura/Henrik Olsson - In search of wild tulips (Bombax Bombax 2009)

La cosecha musical del 2009

2009-12-26T18:20:00.008+01:00

Ok. Lo reconozco. No he escrito nada en este blog desde el pasado 31 de octubre, pero es que estos dos últimos meses han sido tan desastrosos, que no he tenido tiempo ni ganas de escribir. Así que paso inmediatamente a olvidarlos y a centrarme en el año 2010, que espero sea mejor que este 2009 que estamos a punto de liquidar.

Como todos los años, he dedicado mucho tiempo a escuchar música, y quien siga este blog conocerá bien mis preferencias musicales. En este sentido, 2009 ha sido un buen año para la música experimental y de vanguardia, como también lo fue el 2008. En la lista de mis discos favoritos de este año aparecen varios nombres comunes con la lista del año pasado, ya sean compositores, músicos o sellos discográficos. Allá vamos:

1.- Michael Pisaro - Hearing metal 1 (Wandelweiser)
2.- Klaus Lang - The book of serenity (Kairos)
3.- Polwechsel/John Tilbury - Field (Hatology)
4.- Antoine Beuger - Two. too (for Erwin-Josef Speckmann) (Wandelweiser)
5.- Eliane Radigue - Triptych (Important)
6.- James Tenney - Arbor vitae (Collection QB)
7.- Morton Feldman/Howard Skempton - Triadic Memories/Notti stellate a Vagli (Atopos)
8.- Tom Chant/Angharad Davies/Benedict Drew/John Edwards - Decentred (Another Timbre)
9.- Phosphor - Phosphor II (Potlatch)
10.- Annette Krebs/Rhodri Davies - Kravis Rhonn project (Another Timbre)
11.- John Cage - Dream (Wergo)
12.- Burkhard Stangl/Kai Fagaschinski - Music-Ein porträt in sehnsutch (Erstwhile)
13.- Uli Fussenegger - Abbastanza Basso (Durian)
14.- Cornelius Cardew - Treatise (Planam)
15.- Lucio Capece/Julia Eckhardt/Christian Kesten/Radu Malfatti/Toshimaru Nakamura/Taku Sugimoto - Wedding ceremony (Cathnor)
16.- Graham Lambkin - Softly softly copy copy (Kye)
17.- Rhodri Davies/Michael Doneda/Louisa Martin/Phil Minton/Lee Patterson - Midhopestones (Another Timbre)
18.- Lee Patterson - Seven vignettes (Shadazz)
19.- Andrea Neumann - Pappelallee 5 (Absinth)
20.- Patrick Kosk - Mondweiss (Edition RZ)

Como podemos ver, una lista en la que aparecen muchos nombres ya consagrados y favoritos de quien escribe en este blog, como Michael Pisaro, Eliane Radigue, Polwechsel, John Tilbury, Klaus Lang, Morton Feldman, John Cage, Burkhard Stangl, Kai Fagaschinski, Andrea Neumann, Cornelius Cardew, Rhodri Davies, Annette Krebs y Taku Sugimoto entre otros. Pero también aparecen nuevos nombres que me han llamado la atención a lo largo de este año, entre ellos Lee Patterson, con grabaciones de huevos y cacahuetes friéndose, bombonas de butano, turbinas de viento, etc ... y resultados sobresalientes. Y Antoine Beuger, que nos ha ofrecido un magnífico doble disco en el sello Wandelweiser, una obra para soprano y clariente. En el primer disco la interpretan Irene Kurka y Jürg Frey, y en el segundo disco esta grabación está solapada con otra de Rhodri Davies y Ko Ishikawa al arpa y sho respectivamente. Y Patrick Kosk, un compositor finés del que nunca antes había oido hablar. Y Graham Lambkin, del que ya había escuchado Salmon Run y The Breadwinner (éste con Jason Lescalleet), pero que hasta este Softly softly no me había seducido. Y Uli Fussenegger, contrabajista austriaco co-fundador del sello Durian.

Y en cuanto a los sellos discográficos, pues más de lo mismo: Wandelweiser, Durian, Edition RZ, Kairos, Hat Hut, Another Timbre, Ertswhile, Cathnor, Wergo, ..... Los mismos sellos que año tras año mantienen viva la llama de la música experimental.

¡FELIZ 2010!

Eight whiskus

2009-10-31T13:20:00.015+01:00

Eight whiskus. Ocho whiskus. ¿Y que son los whiskus? Hay ocho mesostics escritos en las tres primeras palabras de un texto de Chris Mann (whistlin' is did). Mesostics son poemas cortos a la manera de los haikus. Así que whiskus es la combinación de las dos palabras: whistlin y kaikus. Y Eight whiskus es una composición de John Cage, escrita en 1984 para voz sin acompañamiento, dedicada a Joan La Barbara y reescrita al año siguiente para violín solo con la ayuda de Malcolm Goldstein.

El pasado jueves tuve la suerte de estar en Barcelona y aproveché la ocasión para ir al concierto que el violinista norteamericano Malcolm Goldstein y el percusionista alemán Matthias Kaul ofrecieron en el Auditori del MACBA, dentro del ciclo "Tardor Cage-Cunningham: cinema, performance i conferències", que tiene lugar estos días en el MACBA. Y el concierto se abrió precisamente con Malcolm Goldstein interpretando Eight whiskus para violin solo. Tengo un par de discos en los que Goldstein interpreta esta composición: "Sounding the new violin" (What's Next? Recordings 1991) y "John Cage" (Wergo 1999). Por su parte, también Irvine Arditti la grabó para el sello amricano Mode en "The works for violin Vol. 4" (Mode 2001). Pero la interpretación Malcolm Goldstein me pareció fabulosa. Tocada a un volumen muy bajo, con el micro situado bastante alejado del violín, la interpretación requería un silencio absoluto en la sala. Y así ocurrió. El violín sonaba árido, seco. Y Goldstein despachó los ocho whiskus en apenas cinco minutos. Buen comienzo.

Entonces Matthias Kaul subió al escenario para, entre los dos, interpretar la que para mi fue lo mejor de la tarde: Variations II, escrita en 1961 para cualquier número de instrumentos y cualquier forma de producir sonidos (esto si que es "indeterminacy"). Variations II es una de las grandes composiciones de Cage, que ha sido interpretada de muy diversas maneras por grandes intérpretes: David Tudor tiene una magnífica versión para piano en su disco "Music for piano" (Edition RZ 2007) y los propios Malcolm Goldstein y Matthias Kaul también la grabaron para el disco de Wergo mencionado anteriormente. Al final del concierto, le dije a Matthias Kaul que la versión que acababan de interpretar me había parecido muy diferente a la del disco de Wergo, que había estado escuchando en el coche durante el viaje. Matthias me dijo que era debido al diferente instrumento de percusión utilizado: en el disco de Wergo era una glass harmonica y en el concierto utilizó un vibráfono. Pero que además, Malcolm Goldstein adaptaba su forma de tocar el violín al instrumento percusivo que le acompañaba. A mi me pareció magnifica, también tocada a bajísismo volumen, pero árida y seca como la anterior. Una vez termianda Variations II, Matthias Kaul interpretó la obra cComposed improvisations (1990) para tambor solo. Matthias me enseñó la partitura y era muy simple: tres fragmentos de tiempo, uno de duración variable y dos de duración fija, con instrucciones escritas sobre como tocar los instruementos en cada uno de los fragmentos: golpeando, frotando, arañando, .... Era la primera vez que escuchaba esta composición de Cage, y Matthias Kaul la interpretó con muchísima concentración.

Tras un corto intermedio en el que la mayor parte del público se avalanzó hacia el escenario para ver las partituras (es increible la atracción de Cage para varias generaciones de amantes d ela música) y conversar con los músicos, Goldstein interpretó dos obras para violín solo: Cheap imitation (1977) y Chorals (1978), esta última incorporada a última hora ya que no estaba en el programa. Cheap imitation para violín solo esta basada en otra composición del mismo título pero para piano solo, escrita en 1969. Cuenta la leyenda que en 1969 John Cage escribió los arreglos de Socrate (1916) para voz y orquesta, de su admirado Erik Satie. La composición iba a ser utilizada por la compañía de baile de Merce Cunningham en una obra que iba a ser estrenada en 1970. Pero unos meses antes de su estreno, los editores de Satie indicaron a Cage que no podía utilizar esa composición. Como la coreografía ya estaba escrita y basada en Socrate, John Cage no podía escribir una nueva composición. Así que recurrió a la imaginación. Cage reescribió la obra e hizo una imitación para piano solo de la composición de Satie, y la llamó Cheap Imitation (imitación barata), dando muestra de una fina ironía. En 1977 y a petición del violinista Paul Zukofsky, Cage escribió una versión de esta composición para violin. Irvinie Arditti grabó una magnífica versión también para Mode en su disco "John Cage Vol. 33", donde además de Cheap imitation aparece la versión para string quartet de 44 harmoines for Apartment House 1944, interpretada por el Arditti Quartet. Chorals (1978) es una versión microtonal para violin solo de Solo for voice 85. Es una obra que deriva también de una composción de Satie llamada Douze petits chorals. Goldstein realizó una intepretación muy austera de esta dos obras, en la línea que ya he descrito para Eight whiskus.

Y para terminar, ambos músicos interpretaron Ryoanji (1983-85), una de las obras más conocidas de Cage, llamada así por el jardín de piedra de Kioto. Cage escribió varias versiones de Ryoanji, para contrabajo, oboe, voz y percusión (1983-85), para trombón (1984), para flauta (1984) y para violoncello (1992), versión que no estaba terminada cunado Cage murió ese mismo año. En esta ocasión Goldstein y Kaul interpretaron su propia versión para violín y percusión, como la que habían grabado para Wergo en 1999. Aparte de esta grabación, hay varias versiones de Ryoanji grabadas en disco, entre ellas tres versiones para el sello suizo Hat Hut: la primera, de 17 minutos de duración, grabada en 1993 por Hilegard Kleeb (piano) y Roland Dahinden (trombón), la segunda, de 19 minutos a cargo del Ives Ensemble y grabada en 1994, y la tercera, de 60 minutos, con Robert Black (contrabajo), Eberhard Blum (flauta), Iven Hausmann (trombón), Gudrun Reschke (oboe), John Patrick Thomas (voz) y Jan Williams (percussion) y grabada en 1995. También la grabaron Ulrich Krieger para saxofón, tres saxofones pregrabados y percusión (Mode 2002), Isabelle Granz y Michael Pugliese para voz y percusión (en la la primera referencia del magnífico sello Mode en 1985), Manuel Zurria para 4 flautas, percusión y cinta (Die Schachtel 2008), James Fulkerson y Frank Denyer para trombón y percusión (Etcetera 1992) y más recientemente, Stefano Scodanibbio para contrabajo y cinta (Wergo 2009), entre otros muchos.

Ryoanji fue el broche final para un magnífico concierto a cargo de dos músicos con mucha experiencia en el campo de la música contemporánea. Los más próximo que puedo recomendar a lo allí escuchado es el disco de Wergo de 1999, que contiene Variations II, Eight whiskus, Music for two y Ryoanji, todas interepretadas por Malcolm Goldstein y Matthias Kaul.

Escuchando:
Ernstalbrecht Stiebler - ... Im klang ... (Hat Hut 1998)
Lucio Capece/Radu Malfatti - Berlinerstrasse 20 (b-boim 2009)
Cornelius Cardew - Treatise (Planam 2009)
Nmperign - Ommatidia (Intransitive 2009)
Stefano Scodanibbio - My new address (Stradivarivs 2004)
Piotr Kurek - Lectures (Crónica 2009)
Nicholas Christian/Matt Milton/Eddie Prevost/Bechir Saade - A church is only sacred for believers (Al Maslakh 2009)

La lontananza nostalgica utopica futura

2009-10-11T18:11:00.010+02:00

Luigi Nono. En mi opinión uno de los más enigmáticos compositores del siglo XX. Nacido en Venecia en 1924, estudió derecho penal en la Universidad de Padua, pero, curiosamente, antes de cumplir los 30 años ya era una de las figuras prominentes de la escuela de Darmstadt, junto con pesos pesados de la talla de Boulez y Stockhausen, así como uno de los grandes defensores del serialismo (técnica compositiva que aboga por la utilización de series de notas que se emplean en un determinado orden sin repetirse). Uno de los primeros defensores del serialismo fue el compositor austriaco Arnold Schönberg, así que no es de extrañar que Luigi Nono acabara casándose con su hija Nuria. Su obra siempre estuvo cargada de un fuerte contenido político, sobre todo en contra del fascismo, lo que le llevó a enrolarse en el Partido Comunista Italiano (PCI) a principios de la década de los 50.

Hasta su muerte en 1990, Nono escribió alrededor de 70 composiciones, sobre todo música vocal y electrónica, pero para mi su mejor composición es una de sus últimas obras, "La lontananza nostálgica utópica futura", escrita en 1988 para violín, 8 bandas magnéticas y 8-10 atriles (el título completo de la obra es "La lontananza nostalgica utopica futura, Madrigale per più “caminantes” con Gidon Kremer y está dedicada al también compositor italiano Salvatore Sciarrino). Según las instrucciones de Nono, la duración de la obra es de 45 minutos, si bien en las diferentes grabaciones la duración varía en función de los intérpretes.

Si no estoy equivocado, La lontananza se ha grabado en cuatro ocasiones y por cuatro magníficos violinistas:

Luigi Nono - La Lontananza Nostalgica Utopica Futura/"Hay Que Caminar" Soñando (Deutsche Grammophon 1992)
La primera grabación de esta composición corrió a cargo del violinista letón Gidon Kremer, realizada en Suiza en diciembre de 1990. Para la grabación Kremer contó con la colaboración de la compositora rusa Sofía Gubaidulina en las bandas magnéticas. Es la primera grabación y la más corta de todas, con una duración de 39 minutos. El disco contiene también la composición "Hay que caminar" soñando, para dos violines, con Gidon Kremer y Tatiana Gridenko.

Luigi Nono - Luigi Nono 2: La Lontananza Nostalgica Utopica Futura (Montaigne 1994)
Dos años más tarde, el sello francés Montaigne editaba una nueva grabación de esta composición a cargo del que en ese momento era uno d elos principales intérpretes de la música contemporánea: el violinista Irvine Arditti, líder de uno de los más reconocidos cuartetos de cuerda de finales del siglo XX. Esta grabación, de 60 minutos de duración, utiliza material grabado para cinta magnética por el propio Luigi Nono.

Luigi Nono - La Lontananza Nostalgica Utopica Futura (Kairos 2000)
Nueva versión de La lontananza, esta vez a cargo de la violinista del Ensemble Recheche Melise Mellinger, con la colaboración en las bandas magnéticas del mismísmo Salvatore Sciarrino. En este disco la duración es de 62 minutos, y sorprendentemente es para mí una de las mejores interpretaciones de esta composición. Y digo soprendente por la reputación de los violionistas de las grabaciones anteriroes.

Luigi Nono - La Lontananza Nostalgica Utopica Futura (Wandelweiser 2001)
Como no podía ser de otra forma, el sello alemán Edition Wandelweiser Records, del que ya he escrito bastante en este blog, también se atrevió a editar una grabación de La Lontananza, esta vez a cargo de Clemens Merkel, violinsita del magnífico Quatuor Bozzini. Para la grabación, realizada en Hohenferchesar en 1998, contó con la colaboración de Wolfgang Heiniger. Con una duración de 59 minutos, nadie se llevará una sorpresa si digo que esta grabación es la más austera de las cuatro, la más wandelweiseriana, diría yo. También una de mis favoritas.

Escuchando:
Luigi Nono - La lontananza nostalgica utopica futura (Kairos 2000)
Ramón Sender - Worlfood (Locust 2004)
Will Guthrie - Building blocks (Antboy 2003)
Esther Venrooy/Heleen Van Haegenborgh - Mock interiors (Entr'acte 2008)
Morton Feldman - For Bunita Marcus/Palais de Mari (Oehms Classics 2007)
Tricorder - Ntrix (Durian 2004)
AMM/John Butcher - Trinity (Matchless 2008)

Conciertos para el otoño

2009-10-08T11:35:00.018+02:00

Pues ya estamos en pleno otoño, aunque por el tiempo que tenemos nadie lo diría. Y hablando de tiempo, y para el que lo tenga, pero libre, ahí van unas cuantas recomendaciones de magníficos conciertos para este mes de octubre:

Musikprotokoll
Steirischer Herbst. Graz (Austria)
8-11 de octubre info

John Cage
Selección de obras breves para piano preparado
Margaret Leng Tan (piano)
Auditorio MACBA. Barcelona
23 de octubre. 21:00h
Entrada libre. Aforo limitado info
Eight Whiskus, Variations II, Composed Improvisation, Cheap Imitation y Ryoanji
Malcolm Goldstein (violin) & Matthias Kaul (percusión)
Auditori MACBA. Barcelona
29 de octubre. 21:00h
Entrada libre. Aforo limitado info

Eliane Radigue
Naldjorlak I, II & III
Charles Curtis (violoncello), Carol Robinson y Bruno Martinez (clarinetes altos)
Theater Kikker. Impakt Festival. Utrecht (Holanda)
18 de octubre. 15:00H info
Stuk. Leuven (Bélgica)
20 de octubre. 20:30h info
Auditorium du Louvre, FIAC. Paris (Francia)
25 de octubre. 15:00h
Entrada Libre info

Keith Rowe/Mattin
Fundación Luis Seoane. A Coruña
24 de octubre. 21:30h
Entrada libre info

The Experimental Music Yearbook
Composiciones de Christian Wolff, Olivia Block, Taku Sugimoto, Manfred Werder, ...
Organizado por Michael Pisaro, John P. Hastings y Casey Anderson
California Institute of the Arts (CalArts), Roy O. Disney Music Hall. Valencia (California)
24 y 25 de octubre info

Listen #1
John Butcher (saxofón)/John Tilbury (piano)
Seymour Wright (saxofón)/Sebastian Lexer (piano)
Bertrand Gauguet (saxofón)/Frédéric Blondy (piano)
Église St Merri. Paris (Francia)
30 de octubre. 20:30h info

Triptych, Vice Versa, etc ...

2009-10-03T14:57:00.014+02:00

Eliane Radigue. Hace ahora un par de años, medio en broma medio en serio, empezaba yo con este blog, sin saber cuanto tiempo iba a durar y a donde iba llegar, si es que llegaba a algún sitio. Han pasado dos años, y aquí seguimos, amando la buena música, el buen cine, la buena literatura, los buenos vinos, la cocina japonesa, ... y no soportando lo mismo que entonces: los políticos. Uno de los primeros posts estuvo dedicado a la música de la gran compositora electro-acústica francesa Eliane Radigue, con motivo del festival LEM de Barcelona, donde se le dedicó una noche entera el 12 de octubre del 2007. Escribí acerca de los tres conciertos aquí, interpretados por Charles Curtis, Gerard Pape y Kasper T. Toeplitz. A finales del año pasado el sello francés Shiiin sacaba al mercado el disco Naldjorlak, en mi opinión, mejor disco del 2008. Y ahora, el sello de Massachusetts Important Records nos deleita con dos nuevas grabaciones de esta magnífica compositora.

Lo primero que me llamó la atención fue el sello discográfico. Important Records es un sello de Massachusetts, ecléctico donde los haya, donde tienen cabida outsiders como Merzbow, Om, James Blackshaw y Acid Mothers Temple, por citar solo algunos de sus últimos lanzamientos, pero no les imaginaba yo lanzando discos de la Radigue. No recuerdo tener en mi colección ningún disco de Important. Pero lo que me pareció más "importante" es que a través de Important, la música de Eliane Radigue iba a llegar a un público más amplio que hasta la fecha (la distribución de Important es mucho mejor que la de los sellos que recientemente han grabado su música, como por ejemplo Shiiin, Schoolmap, Sleazing Art o Fringes) y sobre todo a un público diferente, lo que siempre es muy positivo.

Los dos discos contienen composiciones de los años 70, pero las diferencias son más que manifiestas. En primer lugar por las circustancias. En 1974, nada más estrenarse en San Francisco una de sus grandes composiciones, Adnos I, Eliane Radigue se convirtió al Budismo Tibetano. Empezó a profundizar en la espiritualidad de sus obras, lo que hizo que en los siguientes cinco año su producción musical fuera muy escasa. De las dos compsiciones que ahora nos presenta Important, una es anterior a este periodo budista, Vice Versa, etc ... (1970) y la otra, posterior, Triptych (1978). Curiosamente, después de Triptych, Eliane Radigue completaría la que muchos consideran su obra maestra, la trilogía Adnos, con Adnos II (1980) y Adnos III (1982). En segundo lugar, por los instrumentos. Vice Versa, etc ... es la última composición de Radigue para banda magnética. Al año siguiente, adquiría el sintetizador ARP 2500, con el que posteriormente realizaría la mayor parte de sus composiciones, incluída Triptych.

Vice Versa, etc ... es una instalación sonora en la que una simple banda magnética puede ser tocada a cualquier velocidad, una banda estéreo que puede tocarse de tres formas: por el canal derecho, por el izquierdo o por los dos a la vez. Estos canales pueden superponerse o cruzarse tanto como sea posible y a cualquier velocidad. Aquí la grabación está presentada en 2 discos, uno grabado hacia adelante (onward) y otro hacia atrás (backward). Cada uno de los dos discos está dividido en cuatro partes, grabadas a diferentes velocidades. Así, el disco 1 tiene cuatro partes: Onward 9.5, 19, 38 y 76, y el disco 2 otras cuatro: Backward 9.5, 19, 38 y76. La parte más lenta dura 13'41" y la parte más rápida, 2'42". Vice Versa, etc ... es una de las piezas más minimalistas de Radigue, en la que descata la riqueza de las tonalidades obtenidas de la banda magnética, que como podemos ver tampoco se alejan mucho de las que posteriormente alcanzaría con el ARP 2500.

Triptych es una composición dividida en tres partes, como hemos indicado escrita después de Adnos I y justo antes de Adnos II y III, e inspirada por el budismo tibetano. Esto ya nos da una pista de los que nos podemos encontrar. Una obra muy sencilla y contemplativa, que evoluciona tan despacio que parece que no evoluciona, pero que somete al oyente en un estado de tranquilidad muy similar al que se produce en Adnos II. La primera parte incluso parece realizada con "field recordings" grabados en alguna costa del atlántico donde el viento sopla con fuerza. Pero no, está realizada con el sintetizador.

Aunque sin llegar a la altura de sus grandes obras (Adnos, Kyema, Naldjorlak, ...), de las dos composiciones me quedo con Triptych. Vice Versa, etc ... es también muy interesante, pero para mi Triptych es más "radiguiana", más de lo que yo espero como música de Eliane Radigue.

Descubrí la música de esta compositora en el año 2002, cuando el sello Table of the Elements editó la trilogía Adnos I-III. Eliane ya había cumplido los 70 años. Así que la imagen que siempre he tenido de ella es la de una mujer mayor. Por eso son de gran valor las fotografías de los dos cds de Important, ya que nos muestran a Eliane en plena juventud. Y comprobamos que además de una gran compositora, era una joven guapísima. ¡Bonita sorpresa!.

Escuchando:
Rhodri Davies/Dominic Lash - Five knotes/Assay (Compost and Height 2009)
Kevin Drumm - Imperial horizon (Hospital Productions 2009)
SLW - Fifteen point nine grams (Organized Music from Thessaloniki 2009)
Sachiko M - I'm here ... departures ... (2-:+/Studio Parabolica 2009)

Jamilia Jazylbekova - Jamilia Jazylbekova (Villa Massimo 2005)

Michael J. Schumacher - Room pieces (XI Records 2003)
John Cage - Four walls (Camerata 2003)

two. too

2009-09-26T15:45:00.010+02:00

" two. too (for erwin-josef speckmann)" es el título completo del último trabajo del compositor holandés Antoine Beuger para el sello Wandelweiser. Junto con "hearing metal 1" de Michael Pisaro (del que ya hablé largo y tendido en mi anterior post), "counting keys" de Tom Johnson e "im sefinental" de Stefan Thut y Manfred Werder, conforman el cuarteto de discos que este magnífico sello alemán nos ha entregado este año. Confieso que nunca había oído hablar de Erwin-Josef Speckmann, a quien va dedicado el disco. Parece ser que es un artista y escritor contemporáneo, investigador en el campo de la epilepsia, que ha publicado libros y pinturas sobre estas disfunciones cerebrales, entre ellos "Fisiología, farmacología y desarrollo de fenómenos epilepto-genéticos" (1991) y la serie de pinturas Convulsion #1 y #2 (2007), que podemos ver en la fotografía de arriba.

El disco de Beuger incluye en su interior una pintura de Speckmann de 2006, que consiste en cuatro lineas verticales agrupadas de dos en dos (tal vez sirviese como inspiración a Beuger para la música de este disco) y el texto "as the full moon rises, the swan sing, in sleep, on the lake of the mind" (mientras la luna llena asciende, el cisne canta, en sueños, en el lago de la mente) del escritor Kenneth Rexroth. El disco contiene dos composiciones, "two" y "too", que en realidad son solo una. Me explico. Antoine Beuger compuso "two" para clarinete y soprano. Aquí está interpretada por su colega Jürg Frey al clarinete y la soprano Irene Kurka. La estructura de la composición es sencilla: Irene Kurka va repitiendo, una por una, todas las palabras del texto de Rexroth. Después de cada palabra, Jürg Frey responde con una sola nota de clarinete de aproximadamente la misma duración que las palabras que canta Irene Kurka, seguido de un intervalo de silencio de también la misma duración. Y así una y otra vez hasta completar los 58 minutos que dura la composición. Dicho así puede parecer monótono, pero no lo es. Cada palabra tiene su propia entonación y Frey se acopla con el clarinete a esa entonación. El resultado es brillante.

El disco 2 contiene la composición "too", interpretada por el cuarteto Irene Kurka (soprano), Jürg Frey (clarinete), Ko Ishikawa (sho) y Rhodri Davies (arpa irlandesa). En una primera escucha parece que los cuatro músicos interpretan la misma partitura que en el disco 1, pero en realidad no es así. "too" es la misma composición que "two" mezclada en el estudio con otra composición de Beuger, "three drops of rain/east wind/ocean", interpretada por Rhodri Davies y Ko Ishikawa, y que ya había aparecido en el disco "Compositions for harp and sho" (Hibari 2006). Según Beuger, "too" no es un cuarteto, sino dos duos, de ahí la relación con la pintura de Speckmann que aparece en el interior del disco. La pista para entender este embrollo la encontramos también en los créditos del disco - "two": two, who are at one with another, and "too": two, who are at one with another (twice). El resultado es sorprendente, sobre todo teniendo en cuenta que "too" es la solapación en el estudio de dos composiciones diferentes, pero que encajan a la perfección. Otro gran disco del sello Wandelweiser.

Y hablando del sello Wandelweiser, Michael Pisaro acaba de escribir un largo, profundo y magnífico artículo sobre este colectivo, desde su formación a principos de los noventa hasta la actualidad. Lo ha publicado Jon Abbey en su blog erstwords.

Escuchando:
Benjamin Britten - Cello suites 1&2 (London 1989)
AFG - Plains (Conundrom 2009)
Zeitkratzer - Die kraft der negation (Zeitkratzer 2005)
Beat Furrer - Works for ensemble (Durian 1996)
John Cage/Morton Feldman - Music for keyboard 1935-1948/The early years (New World 2006)
Gerhard Stäbler - Gerhard Stäbler (Composers Arts Label/Edition Zeitklang 2005)

hearing metal 1

2009-09-12T15:30:00.023+02:00

Así, por el título, diríase que se trata de un disco de heavy metal o como mínimo de rock duro. Pero no, "Hearing Metal 1" es el título del último disco del compositor norteamericano Michael Pisaro para el sello Wandelweiser. Para quien haya seguido últimamente este blog, no se sorprenderá de leer que Michael Pisaro se ha convertido en uno de mis compositores favoritos. En enero publicaba aquí mismo la lista de los 20 discos que más me habían gustado en el 2008, y en ella aparecían dos discos de Pisaro: "Harmony Series 11-16" en el segundo puesto y "An Unrhymed Chord" en el décimo, ambos también editados por el sello Wandelweiser. Para mí si que fue una auténtica sorpresa, ya que hasta hace un par de años no conocía la música de este compositor, pero ahí estaban, los dos disocs entre los diez primeros.

Como con muchos otros compositores, encontré la música de Pisaro a través del catálogo del que para mi es el mejor sello de la actualidad: Edition Wandelweiser Records. Creado en 1995 y dirigido por el también compositor Antoine Beuger, EWR ha conseguido crear un catálogo de unas 50 grabaciones, todas ellas de una austera estética musical y visual, consiguiendo llamar la atención de los más aventureros exploradores de la vanguardia musical. La lista de compositores a los que he conocido a través del sello es impresionante: Antoine Beuger, Jürg Frey, Tim Parkinson, Eva-Maria Houben, André O. Möller, Burkhard Schlothauer, Makiko Nishikaze, Michael Pisaro, .... Por lo demás, el sello ha editado austeras revisiones de composiciones de otros aventureros de la vanguardia como John Cage, Christian Wolff, Luigi Nono, Alvin Lucier o el mismísimo Radu Malfatti.

Michael Pisaro nació en 1961 en Buffalo, New York. De 1987 al 2000 fue profesor en la Northwastern University de Illinois, año en que se afincó en California para dar clases en el California Institut of the Arts, más conocido como Calarts. Mi primer contacto con la música de Michael Pisaro fue hace un par de años con el disco "Mind is moving I", editado por el sello Wandelweiser en 2001.

Según he leído por ahí, Michael Pisaro ha escrito unas 80 composiciones, pero la discografía que yo tengo es la siguiente:

Edwin Alexander Buchholz plays Cage, Pisaro, Frey and Beuger (EWR 9601/02, 1996)
Que yo sepa, primera referencia del sello Wandelweiser en la que el gran acordeonista E.A. Buchholz interpreta "Cheap Imitation" de John Cage, "San Lazaro Bros" de Jürg Frey, "Die geschichte des sandkorns" de Antoine Beuger y "Hear (2)" de Michael Pisaro.

Michael Pisaro - Mind is moving I (EWR 0106, 2001)
"Mind is Moving I" es una composición para guitarra, dividida en siete partes e interpretada por el propio compositor. De alguna manera me recuerda al Taku Sugimoto de finales de los noventa (Opposite, por ejemplo): austeras composiciones interpretadas con extrema sensibilidad, casi acariciando las cuerdas de la guitarra, y con variables periodos de silencio entre las diferentes notas, si bien el disco de Pisaro está completamente despojado de cualquier residuo "blues", cosa que no ocurría en "Opposite".

Michael Pisaro - Transparent City Volumes 1&2 (EWR 0706/07, 2007)
Michael Pisaro - Transparent City Volumes 3&4 (EWR 0708/09, 2007)
Field recordings de diez minutos de duración cada uno, grabados en lugares diferentes entre 2004 y 2006, a los que se ha añadido sine tones en el proceso de edición y separados entre si por dos minutos de silencio. Michael Pisaro dice que son composiciones creadas con field recordings y sine tones. Muy recomendable para los amantes de este tipo de grabaciones de campo.

Michael Pisaro - Harmony Series 11-16 (EWR 0710, 2007)
Uno de los mejores discos del 2008, aunque por el número de catálogo, parace que fue editado a finales de 2007. El disco contiene nueve composiciones de las 34 que forman las Harmony Series. Están interpretadas por diferentes formaciones de un ensemble de siete músicos, Johnny Chang (violin), Marc Sabat (violin), James Orsher (harmonium), Kathryn Pisaro (oboe y corno inglés), Mark So (piano), Greg Stuart (percussion) y Michael Pisaro (guitarra y sine tones). De las nueve composiciones, tres son para ensemble, dos para oboe/english horn y guitarra con sine tones interpretadas por Kathryn y Michael pisaro, y cuatro (las pares) para percusión solista, interpretadas por el gran percusionista Greg Stuart. Atención a este nombre porque va a aparecer en por las próximas obras maestras de Pisaro. De las tres composiciones para ensemble, destacar "A single charm is doubtful" con el violin de Johnny Chang y el piano de Mark So.

Michael Pisaro - An Unrhymed Chord (EWR 0801/02, 2008)
Otro de los grandes discos del año pasado. Contiene dos versiones de la composición "An unrhymed chord" a cargo de Greg Stuart, que según me confirmó él msimo, utilizó más de 70 instrumentos de percusión y objetos caseros para la grabación, y Joseph Kudirka, que realizó una versión utilizando fregmentos de sonido suminsitrados por diferentes músicos como Peter Ablinger, Antoine Beuger, James Fulkerson, Michael Pisaro, Mark So y Burkhard Schlothauer entre otros. En ambos casos son dos fragmentos de 30 minutos separados por cinco minutos de silencio. Yo prefiero la magnífica versión de Greg Stuart, en uno de los grandes discos para percusión de los últimos años.

Michael Pisaro/Ben Owen - Split Series (Compost and Height 2008)
El Wandelweiser Composers Emseble formado para esta ocasión por Antoine Beuger (flauta), Jürg Frey (clarinete), Marcus Kaiser (violoncello), Radu Malfatti (trombón), André Möller (guitarra) y Christoph Nicolaus (stone harp) interpreta la composición Ascending Series 2.1 (to Joachim Eckl). Muy wandelweiser.

Tom Chant/Angharad Davies/Benedict Drew/John Edwards - Decentred (Another Timbre 2009)
Estos cuatro improvisadores británicos interpretan 3 composiciones de las Harmony Series de Pisaro, Four6 de John Cage y dos improvisaciones. Ya comenté este disco hace unas semanas en el post sobre Four6, así que no volveremos sobre él.

Michael Pisaro - Unter Eichen (No label, 2009)
Barry Chabala interpreta a la guitarra la composición "Unter Eichen" de 2003. No se ha publicado en disco, pero puede descargarse aquí. En la línea de "Mind is moving I", con extremadamente sensibles rasgueos de guitarra separados por océanos de silencio.

Michael Pisaro - An Unrhymed Chord (for 25 acoustic guitars) (Confront 2009)
Magnífica versión de "An Unrhymed chord", a cargo también del guitarrista Barry Chabala, para 25 guitarras acústicas. Intercalando pequeños acordes de guitarra con multitud de sonidos percutidos de las mismas, Barry Chabala nos entrega una versión muy imaginativa de esta magnífica composición.

Michael Pisaro - Hearing Metal 1 (EWR 0902, 2009)
El último disco de Pisaro hasta la fecha, y uno de los mejores. Tres recientes composiciones con nombres de esculturas del genial escultor rumano Constantin Brâncusi, realizadas otra vez por el magnífico percusionista Greg Stuart con un tam-tam de 60 pulgadas (1,52 m), el mismo que se utiliza para la realiación del "Mikrophonie I" de Stockhausen. "Sleeping Muse", de 25 minutos de duración, es para mi la mejor de las tres. Greg Stuart acaricia el tam-tam con el arco, produciendo sonidos metálicos como drones a los que se añaden largos sine tones para generar la melodía. Pisaro la describe como una "coral en cuatro partes de sonidos rasgados con sine tones". En algunos momentos, cuando los sonidos se vuelven menos metálicos, parece escucharse el sonido de un intrumento de cuerda tocado con el arco, sensación que desaparece cuando vuelven a aprecer esos sonidos metálicos caraterísticos del tam-tam. Me gustaría ver esta composición interpretada por un cellista, por ejemplo Charles Curtis. "The Endless Column" es un animal diferente. Una colección de 60 golpes muy ligeros en el tam-tam, grabados con el micro muy cercano y realizados de manera aleatoria en el rango central de frecuencias del instrumento (60-671 hz). Como en la anterior, se le han añadido sine tones en una escala creciente. La sensación es magnífica: Greg Stuart golpea el tam-tam, el sonido producido va evolucionando de manera aleatoria hasta desaparecer, pero justo antes de desaparecer, aparece otro sonido aleatorio que lo sustituye, y así sucesivamente. Nunca sabes como ni cuando será el próximo sonido. Por momento me recuerda a alguien tocando la campana de la iglesia del pueblo. La tercera pieza, la más corta, "Sculpture for the Blind", se parece más a la primera, con sonidos rasgados con el arco, pero en este caso arreglados en ocho capas y también combinados con sine tones. Magnífico disco de principio a fin.

Michael Pisaro y Greg Stuart tienen otro disco en el horno del sello Cathnor, que saldrá al mercado en breve. Su título, "A Waves and waves". Como sea tan bueno como este "Hearing Metal 1", prohibido perdérselo.

Escuchando:
Michael Pisaro - Hearing Metal 1 (Wandelweiser 2009)
Sebastian Lexer - Daswizchen (Matchless 2009)
James Tenney - Arbor Vitae (Collection QB 2008)
Mathias Spahlinger - Mathias Spahlinger (Edition RZ 1990)
Iannis Xenakis - Works for Percussion (Mode 2006)
Una MacGlone/Nick Fells/Neil Davidson - Próximo (Iorram 2009)

Keith Rowe

2009-09-07T12:06:00.013+02:00

Keith Rowe es uno de los grandes "creadores musicales" de los últimos 50 años. Y digo credores musicales porque los suyo siempre ha sido la improvisación, pero la improvisación entendida como evolución (creación), no como estancamiento (repetición). No voy a entrar en el eterno debate entre la EFI (European Free Improvisation) y la EAI (Electro-Acoustic Improvisation), debate que se ha endurecido en los últimos años y que al parecer ha costado a Rowe la amistad con uno de sus grandes compañeros de viaje, Eddie Prévost. En los años 60 y 70, los músicos improvisadores británicos luchaban a brazo partido para diferenciarse de los músicos de free-jazz. Hoy esa barrera está tan clara que no hace falta ni mencionarla. Pero el mundo de la música improvisada ha evolucionado de tal manera en los años 90 y, sobre todo, en los primeros años del siglo XXI, con la llegada de jóvenes improvisadores centroeuropeos (alemanes, austriacos y suizos) y sobre todo asiáticos (japoneses y corenaos), que ha dejado fuera de juego a un gran número de músicos que no han sabido evolucionar. Pero no a Keith Rowe.

Nacido en Plymouth en 1940, a principios de los 60 formó parte de la Mike Westbrook Orchestra. En 1965 se unió con el percusionista Eddie Prévost y el saxofonista Lou Gare para formar AMM, uno de los grupos más influyentes de la música improvisada de todos los tiempos. Al año siguiente se les unieron el bajista Lawrence Sheaff y Cornelius Cardew (una de las mayores influencias para Rowe). También formaron parte del grupo ocasionalmente John Tilbury, Christopher Hobbs y Christian Wolff. En 1973, discusiones políticas llevaron a la ruptura del grupo en dos partes: Prévost y Gare por un lado, y Rowe y Cardew por otro. Hacia 1976, Prévost y Rowe volvieron a trabajar juntos, para grabar en 1979 y como AMMIII, el disco "It has been an ordinary enough day in Pueblo, Colorado". En 1980 el pianista John Tilbury se unió al grupo, y esta formación de trio se mantuvo estable por 25 años, hasta que en 2004, unas declaraciones de Prévost contra Rowe en su libro Minute Particulars, provocaron su salida del grupo, que ha continuado como duo Tilbury-Prévost hasta la fecha.

En los años 90, Rowe comenzó a colaborar con esos jóvenes improvisadores que mencionaba al principio (Toshimaru Nakamura, Oren Ambarchi, Taku Sugimoto, Burkhard Beins, ...), incluso formando parte de grupos como MIMEO, y a finales de los 90 empezó su colaboración con Jon Abbey en el sello Erstwhile, donde Rowe ha publicado algunos de sus mejores discos. Se puede encontrar la discografía completa de Keith Rowe aquí, pero si tuviera que descatar algunos discos, estos diez serían mis favoritos:

AMM - The Crypt (Matchless 1968)
AMM - The Inexhaustible Document (Matchless 1987)
Keith Rowe/Otomo Yoshihide/Taku Sugimoto - Ajar (Alcohol 1999)
Keith Rowe/Günter Müller/Taku Sugimoto - The World Turned Upside Down (Erstwhile 1999)
AMM - Fine (Matchless 2001)
MIMEO - The Hands of Caravaggio (Erstwhile 2001)
Keith Rowe/John Tilbury - Duos for Doris (Erstwhile 2003)
Keith Rowe/Axel Dörner/Franz Hautzinger - A View from the Window (Erstwhile 2003)
Keith Rowe/Sachiko M/Toshimaru Nakamura/Otomo Yoshihide - Erstlive 005 (Erstlive 2005)
Keith Rowe - Erstlive 007 (Erstlive 2008)

Este post viene a cuento de la magnífica entrevista que John Eyles ha realizado a Keith Rowe y que fue publicada en la web "all about jazz" el pasado 2 de septiembre. Está en inglés, pero merece la pena hacer un esfuerzo si estás interesado en la música improvisada. Reflexiones de un músico sabio, diría yo.

Escuchando:
Eliane Radigue - Triptych (Important 2009)
Eliane Radigue - Viceversa, etc ... (Important 2009)
Stefan Thut/Manfre Werder - Im Sefinental (Wandelweiser 2009)
Antoine Beuger - Two.Too (for Erwin-Josef Speckmann) (Wandelweiser 2009)
John Cage - Dream (Wergo 2009)
Helmut Lachenmann - Les Consolations (Kairos 2009)
Elena Càsoli - Changes Chances (Stradivarius 2005)

Los esquemas rotos

2009-08-30T15:14:00.008+02:00

A veces tengo la impresión de que mi comportamiento con los cineastas se parece bastante al modelo del "carnet por puntos". Cuando encuentro un nuevo realizador con una buena película, le otorgo un carnet con una cierta cantidad de puntos imaginarios, en función de lo que me haya gustado la película en cuestión. Si el director mantiene el nivel creativo y cualitativo en sus siguientes creaciones, va conservando sus puntos, e incluso puede incrementarlos. Por contra, si su nivel creativo y cualitativo va bajando, entonces va perdidendo puntos hasta que se queda a cero, momento en que lo mando a paseo y ya no me preocupo de ver sus siguentes películas. Es un modelo raro, lo reconozco, pero me evita la pérdida estúpida de tiempo a la que nos someten algunos realizadores.

Pondré algunos ejemplos: Alejandro González Iñarritu consiguió un carnet cargado de puntos en el año 2000 con "Amores perros", y nueve años después mantiene el carnet casi intacto, aunque ha perdido algún punto. Christopher Nolan ha ido erosionando sus carnet de manera importante desde que lo consiguiera ese mismo año con "Memento". Fernando Meirelles ha perdido algún punto con "El jardinero fiel" y "A ciegas", pero tenía muchos desde el 2002 con "Ciudad de Dios". Florian Henckel-Donnersmarck también consiguió bastante crédito, por lo que esperamos su próximo movimiento. David Lynch tiene un carnet que parece un saco, y lo mantiene intacto desde tiempos inmemoriales. Ha pasado algún bache, pero siempre se recupera y vuelve con sus genialidades. Lo mismo que Jim Jarmusch o Michael Haneke, del que esperamos con ansiedad su última película "Das weiße Band". Y en el otro lado, Woody Allen, que perdió su último punto hace ya ni me acuerdo.

Viene todo esto a cuento del realizador manchego Pedro Almodóvar, que acaba de gastar los pocos puntos que le quedaban con "Los abrazos rotos". Almodóvar hizo un buen puñado de películas en los 80 ("Laberinto de pasiones", "Entre tinieblas", "Mujeres al borde de un ataque de nervios", ....), geniales y divertidas por la frescura que aportaban a un género, la comedia, totalmente anquilosado y dominado por las famosas "españoladas", aportándole una pizca de locura y desenfreno que bien necesitaba la sociedad española de la época. En los 90 Almodóvar se adentró en el género dramático, con películas como "Tacones lejanos", "La flor de mi secreto" y "Todo sobre mi madre". Se hizo famoso, ganó un Oscar y empezó a perder puntos de manera escandalosa. No es lo mismo hacer comedias frescas y graciosas que adentrarse en el género dramático, donde además del talento del realizador, hacen falta un buen guión y un buen reparto. Y esto Almodóvar nunca lo ha entendido.

Si bien tuvo una ligera iluminación en "Hable con ella" (2002), no fue mas que un espejismo. En los últimos años ha encadenado una trilogía para echarse a temblar: "La mala educación" (2004), "Volver" (2006) y "Los abrazos rotos" (2009). En todas ellas ha incidido en los mismos errores: guiones mediocres y repartos imposibles, con la presencia en las dos últimas de la histérica Penélope Cruz, una actriz metida a estrella con calzador. Y además de la Cruz, Blanca Portillo, que parece que va siempre "estreñida". Y Luis Homar, un buen actor desdibujado por los guiones.

"Los abrazos rotos" es una película mediocre, larga y aburrida, una amalgama de tics almodovarianos entregados a través de un guión que nunca acaba de funcionar, que te enreda continuamente y te hace perder el interés en la historia (o las historias, depende de como se mire), una historia de amor pasado y presente que no interesa a nadie, con protagonistas tediosos que no se creen lo que hacen. Una película fallida, vaya. ¡Otro que se queda sin puntos!

Escuchando:

Stephan Mathieu/Taylor Deupree - Transcriptions (Spekk 2009)

Michael Pisaro - An unrhymed chord (for 25 acoustic guitars (Confront 2009)
Taku Sugimoto/Taku Unami - Tengu et Kitsune II (Slubmusic 2009)
Will Guthrie - Building blocks (Antboy 2003)
Marino Formenti - Nothing is real (Col legno 2003)

Helmut Lachenmann - Allegro sostenuto/Serynade (Kairos 2001)

Thomas Stiegler - und. ging. außen.vorüber. stüke 1992-2005 (Wergo 2007)
Jean Barraqué - Sonata pour piano (ECM 1999)

Neos: nuevas perspectivas

2009-08-22T15:46:00.008+02:00

Tengo que reconocer que hasta hace unos pocos meses no había oído hablar, o no le había prestado atención, que también suele pasar, al sello discográfico alemán Neos (del latín, nuevo). Mi puerta de entrada para el sello fue la pianista Sabine Liebner. Liebner, residente en Munich, había grabado para el sello alemán Oehms Classics dos magníficos discos con composiciones de Morton Feldman: Triadic Memories (2005) y For Bunita Marcus/Palais de Mari (2007). Ya he escrito anteriormente sobre estas composiciones y los pianistas que las han grabado, y también creo haber hecho énfasis en que las interpretaciones de Sabine Liebner me parecen fantásticas, sobre todo la de Triadic Memories. Como curiosidad, decir que mis dos interpretaciones favoritas de esta obra son la de Aki Takahashi (la más corta, 61 minutos) y la de Sabine Liebner (la más larga, 124 minutos).

Buscando más música de Sabine Liebner, llegué al sello Neos. Allí encontré dos grabaciones magníficas: John Cage Music for piano 1-84 (2007) y Christian Wolff Piano pieces (2008), ambas interpretadas por esta magnífica pianista. Y decidí profundizar un poco más en este sello alemán.

Sus orígenes se remontan al año 1982, cuando los compositores Wolfgang Rihm y Heinz Weinbeck convencen a Wulf Weinmann para que cree un sello discográfico dedicado exlusivamente a la música contemporánea. Nace así uno de los sellos de nueva música clásica y contemporánea más importantes de finales del siglo XX: Col Legno. A lo largo de los próximos 23 años, Col Legno irá especializándose en primeras grabaciones o "prémieres" de algunos de los mejores compositores contemporáneos de la época. En 2005, Wulf Weinmann vendió parte del sello a la Fundación Helene and Christian Köch, y un año después, Weinamnn abandonó definitivamente el barco y los nuevos propietarios trasladaron Col Legno a Austria. En 2007, Weinmann creó el sello Neos.

En la web de Neos encontramos la "misión" del sello: "NEOS es el nuevo sello discográfico para música contemporánea que aparecerá en el mercado a partir de mediados de mayo. Las nuevas ediciones estarán centradas en composiciones de los siglos 20 y 21 y en muchos casos serán estrenos mundiales. Para alcanzar un alto nivel artístico y editorial, se concede gran importancia a la elección de los intérpretes y a la cooperación con renombrados ensambles e instituciones culturales. La responsabilidad por el nuevo sello discográfico NEOS la asume Wulf Weinmann, ex gerente y propietario del sello discográfico Col Legno. NEOS publicará al año alrededor de 25 discos compactos y discos compactos súper audio (SACD)". Parece claro que la filosofía del sello es muy similar a la de Col legno.

Por el momento lo que tenemos son un buen puñado discos de compositores como John Cage, Christian Wolff, Giacinto Scelsi, Iannis Xenakis, Stefan Wolpe, Jonathan Harvey, Klaus Ospald, Klaus Huber, Olga Neuwirth, Toshio Hosokawa, Elliott Carter y por supuesto Wolfgang Rihm, interpretados por algunos de los mejores solistas y ensembles de la actualidad. También publican las grabaciones de los festivales "Donaueschinger Musiktage", que hasta la edición del 2005 habían sido publicadas por Col Legno, y la serie "Música Viva", colaboraciones de Neos con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Es importante también destacar el magnífico y cuidado dideño de sus grabaciones, que transmiten una imgen de unidad de todas las grabaciones del sello.

Aparte del ya mencionado "Music for piano 1-84" de John Cage, recomendaría también el "Seven/Quartets I-VIII" del propio Cage, "Piano pieces" de Christian Wolff, "Guai ai gelidi mostri/Quando stanno morendo. Diario polacco No. 2" de Luigi Nono (magnífico), así como la mayoría de las edidicones del "Donaueschinger Musiktage". Y para septiembre anuncian "Complete works for piano" de la gran compositora rusa Galina Ustvolskaya. Adivinan quién es la pianista que interpreta los 12 Preludes y las 6 Sonatas de la Ustvolskaya?

Escuchando:
Christian Wolff - Exercises (Hat Hut 2006)
Andreas Oldörp - Lotos (Nur/Nicht/Nur 2008)
Luigi Nono - Guai ai gelidi mostri/Quando stanno morendo. Diario polacco #2 (Neos 2008)
Spectra: Guitar in the 21st century (Quiet Design 2009)
Keith Rowe/Sachiko M - Contact (Erstwhile 2009)
Noid/Taku Unami - ￢ + : * (Manual 2009)
Mark Andre - durch ...zu... ...in ...als...II (Kairos 2008)
Christopher Fox/Morton Feldman - Clarinet quintets (Metier 2004)
John Cage - Etudes Australes (Wergo 1992)

Rhodri Davies/Michael Doneda/Louisa Martin/Phil Minton/Lee Patterson - Midhopestones (Another Timbre 2009)

Four6

2009-07-25T15:42:00.016+02:00

Four6. Otra number piece de John Cage. Una de sus últimas composiciones. La escribió en marzo de 1992, a cinco meses escasos de su muerte en agosto del mismo año. Como sus dos números indican, es la sexta composición que Cage escribió para cuatro instrumentos. Pero la describió así: "Para cualquier forma de producir sonidos (vocalizando, cantando, tocando culaquier instrumento o instrumentos, electrónica, etc ...)". ¿Claro?. Treinta minutos haciendo lo que le de la gana a los músicos. Estimulante. Pero la composición tiene instrucciones: "Cada uno de los músicos elige doce diferentes sonidos, de amplitud, tono y estructura fijos, y cada uno de ellos toca dentro de intervalos de tiempo flexibles. La parte de los primeros músicos puede interpretarse en solitario, y entonces la composición se titula One7". Claro. Dedicada especialmente para Pauline Oliveros en su sesenta cumpleaños, pero también para Joan La Barbara, William Winant y Leonard Stein, se estrenó el 23 de julio de 1992 en el Central Park de Nueva York. Los músicos, Joan La Barbara, William Winant, Leonard Stein y ... John Cage, en el que desgraciadamente sería su último concierto.

Four6 es una de las piezas numéricas menos conocidas de John Cage, y que yo sepa, solo ha sido grabada en seis ocasiones:

- John Cage at Summerstage (Music and Arts 1995)
Grabación del concierto que he mencionado antes en el Summerstage del Central Park Neoyorkino, con John Cage (voces y "shocking things"), Joan La Barbara (voces y percusiones), William Winant (percusión) y Leonard Stein (piano, silbidos, voces y percusión).

- John Cage - Four6/One12 (Galerie Rupert Walser 1999)
Este magnífico disco contiene Four6 en su versión para cuatro violoncellos, interpretada por Ulrike Brand, y grabada el 10 de noviembre de 1998 en el Studiocintensi de Montepulciano. Además contine una versión de One 12, interpretada por John Cage a las voces, y grabada en Peruggia durante su estreno mundial el 22 de junio de 1992.

- Sonic Youth - Goodbye 20th Century (SYR 2000)
Curioso y extraño homenaje de los chicos de Sonic Youth a la composición contemporánea del siglo XX. Con la ayuda de Wiliam Winant, Jim O´rourke, Takehisa Kosugi, Christian Wolff, Christian Marclay y Warton Tiers, los reyes del indie-rock se atreven con composiciones de Wolff, Oliveros, Reich, Tenney, Cardew y Cage entre otros. De este último interpretan dos versiones de Six y Four6. Grabado en la primavera y verano de 1999 en Nueva York. Como bien podéis imaginar, es la más floja de todas las versiones que he escuchado.

- Elena Casòli - Changes Chances (Stradivarius 2006)
Otro magnífico disco donde la genial guitarrista milanesa interpreta obras de Elliott Carter, Terry Riley y Four6 de John Cage. En esta caso en una versión para cuatro guitarras. Grabado en julio de 2005 en Chiesa di San Vincenzo Eupilio, Como.

- John Cage - Fourteen/Four6/Four3 (Megadisc 2007)
Esto es lo que indica en la portada, pero en realidad el disco no contiene Fourteen sino Thirteen. Un error de impresión monumental. Pero la música que contiene es magnífica. Ya he dicho en alguna ocasión que el Barton Workshop es uno de los ensembles que mejor sabe leer las composiciones de Cage, y este disco no es una excepción. La versión de Four6 está interpretada por John Anderson (clariente), Frank Denyer (piano), Nina Hitz (cello), Marieke Keser (violin), Tobías Liebezeit (percusión) y Elisabeth Smalt (viola), y fue grabada en agosto del 2002 en Holanda.

- Tom Chant/Angharad Davies/Benedict Drew/John Edwards - Decentred (Another Timbre 2009)
Este es el Cd que me ha empujado a escribir este post. Uno de los últimos discos en llegar a mi colección y al que he dedicado unas cuantas escuchas. El disco, editado por el sello británico Another Timbre, de que ya he hablado en alguna ocasión en este blog, contiene cuatro composiciones y dos improvisaciones. De las cuatro composiciones, tres son composiciones cortas de las Harmony Series de Michael Pisaro y la cuarta, Four6 de John Cage. Los intépretes son cuatro jóvenes improvisadores de la escena londinense: Tom Chant (saxofones y clarinete bajo), Angharad Davies, hermana del gran Rhodri Davies (violín), Benedict Drew (electrónica) y John Edwards (contrabajo).

Michael Pisaro es uno mis compositores favoritos de la actualidad. Su disco Harmony Series 11-16, grabado para el sello Wandelweiser, se aupó al segundo puesto de la lista de mis discos favoritos del 2008, solo superado por el insuperable Naldjorlak. Este Decentred contiene tres composiciones de Pisaro, las tres para dos instrumentos: "Reader, listen: harmony series #10", interpretada por Angharad Davies y John Edwards, "La voix qui dit: harmony series #8d", interpretada por Tom Chant y Angharad Davies, y "Flux: harmony series #8a", interpretada por Benedict Drew y John Edwards. Junto con la versión de Four6, conforman lo mejor del disco. Y eso es lo curioso de este disco: cuatro improvisadores contrastados nos ofrecen cuatro magníficas lecturas de otras tantas composiciones, y sin embargo, en su terreno, las improvisaciones no me dicen gran cosa. Es cierto que nunca he sido un gran seguidor de la escuela londinense (prefiero, y de lejos, la centroeuropea de Alemania, Austria y Suiza), pero yo este disco lo hubiera editado solamente con las cuatro composiciones. Entonces habría sido un disco perfecto, con una duración de 45 minutos y un fluir magnífico. Pero las dos improvisaciones, de 10 y 13 minutos de duración, minimizan el impacto del disco y lo hacen excesivamente largo. Una pena.

Escuchando:
Radu Malfatti - Phonomanie II (No label 1992)
Takahiro Kawaguchi/Shinjiro Yamaguchi - Hello (Ftarri 2009)
Wittener Tage für Neue Kammermusik 2004 (Wittener Tage 2004)
Paul Abbott/Léo Dumont/Ute Kanngiesser - Loiter Volcano (Another Timbre 2009)
John Cage - Europera 5 (Mode 1994)
Miya Masaoka - For birds, planes and cello (Solitary B 2004)
Siegfried Palm - Intercommunicazione (Deutsche Grammophon 2002)

Sushi 99

2009-07-11T15:28:00.009+02:00

Todos los que me conocen saben de mi afición por la comida japonesa. Es una de mis debilidades. La descubrí hace ya bastantes años, en mis numerosos viajes a Japón. Allí conocí algunos de los platos que ahora, con la cocina japonesa muy de moda en occidente, nos parecen de lo más normal, e incluso parece que hayan estado siempre entre nosotros: sushi, sashimi, sukiyaki, tepanyaki, yakitori, kushiyaki, teriyaki, tataki, tempuras, wagashi, .... E incluso condimentos y salsas como shō-yu, miso, dashi, wasabi, jenjibre y semillas de sésamo.

Conozco muchos restaurantes japoneses, tanto en España como en el extranjero, y no pierdo oportunidad de visitar restaurantes japoneses allá donde voy. Pues bien, esta semana he estado en Madrid por motivos de trabajo, y me llevaron a comer a un sitio que me pareció magnífico: Sushi 99, un sushi bar abierto hace un par de meses en Hermosilla 4. Hace algunos meses había estado en otro restaurante del mismo nombre que el grupo tiene en Ponzano 99, pero éste de Hermosilla me pareció mejor. Junto con Kabuki en Pte Carmona 2, de lo mejorcito en comida japonesa en la capital del reino.

En Sushi 99, lleno a pesar de los tiempos que corren y siendo un restaurante relativamente caro, pedimos un plato variado de sushi maki y nigiri, sashimi de toro, tataki de atún y una tempura de langostinos, todo acompañado con un Gewurztraminer 2007 de Viñas del Vero. Magnífica comida, pero un pelín caro: salimos a 70 € por barba. Pero merece la pena.

La noche anterior había estado en Málaga y fuimos a cenar a una "tapería gastronómica" que se llama Kobe. Hacía tiempo que quería pasarme por allí, ya que había oído hablar mucho y muy bien de su propietaria, la cocinera de origen asturiano Beatriz Hernández. Discípula de Adriá, Ruscalleda y Subijana, se decidió a abrir una tapería en Málaga, donde prepara, a la vista de todos los comensales, "tapas modernas" de gran nivel. El sitio es muy pequeño, pero la comida es magnífica y los precios asequibles. Tomamos una tortilla deconstruída, una magnífica fideua de verduras y unas tempuras. Un lugar interesante para tomarse unas tapas fuera de lo corriente.

Durante el viaje he aprovechado para terminar el libro "Anatomía de un instante" (Mondadori 2009), del escritor extremeño Javier Cercas. Como todo el mundo sabe, Anatomía de un instante es un análisis sobre el golpe de estado del 23-F, desde el punto de vista de un progre de izquierdas. Por lo tanto, hay que tomárselo con toda la cautela del mundo. En general podemos decir que el libro no está mal, si bien a veces el autor se enreda en reflexiones filosóficas de las que no sabe salir. Es entonces cuando recurre a la salida de emergencia: punto y aparte. Por lo demás, Javier Cercas intenta explicarnos como se gestó el golpe (o los golpes), quienes los urdieron, quién decidió el donde, como y cuándo, cuál fue el papel del Rey, y en definitiva, por qué fracasó un golpe que de entrada parecía que había triunfado. También analiza sin convicción la pasividad de la sociedad y de la clase política, excluyendo de esta pasividad a Suárez, Gutiérrez Mellado y Carrillo, que no se tiraron al suelo. Este gesto de Suárez es utilizado para analizar su figura política, así como su ascendencia y caída del poder.

Y ahora cambio de tercio: empiezo a leer "Viaje al fin de la noche" (1932) del escritor francés Louis-Ferdinand Céline. Hacía tiempo que este libro estaba en mi "shopping list", así que ya veremos.

Escuchando:
Polwechsel/John Tilbury - Field (Hatology 2009)
Andrea Neumann - Pappelallee 5 (Absinth 2009)
Phosphor - Phosphor II (Potlatch 2009)
Octante - Lúnula (Another Timbre 2009)
Lee Patterson - Seven vignettes (Shadazz 2009)
Vanessa Rossetto - Dogs in english porcelain (Music Appreciation 2009)
Matt Milton/Léo Dumont - Scrub (Another Timbre 2009)
Alexander von Schlippenbach/Eddie Prévost - Blackheath (Matchless 2008)

The Berlin-Vienna connection

2009-07-05T16:42:00.009+02:00

Esta semana han llegado a mi poder los que de momento son los dos mejores discos del 2009, dos Cds de dos ensembles centroeuropeos, dos ensembles con muchas similitudes pero también muchas diferencias: "Field" de Polwechsel y John Tilbury, editado por el sello suizo Hat Hut en su serie Hatology, y "II", el nuevo y esperado regreso de Phosphor, editado por el sello francés Potlatch. Field fue grabado en Viena en el verano del 2007, y a la habitual formación de Polwechsel (Werner Dafeldecker, contrabajo, Michael Moser, cello, John Butcher, tenor y soprano saxofones y Burkhard Beins y Martin Brandlmayr, percusiones) se unió el pianista John Tilbury para interpretar dos composiciones, una de Moser y otra de Dafeldecker. Por su parte, Phosphor II se grabó en septiembre de 2006 en Berlin por la misma alineación que había grabado el primer disco, menos Alessandro Bosetti, o sea Axel Dörner, trompeta, Annette Krebs, guitarra y computer, Burkhard Beins, percusión, Robin Hayward, tuba, Adrea Neumann, inside piano, Michael Renkel, guitarra acústica y computer, Ignaz Schick, turntable. Los dos grupos tienen en común que ambos concentran algunos de los mejores músicos europeos de los últimos tiempos, e incluso comparten a Burkhard Beins. Los dos discos se diferencias en que Field contiene dos composiciones, mientras que Phosphor II se compone de seis improvisaciones.

También es importante observar un detalle que me parece relevante: Polwechsel siempre ha sido un grupo en el que las individualidades desaparecen en favor de un "sonido de grupo", lo que en el pasado ha podido ser la causa de la marcha de músicos de la talla de Radu Malfatti, Burkhard Stangl y John Butcher. Incluso un músico tan personalísmo como John Tilbury queda integrado en el grupo y en muchas ocasiones ni siquiera adviertes que está participando en la grabación. Por contra, Phosphor es un ensemble de "individualidades", donde puedes percibir con pristina nitidez la guitarra acústica de Renkel, el piano de Neumann, la trompeta de Dörner o los sonidos computerizados de la guitarra de Krebs.

Yo no voy a decantarme por ninguno de los dos modelos: simplemente me gustan los dos. En el caso de Polwechsel, la composición de Moser es magnífica: los instrumentos se entrelazan tentativamente mientras avanza la interpretación, con un resultado ciertamente cautivador. En el caso de Phosphor, estos magníficos músicos se dedican a hacer lo que mejor saben hacer: improvisar. Entre ellos han tocado muchas veces juntos y se conocen a la perfección, por lo que el resultado puede parecernos fácil. Pero no hay que engañarse: el nivel de concentración de todos ellos es altísimo, lo que les permite responder al resto de compañeros de manera ejemplar. Merece la pena hacerse con los dos discos, ya que van a ser difíciles de superar.

Y si alguien tiene que superarlos, tendrá que ser alguno de los cuatro Cds que los de Edition Wandelweiser Records han anunciado para los próximos días:

EWR 0901 Tom Johnson - Counting keys: cuatro composiciones para piano interpretadas por John McAlpine
EWR 0902 Michael Piasro - Hearing metal 1: tres composiciones para tam-tam interpretadas por Greg Stuart
EWR 0903/04 Antoine Beuger - Two. Too (for Erwin-Josef Speckmann). Dos composiciones: Two para soprano y clarinete y Too para soprano, clarinete, sho y arpa irlandesa
EWR 0905 Manfred Werder/Stefan Thut - Im sefinental: field recordings basados en una partitura.

Veremos a ver que dan de si estos cuatro discos, pero a priori tienen una pinta magnífica, sobre todo el de Pisaro, ya que el duo Pisaro-Stuart nos regaló uno de los mejores discos del sello Wandelweiser: An unrhymed chord.

Escuchando:
Seijiro Murayama/Masafumi Ezaki/Kazushige Kinoshita - Ready'n (Tenseless Music 2009)
David Toop - Sound body (Samadhi Sound 2007)
Michèle Bokanowski - Trois chambres d'inquiètude (Elevator Bath 2001)
Paul Abbott/Léo Dumont/Ute Kanngiesser - Loiter Volcano (Another Timbre 2009)
Narthex - Formnction (Potlatch 2009)
Sylvain Chaveau - Touching down lightly (Creative Sources 2009)
Bertrand Gauguet/Franz Hautzinger/Thomas Lehn - Close up (Monotype 2009)

La década prodigiosa

2009-06-27T14:57:00.017+02:00

Semana de trabajo en Burdeos, ciudad reconocida mundialmente por el prestigio de algunos de sus vinos (aunque la inmensa mayoría son malos y caros), pero también ciudad bonita donde las haya. En mis tiempos jóvenes estudié en la "Ecole Supérieure de Commerce de Bordeaux", y todavía conservo buenos amigos allí, así que me paso por Burdeos siempre que me es posible. En esta ocasión aprovecho para cenar en dos de mis restaurantes favoritos de la ciudad: "L'Estacade" y "Le Port de la Lune". L'Estacade es un restaurante situado sobre el rio Garonne, justo en frente de la Place de la Bourse (al otro lado del río). La comida no es nada del otro mundo, pero las vistas de la ciudad son magníficas, sobre todo a la puesta del sol, cuando se iluminan todas las luces de la ciudad. Por contra, Le Port de la Lune está en un entorno cutre, pero la comida y los vinos son magníficos. En L'Estacade tomamos un Cloudy Bay Sauvignon Blanc 2008 de Nueva Zelanda como aperitivo, un Clos de los Siete 2006 de Argentina con la carne, y para terminar, un plato de queso con un Saint-Estèphe del 2005. En Le Port de la Lune, una docena de ostras y unos mejillones marinados con un Chablis del 2007, un Montes Cabernet Sauvignon 2006 de Chile con un magnífico côte de boeuf y un Pessac-Leognac del 2006 para los quesos. Como he dicho, dos restaurantes muy recomendables.

Ayer por la noche, bajo una luna magnífica, estaba sentado en la terraza con una copa de vino y no se por qué, me vino a la cabeza el tal Michael Jackson, y me acordaba del éxito masivo que este hombre tuvo en los ochenta. Y pensaba sobre lo que hacía yo entonces, en tiempos de guerra fría, de reegans y thatcheres, del 23-F, de princes y supermanes, de post-punk y new wave, .... Pero sobre todo pensaba en lo que no hacía. Y lo que no hacía era enterarme de que la década de los ochenta estaba siendo la más importante para la música contemporánea, sobre todo en Nueva York. Que en esos años Morton Feldman escribió casi todas sus "late pieces" y John Cage la mayoría de sus "number pieces". Feldman empezó a escribir esas maravillosas composiciones largas en 1979 y continuó en su empeño hasta su muerte en 1987, año en que Cage escribió su primera number piece, continuando también en su tarea hasta su muerte en 1992. Hagamos una recopilación de algunas de ellas:

1979 String Quartet
1980 Trio
1981 Patterns in a Chromatic Field, Triadic Memories
1982 For John Cage, Crippled Symmetry, String Quartet II, Three Voices, Clarinet and String Quartet
1984 For Philip Guston
1985 For Bunita Marcus, Violin and String Quartet, Piano and String Quartet, Coptic Light
1986 For Christian Wolff, For Stepan Wolpe, Palais de Mari
1987 For Samuel Beckett, Piano, Violin, Viola, Cello, One, Two
1988 Five, Seven, Twenty-Three, 101
1989 Four, One2, One3, Three, Two2
1990 Four2, One4, One5, One6, One7, Seven2, Fourteen
1991 Eight, Five2, Five3, Five4, Five5, Four3, Four4, Four5, One8, One9, 103, 108, Six, Ten, Three2, Twenty-Six, Twenty-Eight, Twenty-Nine, Two3, Two4, Two5
1992 Eighty, Fifty-Eight, Four6, One10, One11, One12, One13, Two 6, Seventeen, Seventy-Four, Sixteen, Sixty-Eight, Thirteen

Ha pasado mucho tiempo, pero casi nada ha cambiado. La guerra fría se ha recalentado, tenemos nuevos reegans y thatcheres, nuevos princes y supermanes, un puñado de post-algos, pero sobre todo seguimos siendo tan borregos como entonces. ¡Quien lo iba a decir!

Escuchando:

Annette Krebs/Rhodri Davies - Kravis Rhonn project (Another Timbre 2009)
Robin Hayward/Rhodri Davies/Taku Unami - Valved strings calculator (Hibari 2009)
Christian Wolff - Bread and roses (Wergo 2003)
Sophie Agnel - Capsizing moments (Emanem 2009)
Haptic - The medium (FSS 2009)
Keith Rowe - Treatise
Jürg Frey - String quartets (Wandelweiser 2004)
John Cage - Four walls (Camerata 2004)

Inland Empire

2009-06-14T13:46:00.014+02:00

Inland Empire. La última película de David Lynch. Si alguien me pregunta de que vá Inland Empire, no sabría que responder. Un viaje a la locura. La mente que se escabulle de la realidad. Tocatta y fuga de una mente, diría yo. No se si Mr. Lynch estaría de acuerdo, pero me parece que Inland Empire (2006) forma parte de una trilogía con Mulholland Dr. (2001) y Lost Highway (1997). En las tres hay un denominador común: tras un suceso traumático, la mente se da a la fuga, inventándose una "nueva realidad" en la que personajes, lugares y situaciones reales se mezclan si ánimo de continuidad con personajes, lugares y situaciones ficticias, conformando un fresco en el que en muchos momentos el espectador no sabe a qué lado del espejo se encuentra.

En Lost Highway, un músico de jazz (Bill Pullman) es acusado del asesinato de su mujer (Patricia Arquette) y enviado a prisión. En Mulholland Dr., Laura Harring sufre un accidente de coche quedando amnésica, y solo recuerda las palabras Mulholland Drive. Con la ayuda de Naomi Watts, una actriz despechada, intentará recordar quién es y que pasó en Mulholland Drive. En Inland Empire, Nikki Grace, interpretada magistralmente por Laura Dern, es elegida para protagonizar el remake de una película polaca, "On High in Blue Tomorrows", una película maldita e inacabada, ya que los actores protagonistas fueron asesinados. Laura y su compañero de rodaje Juntin Theraux, de quién está enamorándose, no saben nada de esta maldición hasta que se lo comunica el director de la película, interpretado por Jeremy Irons. Laura empieza a sospechar que su vida se está mimetizando con la de la protagonista de la película polaca, Susan Blue. A partir de aquí nos adentramos en un mundo onírico, en el que se mezcla ficción y realidad en el más puro estilo Lynchiano.

La película es larga, muy larga, casi tres horas de duración. Y en ciertos momentos cuesta mantener la concentración. Ayuda, y mucho, la gran actuación de los actores protagonistas: Laura Dern, soberbia, Justin Theroux, con un papel similar al de Mulholland Dr., Jeremy Irons y Harry Dean Stanton. Además de estos papeles estelares, pequeños cameos de William H. Macy, Nastassja Kinski, Laura Harring y ... Naomi Watts en el papel de uno de los conejos de la fotografía de arriba. O por lo menos eso dicen los créditos.

Y como en todas las películas de Lynch, la banda sonora es magnífica. En los momentos más oníricos la música recuerda a la de Mulholland Dr. Pero también hay contribuciones de Mantovani, Schaeffer, Penderecki, Dave Brubeck, .... e incluso Beck. La película termina con todas las bailarinas que han acompañado a Laura Dern en sus desvaríos oníricos bailando enloquecidas el "Sinnerman" de la gran Nina Simone. Un magnífico broche final para una gran película.

Si Inland Empire cierra la trilogía de la que hemos hablado al principio, no puedo imaginar que será lo próximo de Lynch, pero seguro que nos sorprenderá. Es lo que mejor ha sabido hacer en los últimos treinta años. Cabeza Borradora (1977), El Hombre Elefante (1980), Dune (1984), Blue Velvet (1986), Corazón Salvaje (1990), Lost Highway (1997), Una Historia Verdadera (1999), Mulholland Drive (2001) e Inland Empire (2006) así lo atestiguan. Y eso sin contar la maravillosa serie de TV Twin Peaks.

Saturday afternoon

2009-06-13T15:33:00.006+02:00

Es curioso. Estaba repasando los posts de hace un año, y me encuentro con que el 14 de junio escribí uno titulado "Mahler en Zaragoza" en el que hablaba sobre el comienzo de la Expo de Zaragoza, y que lo hacía con un concierto de la Sinfonía No. 2 de Mahler a cargo de la Orquesta Filarmónica de Israel, dirigida por Zubin Mehta. Es extraño, parece que fue ayer cuando nos daban la tabarra permanente con la Expo, y ya ha pasado un año, doce meses, trescientos sesenta y cinco días, ocho mil setecientas sesenta horas, quinientos venticinco mil seiscientos minutos, .... "Time waits for no one, no favours has he, time waits for no one, and it won't wait for me" que cantaba el bandido de Jagger. El tiempo no espera a nadie, y él sabía bien lo que decía. En definitiva, una año más, o un año menos, según como se mire.

Ultimamente no le he prestado mucha atención a este blog, debido en parte al exceso de trabajo, en parte a la desgana pre-veraniega. Hoy hace un calor bochornoso, irrespirable, agobiante. Así que dedico la tarde leer un poco y a escuchar música. Acabo de terminar el libro "La encantadora de Florencia" (Mondadori 2009) del escritor indio Salman Rushdie. Es un libro interesante, en el más puro estilo rushdiano, en el que se mezcla ficción y realidad a partes iguales. El libro narra el discurrir de tres amigos florentinos a lo largo del siglo XVI. La Florencia de los Médicis enlazada con el imperio mongol de los descendientes de Gengis Khan. Grandes dosis de imaginación y piruetas narrativas. La trama, como en todas las novelas de Rushdie, es muy enrevesada y requiere la máxima concentración por parte del lector, pero recompensa con creces. Siendo un gran libro como es, me quedo con el anterior de Rushdie, "Shalimar, el payaso" (Mondadori 2005).

Cambio de tercio. De Rusdie a Cercas. Empiezo a leer "Anatomía de un instante" (Mondadori 2009), en el que el escritor extremeño Javier Cercas nos relata su versión sobre el golpe de estado del 23 de febrero de 1981. He leído un tercio y de momento aburrido y monótono. Ya veremos.

Ayer por la noche intenté ver por primera vez "Inland Empire", la última película del genial cineasta David Lynch. Estaba muy cansado y no pude terminarla (dura casi tres horas), así que esta noche le daré otra oportunidad. En principio es una película muy lynchiana, muy onírica, ... Contiene muchas reminiscencias de "Mulholland Dr." (actores, ambientación, música, ...). Ya veremos también.

Y como he dicho anteriormente, aprovecho la tarde para escuchar una docena de CDs que llevan varios días en la pila de "pendientes de escuchar":

Erik Satie - The Early Piano Works (Phillips 1998)
Patrick Kosk - Mondweiß (Edition RZ 2009)
Andrea Neumann - Pappelallee 5 (Absinth 2009)
John Cage - Cage performs Cage (Mode 2009)
John Cage - The Piano Works 1 (Mode 1995)
Eva-Maria Houben - Dazwischen/Immer anders (Wandelweiser 2004)
Christian Wolff - Exercise 15 (Wandelweiser 2004)
Ensemble Q-O2 - Shim/Schlothauer/Werder/Inderhees (Wandelweiser 2001)
Michael Pisaro - Unter Eichen (No label 2009)
Jim McAuley - Gongfarmer 18 (Nine Winds 2005)
EKG - Electricals (Another Timbre 2009)
Morton Feldman - Patterns in a chromatic field (Aeon 2009)

Contrabajo en tiempos de crisis

2009-05-16T15:48:00.017+02:00

No se si es buena época para jueguecitos de palabras, pero en los últimos meses han llegado a mi reproductor un buen puñado de discos con el contrabajo como protagonista. Conocido en inglés como contrabass, double bass o upright bass, el contrabajo es un instrumento bastante desconocido en el mundo musical, por lo menos como instrumento solista, habiendo jugado siempre un papel secundario, de acompañamiento, en orquestas sinfónicas o ensembles de jazz. En el mundo de la música improvisada, el contrabajo está más asociado a la improvisación europea (EFI) que a la improvisación electro-acústica (EAI). Y en el campo de la música contemporánea, pocos compositores han escrito obras para este instrumento. Teniendo en cuenta que mis preferencias musicales están en la improvisación electro-acústica y la composición contemporánea, tengo que reconocer que ha sido una agradable sorpresa encontrame a mi mismo dsifrutando de nada menos que siete discos para contrabajo solo, publicados todos ellos en un plazo de un año aproximadamente.

- Werner Dafeldecker - Long dead machines I-IX (Presto!? 2009)
Un auténtico catálogo de técnicas para contrabajo. Nueve temas liquidados en menos de 29 minutos, a cargo de unos de los grandes contrabajistas, miembro fundador de Polwechsel y co-propietario de sello austriaco Durian. El disco dice que todas las composiciones son de Dafeldecker, pero bien podrían ser improvisaciones.

- Uli Fussenegger - Abbastanza Basso (Durian 2009)
El otro co-propietario del sello Durian nos ofrece un magnífico disco en el que descata Zarman, del compositor iraní Kiawasch Saheb-Nassagh. También interesante es la composición Lotòfafos I, de Beat Furrer, en la que colabora la soprano noruega Tora Augestad. El disco concluye con la inevitable Mantram de Giacinto Scelsi.

- John Edwards - Volume (PSI 2008)
Este gran contrabajista ha colaborado con la créme de la improvisación británica: Evan Parker, Lol Coxhill, Phil Minton, Sunny Murray, ... habiendo formado parte también de la London Improvisers Orchestra. Es posiblemente el disco más jazzístico de los siete, pero John Edwards está tan acoplado con el instrumento que parecen una sola cosa y la música fluye con inteligente naturalidad.

- Eva-Maria Houben - Works for double bass (Wnadelweiser 2008)
Otra maravilla del sello Wandelweiser. Dos composiciones muy Cageianas de esta gran compositora alemana, Archipiélagos (2006) y Nachtstück (2007), interpretadas por Hans Eberhard Maldfeld. Archipelagos es lo que su nombre indica: 21 fragmentos cortos que en realidad son 21 archipiélagos, donde pequeños islotes de sonido flotan en un océano de silencio. La Antártida, diría yo. Nachtstück sigue una estructura similar, pero con un solo fragmento de 65 minutos. Podría ser otro archipielago, pero uno muy grande y a la deriva.

- John Eckhardt - Xyloboint (PSI 2008)
Discípulo de Robert Black, es el contrabajista de algunos de los mejores ensembles contemporáneos de la actualidad: Klangforum Wien, musikFabrik y Ensemble Resonanz. Editado por el mismo sello que Volume de John Edwards, es menos jazzístico, acércandose más al territorio contemporáneo. Magnífico disco.

- Christian Weber - Walcheturm solo (Cut 2008)
Uno de los mejores discos del 2008. Christian Weber, contrabajista del trio Mersault, nos ofrece la grabación de un concierto improvisado en el que también participó el cellista Charles Curtis, interpretando Naldjorlak de Eliane Radigue. Weber explora de manera ejemplar las resonancias acústicas del instrumento, casi peleándose con él.

- Giacinto Scelsi - The works for double bass (Mode 2008)
El gran Robert Black interpreta composiciones para contrabajo del maestro italiano Giacinto Scelsi. Las hay para contrabajo solo, como "Nuits" y "Mantram", y para contrabajo con otros instrumentos, como "Dharana" para cello y contrabajo y "Okanagon" para harpa, contrabajo y tam-tam. Curiosamente, hay una composición para dos contrabajos, "Kshara" ¿A que no sabeis quien es el otro contrabajista? John Eckhardt. Con todo, lo más notable del disco es la interpretación de "Ko-Tha, Three dances of Shiva", sobre una transcripción para contrabajo del gran contrabajista italiano Fernando Grillo.

Escuchando:
Asher - Miniatures (Sourdine 2009)
Ami Yoshida/Toshimaru Nakamura - Soba to Bara (Erstwhile 2009)
Hear - 5 pieces (Room40 2009)
Ferran Fages - Al volant d'un paral.lel (Etude 2009)
Oceans of Silver and Blood - Live at Cafe Otto (Confront 2009)
Unforgattable H2O - Flatefjäll (Bombas bombax 2008)
Giacinto Scelsi - Trilogia, I tre stadi dell'uomo (Aeon 2007)

neuschnee

2009-05-01T12:45:00.024+02:00

Tengo que confesar que nunca he sido aficionado a la música pop. Desde mis inicios musicales, siempre me incliné más por el rock, el jazz o el blues, así que no soy ningún experto en la materia. Bien es verdad que algunos músicos han grabado discos muy interesantes en el campo de la música pop, por ejemplo Prince. Pero nunca les he prestado la debida atención. Por eso fue una sorpresa cuando, a principios del año pasado, el sello americano Erstwhile anunció la creación del subsello "ErstPop". Ya he dicho en alguna ocasión que Erstwhile es uno de los mejores sellos discográficos de la actualidad, habiendo sacado al mercado algunos discos imprescindibles en el mundo de la improvisación electro-acústica. Como anteriormente ya había sacado algunos discos bajo los subsellos "ErstLive" y "ErstSolo", estaba claro a que se refería con lo de "ErstPop". Iba a lanzar un disco de música pop. Pero, ¿que diablos de música pop podía grabar este sello?

El primer disco del sello fue "Till my breath gives out" (Erstpop 2008), del cuarteto berlinés The Magic I.D., compuesto por Margareth Kammerer (voces y guitarra), Christof Kurzmann (voces, G3 y lloopp) y los clarinetistas Kai Fagaschinski y Michael Thieke, el primero tocando por el canal derecho y el segundo por el izquierdo. The Magic I.D. se defienen a sí mismos como "un grupo que explora puntos de encuentro entre la canción y la música abstracta". OK, pero ¿y eso que significa? Para comprobarlo, tenía que comprar el disco y escucharlo. Y encontré la respuesta. El disco es un magnífico tratado pop en el que las voces de Kurzmann y Kammerer son "acompañadas" por la guitarra de ésta y los clarientes de Fagaschinski y Thieke, y a su vez perturbadas por sonidos electrónicos del procedentes del pc de Kurzmann. Un buen disco que realmente me sorprendió. Estuvo a punto de entrar en mi Top20 del año pasado, pero al final se quedó fuera por los pelos.

Así que cuando el sello anunció la salida de su segunda referencia, "neuschnee", del duo Burkhard Stangl y Christof Kurzmann, me llevé otra grata sorpresa. Como duo, estos músicos ya habían grabado un par de discos anteriores para el sello Erstwhile, "schnee" (Erstwhile 008, 2000) y "schnee_live" (ErstLive 003, 2005). Este último fue grabado en el marco del Festival Amplify 2004: addition, que tuvo lugar en mayo del 2004 en Berlin. Sorprendentemente, el disco contenía voces, unas veces cantadas y otras recitadas, del propio Kurzmann, y coros de Margareth Kammerer y Adeleine Rosenstein. Pero lo más sorprendente era que contenía porciones del tema "Sometimes it snows in April", del mismísimo Prince. Todo un shock para el EAI.

Y ahora nos llega este "neuschnee", en el que se mezclan de manera ejemplar los mundos de la canción y la improvisación. Empieza con lo que parece ser una fista en la que que un grupo de gente canturrea "Swing low sweet chariot" de los Beach Boys. Se titula "Las hijas de nieve", solo dura 39'', y nos sirve de introducción para "In the global snow of things", uno de los mejores momentos del disco. El tema empieza con un drone-crescendo que no desentonaría en un disco de Eliane Radigue, con toques de guitarra y electrónica por parte de los dos músicos. En un momento dado, Kurzmann recita "Hello, hello, hello, is there anybody home?, I only call to say I'm sorry" del tema "No more songs" de Phil Ochs, y continua con frases del "Lonely woman" de Ornette Coleman y "Taking a chance on love", de Vernon Duke, John Lattouche y Ted Fetter, popularizado por Frank Sinatra. Entre tanto, unos punteos de Stangl "reminiscentes" de su magnífico disco con Dieb 13 "Eh" (Erstwhile 2002). Para completar el puzle, aparece la pianista invitada Manon Liu Winter castigando las cuerdas y teclas del piano, como si lo declarase culpable de algo. Genial. Lo mejor que he escuchado en mucho tiempo. El piano y la guitarra van decayendo hasta conducirnos al siguiente tema, "Gredler", donde Stangl nos deleita con punteos sencillos sobre acordes más pesados y la cacharrería electrónica de Kurzmann. Seis minutos después, el piano vuelve a entrar en escena, esta vez de la mano del propio Stangl, que nos toca lo que parece una marcha para acompañar un funeral que no avanza. "Homeless dogs" nos muestra a Kurzmann cantando despistado, como si estuviera haciendo la colada, molestado por sonidos producidos por los hermanos Carrasco. Edén parece estar jugando con un saxofón roto, y Nicolás lo boicotea con su electrónica. De repente aparece un helicóptero, que nos transporta al último tema y punto álgido del album, "Song songs". Empieza con unos minutos en los que los dos músicos improvisan sobre el sonido del helicóptero (guitarra acústica, clariente, percusiones y electrónica). Unos minutos después, Kurzmann nos recita "When I was young I listened to the radio, waiting for my favourite songs, when they played, I sang along and make me smile" y se lanza a una especie de Rockollection en el nos canta estrofas de una docena de temas pop, todos ellas incluyendo la palabra song, de músicos como Nick Cave, Bob Dylan, Public Image Ltd, Melanie, Beatles, Rolling Stones, etc ... para terminar con el "Song sung blue" de Neil Diamond. Pero cuando parece que indefectiblemente el disco llega a su fin, aparecen los gorgoritos sampleados de la cantante austriaca Maly Nagl. Increible. Acaba el disco y te encuentras en un estado de confusión y satisfacción. Durante los últimos 54 minutos, por tu cabeza ha circulado un torrente musical difícil de asimilar. Y tienes que volver a escucharlo. Y te parece todavía mejor. Y entonces te das cuenta del extraño y bello documento musical que tienes entre manos. Como diria un castizo, strangely, it works!

Escuchando:
Burkhard Stangl/Christof Kurzmann - neuschnee (Erstpop 2009)
Stasis Duo - 3 (Organized Music from Thessaloniki 2009)
John Cage - Etudes Australes (Wergo 1992)
Morton Feldman - Trio (New Classical Adventure)
Masafumi Ezaki - Othello/3 minutes (SlubMusic 2008)
Various Artists - Relay: Archive 2007-2008 (Manual 2009)

A Catalogue of Sounds

2009-04-19T15:11:00.024+02:00

No lo recuerdo con precisión, pero creo que fue en la primavera del 2005, en uno de mis por entonces frecuentes viajes a Tokio. Siempre me alojaba en el mismo hotel del distrito de Shinagawa, y a pesar de las apretadas agendas que nos preparaban nuestros clientes nipones, todavía disponíamos de tiempo libre para visitar esta impresionante ciudad. Una tarde, en una de las sucursales de Tower Records en Shinjuku, encontré el disco "A Catalogue of Sounds" de Jakob Ullmann. Puede que hubiese leído algo sobre este compositor alemán, pero no conocía para nada su música. El disco estaba publicado por el sello alemán Edition RZ, al cual llevaba siguiendo durante un tiempo y donde había encontrado auténticas obras maestras de Morton Feldman, Giacinto Scelsi, Iannis Xenakis, Klaus Lang, Franco Evangelisti, .... Así que lo compré. A ciegas.

Lo que si recuerdo con precisión es la sensación que experimenté cuando llegué a casa y puse el CD en el reproductor. Magnífico. A la tercera escucha tenía ya muy claro que estaba ante uno de los mejores discos que había escuchado en mucho tiempo. "A Catalogue of Sounds" es ni más ni menos lo que el título nos promete: un catálogo de sonidos, unos completos y otros incompletos, pero siempre íntimos, susurrados, como si hubiesen sido creados para pasar desapercibidos. Durante los más de setenta minutos de duración, esta colección de sonidos va creando en el oyente una sensación de falsa calma, falsa porque necesitamos un alto nivel de concentración para evitar que los sonidos fluyan por nuestra mente sin dejar poso alguno. Una calma de tiempo en tiempo interrumpida por sutiles pizzicatos, que parece reclaman nuestra atención. "A Catalogue of Sounds" (1995-97) es una composición para violin, viola, violoncello y ensemble, si bien el propio Ullmann nos explica que "fue escrita para un ensemble de 13 instrumentos de cuerda, a la que se pueden añadir hasta tres partes de solistas (parece ser que una versión anterior podía utilizar hasta trece partes de solistas, pero desgracidamente se perdió). Cada una de estas partes de solistas puede ser interpretada sola o en cualquier combinación con el ensemble de trece músicos". En este disco de Edition RZ, editado en 2005, "A Catalogue of Sounds" está magistralmente interpretado por el Ensemble Oriol Berlin, dirigido por Sebastian Gottschick, actuando como solistas Freya Ritts-Kirby (violin), Sophie Renshaw (viola) y Michael M. Kasper (violoncello).

Como he dicho, un disco magnífico, que me llevó inmediatamnete a rebuscar en la obra de Jakob Ullmann. No es que sea un compositor muy prolífico, si bien el nivel cualitativo de sus obras no deja lugar a dudas:

- Donaueschinger Musiktage 1991 (Orchetrol 1992). El festival de Donaueschingen es el festival de música contempranea más antiguo del mundo. Se celebra anualmente desde 1921 en la ciudad alemana del mismo nombre, y en él se han interpretado obras de los mejores compositores del siglo XX. En la edición de 1991, la Sinfonierorchester des Südwestfunks Baden-Baden, bajo la dirección de Matthias Bamert, interpretó la composición para orquesta "Schwarzer Sand/Schnee" (1990-91) de Jakob Ullmann. Esta composición para orquesta, si bien ya contiene algunos de los elementos característicos de la obra posterior de Ullmann, desde mi punto de vista está lejos del nivel que alcanzaría años después. Esta grabación, junto con "Schöne Welt, Schöne Welt" de Klaus Ospald, fue editada en CD por el sello Orchestrol en 1992.

- Komposition für Streichquartett/Komposition für Violine/Disappearing Musics (Wergo 1996). Esta grabación del sello alemán Wergo contiene tres composiciones de Ullmann, en la que destaca "Dissapearing Musics" (1989-91), una compsición para seis músicos (más o menos), interpretada por el siempre fiable Ensemble Recherche. "Komposition für Streichquartett" (1985), interpretada por el Cuarteto de Cuerda del Ensemble UnitedBerlin, y "Komposition für Violine - Symmetries on Aleph Zero 2" (1986-87), interpretado por el violinista Nicolaus Richter de Vroe, completan este disco con obras de Ullmann de finales de los ochenta. No cabe duda que estamos ante tres composiciones muy interesantes, pero desde mi punto de vista les ocurre lo mismo que a "Schwarzer Sand/Schnee": están muy lejos del nivel compositivo que Jakob Ullmann alcanzará a partir de finales de los noventa.

- A Catalogue of Saounds (Edition RZ 2005). Han pasado nueve años desde el disco anterior en Wergo, pero la espera ha merecido la pena. Escrita en 1995-97, "A Catalogue of Sounds" es su obra maestra. Junto con All Piano de Feldman, Adnos I-III de Eliane Radigue, Gomberg de Franz Hautzinger y The World Turned Upside Down de Rowe/Müller/Sugimoto, uno de los mejores discos de la década.

- Thirty Pieces for String Quartet/Komposition Für Streichquartett 2 (HR-Musik 2007). El Arditti String Quartet, todavía con Rohan de Saram en su formación, nos entrega dos magníficas interpretaciones de "Thirty Pieces for String Quartet" (1983) de John Cage y "Komposition für Streichquartett 2" (1998-99) de Jakob Ullmann. Grabado en 2001, el disco deja bien a las claras la influencia de Cage en el compositor alemán. "Komposition für Streichquartett 2" sigue la misma estructura compositiva y narrativa que "A Catalogue of Sounds", escrita un par de años antes. Es, por supuesto, superior en todos los aspectos a "Komposition Für Streichquartett" (1985), que aparce en el disco de Wergo.

- voice, books and FIRE 3 (Edition RZ 2008). Uno de los mejores discos del año pasado (8º en mi lista) y otra obra maestra de Mr. Ullmann. Composición sutil donde las haya, "voice, books and FIRE 3" (2004-05) es una composición para 8 voces y cuatro instrumentos, interpretada magistralmente por el Ensemble für Experimentelle Musik, con Anja Kienborn, Annegret Kornmann, Christina Reis, Corina Schmid, Daniela Hornung, Ida Maria Kastner, Judith Geier-Leisch y Susanne Friedrich (voces), Philip Thimm (violoncello), Tobias Beck (viola), Isabelle Fontius (flauta) y Leif Bergerhoff (saxofón). Grabado en el verano de 2006, la combinación de las voces (sussurros más bien, diría yo) con los cuatro instrumentos nos produce un estado muy similar al de "A Catalogue of Sounds".

Por el momento es todo lo que tenemos. Esperamos nuevas grabaciones de Jakob Ullmann, preferiblemente para el sello alemán Edition RZ que dirige Robert Zank.

Escuchando:
Graham Halliwell/Lee Patterson - Terrain (Confront Collector Series 2009)
Giacinto Scelsi - Music for high winds (Mode 2001)
Taku Sugimoto - Shiisanputou (SlubMusic Tengu 2008)
Werner Dafeldecker - Long dead machines I-IX (Presto!? 2009)
Walter Zimmermann - The echoing green: chamber works 1986-89 (Mode 2005)
John Cage - Fifty Eight (Hat Hut 1993)
Tetuzi Akiyama/Kevin Corcoran/Christian Kiefer - Low cloud means death (Digitalis 2008)
William Basinski - 92982 (MMXLII 2009)

Seven

2009-04-05T15:53:00.012+02:00

El número siete siempre ha sido un número muy especial y enigmático: los siete días de la semana, los siete colores del arco iris, los siete pecados capitales, las siete vidas de un gato, Blancanieves y los siete enanitos, los siete cabritillos y el lobo, ... También en el mundo del cine el siete ha dado mucho juego: los siete samurais, los siete magníficos, siete novias para siete hermanos, seven, ... Y por supuesto en la música: las siete notas musicales.

Pero siete es también una de las mejores composiciones de John Cage. Seven, escrita en Nueva York en 1988, es una composición para siete instrumentos: flauta, clarinete, percusión, piano, violin, viola y violoncello. Es una de las primeras "number pieces" de Cage, y la dedicó a los ensembles Boston Musica Viva, The Voices of Change y Continuum. Con una duración de 20 minutos, Seven consiste en 20 segmentos, 19 de los cuales son flexibles (en lo que respecta al comienzo y al final de los mismos) y el otro fijo. Los segmentos fijos son diferentes para cada parte. La duración de todos los segmentos es la misma, con una excepción en cada parte. El número de sonidos en cada segmento es diferente: uno en las partes para flauta, clarinete y percusión, entre uno y tres en las partes para violin, viola y violoncello, y entre tres y cinco en la parte para piano. Los sonidos en la parte para percusión son elegidos por el intérprete. En la parte para percusión, la anotación usa números, que indican que instrumentos tocar. Como podemos ver, es una obra que concede una gran libertad a los músicos, bordeando la frontera de la improvisación. Seven fue estrenada el 18 de noviembre de 1988 por el Boston Musica Viva.

Que yo sepa, existen en el mercado seis grabaciones de esta composición (curioso, solo falta una para que sean siete), si bien algunas de ellas son difíciles de encontrar:

- John Cage: Two, Five, Seven (Hat Art 1996). Grabación realizada por el Ives Ensemble y Mayumi Miyata el 14 de junio de 1996 en el Theater Romein de Leeuwarden, Holanda. Doble Cd que contiene las composiciones "Two4", "Five2", "Seven", "Two6", "Five5" y "Seven2". Es la primera grabación realizada de "Seven", a cargo de Rik Andriessen, flauta, Hans Petra, clarinete, Arnold Marinissen, percusión, John Snijders, piano, Josje Ter Haar, violin, Ruben Sanderse, viola y Job Ter Haar, cello. La primera grabación y una de las mejores, realizada con un altísimo nivel de concentración por los siete miembros de este magnífico ensemble holandés.

- James Tenney: Forms 1-4 (Hat Art 2002). El gran ensemble alemán musikFabrik interpreta las cuatro "Forms" de James Tenney, intercalando entre ellas "Octandre" de Varèse, "Seven" de Cage, "Piece" de Wolpe y "Numbers" de Feldman. La obra de Cage fue grabada en 11 y 12 de diciembre de 1997 en el Funkhaus 1, WDR, Klaus-von-Bismarck-Saal de Colonia, Alemania, por Helen Bledsoe, flauta, John Corbett, clarinete, Thomas Oesterdiekhoff, percusión, Paulo Alvares, piano, Tomoko Kiba, violin, Marina Ascherson, viola y Alexander Scheirle, cello.

- Re-sound (Monash University 1998). Disco publicado en 1998 por la Universidad de Monash, Melburne, Australia, que contiene, además de "Seven", composiciones de Brendan Colbert, Thomas Reiner y Ken Murray entre otros. El disco se grabó en 1998 en el Music Auditorium of the Performing Arts Complex, por un ensemble dirigido por Thomas Reiner: Melanie Chilianis, flauta, Darren Howard, clarinete, Keith Thomas Hunter, percusión, Opal Tantayanusorn, piano, Helen Eadie, violin, Jason Belden, viola e Ingrid Guymer, cello.

- John Cage/Burkhard Schlothauer: For Seven Players (Wandelweiser 2006). Contiene las composiciones "Seven" de Cage y "15 similar events-septet" de Schlothauer, grabadas por miembros del colectivo Wandelweiser (Normisa Pereira da Silva, flauta, Ulrich Krieger, clarienete, Tobias Liebezeit, percusión, Guy Vandrome, piano, Burkhard Schlothauer, violin, Julia Eckhardt, viola y Marcus Kaiser, cello) en el estudio On Air de Berlin-Kreutger en el año 2002. Ya comenté sobre este disco en mi anterior post sobre Burkhard Schlothauer. En mi opinión, la mejor interpretación de Seven, la más árida y minimalista, la más fría y desapegada.

- John Cage: Fourteen, Seven, Ten, Three2 (Megadisc 2006). El Barton Workshop holandés, co-dirigido por James Fulkerson y Frank Denyer, interpreta estas cuatro composiciones de Cage. Seven, grabada el 13 y 14 de agosto de 2002 en De Hoop, Diemen, Holanda, está interpretada por Jos Zwaanenburg, flauta, Jon Anderson, clarinete, Tobias Liebezeit, percusión, Frank Denyer, piano, Marieke Keser, violin, Elisabeth Smalt, viola y Nina Hitz, cello.

- John Cage: Seven, Quartets I-VIII (Neos 2008). De momento, la última grabación de esta magnífica composición de Cage. Interpretada magistralmente por la Orquesta Jakobsplatz München, dirigida por Daniel Grossmann, esta grabación suena la mas orquestral y limpia de todas, despojada de la aridez de las versiones del Ives Ensemble y los Wandelweiser.

Curiosamente, las seis grabaciones de esta obra escrita en Nueva York han sido grabadas fuera de los Estados Unidos (tres en Alemania, dos en Holanda y una en Australia). La séptima grabación de Seven está claro que tiene que ser en Nueva York. ¿Para el sello americano Mode, tal vez?

Escuchando:
John Cage - Seven/Quartets I-VIII (Neos 2008)
Cor Fuhler - Het kabinet (Conumdrom 2009)
Kyle Bruckmann - Gasps & fissures (482 Music 2004)
No Spaghetti Edition - Sketsches of fusion (Sofa 2006)
Morton Feldman - The late piano works Vol 1: Triadic Memories (MDG 2008)
Morton Feldman - The late piano works Vol 2: For Bunita Marcus (MDG 2009)
Mark Wastell - After hours (Cathnor 2009)
Luigi Nono - La Lontananza Nostalgica Utopica Futura (Kairos 2000)

Burkhard Schlothauer

2009-03-28T16:15:00.022+01:00

Otra semana de viaje, esta vez en una de esas ciudades donde cada vez que vas, siempre piensas lo mismo: aquí me quedaría a vivir. San Francisco es una de esas ciudades de tamaño medio (800.000 habitantes, la 4ª ciudad de California y la 13ª de Estados Unidos), donde la vida es a la vez urbana y tranquila, adjetivos cada vez más difíciles de encontrar juntos. De vuelta en casa tras un vuelo caótico con la compañía Continental, me tranqulizo al ver que ya ha llegado el paquete con los tres discos que había pedido a Erstdist el viernes anterior. Los tres tienen en común que contienen composiciones de Burkhard Schlothauer. Este magnífico compositor y violinista alemán, nacido en 1957, se ha ido convirtiendo, poco a poco, en silencio (esto creo que le gustaría) en uno de mis compositores favoritos de finales del siglo XX y principos del XXI. Miembro de los colectivos musicales radicales Zeikratzer y Wandelweiser Kompositionen Ensemble, en su música podemos apreciar uan gran influencia de la escuela de New York, principalmente John Cage. Como ya he dicho, pertenece al grupo de músicos-compositores que giran en torno al sello alemán Wandelweiser, sobre el que ya escribí un post aquí mismo en marzo de 2008. En ese post ya expliqué la filosofía de este colectivo musical, definida por el propio Schlothauer, así que ahora nos centraremos en la obra de este genial compositor.

Burkhard Schlothauer no es un compositor muy prolífico, al menos en lo referente a composiciones publicadas en CD. La lista de grabaciones con composiciones de Schlothauer que tengo en mi colección, ordenadas cronológicamente, son:

- Jürg Frey: EWR 9608 (Wandelweiser 1996)
El clarinetista Jürg Frey, también miembro del colectivo Wandelweiser, interpreta obras para clarinete de Alvin Lucier, Christian Wolff, el propio Frey y "Aus atem" (1994) de Burkhard Schlothauer.

- Zeitkratzer: Extensions (X-Tract 1999)
Junto a composiciones de Radu Malfatti, Ulrich Krieger, Melvyn Poore y Axel Dörner, nos encontramos con "Tromper" de Burkard Schlothauer, una composición para ensemble interpretada por los miembros de Zeitkratzer.

- Ensemble Q-O2: EWR 0104 (Wandelweiser 2001)
El Ensemble Q-O2, basado en Bélgica, interpreta obras para ensemble de varios compositores contemporáneos, entre ellas "64 events für fraustimme" (1998) para voz femenina, violin, viola and violoncello. Los músicos del ensemble que la interpretan, Lucy Grauman (vocal), Silvia Tentori Montalto (violin), Julia Eckhardt (viola) y Gabriella Strümpel (violoncello).

- Burkhard Schlothauer: EWR 0105 PianoMusic (Wandelweiser 2001)
Dos composiciones para piano, "Ab tasten" (1995) para piano solo, interpretada por la pianista coreana Jongah Yoon, y "Three pianos drumming" (1998), interpretada por el trio PianoInsideOut, compuesto por los pianistas Reinhold Friedl, Michael Iber y Yun Kiung Lee.

- Burkhard Schlothauer: EWR 0501 Abregistrieren (Wandelweiser 2005)
Contiene la magnífica composición para órgano "Abregistrieren (1998-2003), interpretada por la también miembro del colectivo Eva-Maria Houben.
- Burkhard Schlothauer: EWR 0502 ChamberEvents (Wandelweiser 2005)
Uno de los mejores discos de Schlothauer y del sello Wandelweiser, contiene tres composiciones: "55 similar events plus two drummers drumming" (1999), magnífica composición para ensemble y dos percusionistas, interpretado por Zeitkratzer, con Schlothauer al violin, "Events #5" (1994-95) para tres clarinetes bajos y dos pianos, interpretada por Jürg Frey (clarinetes) y Jongah Yoon (pianos) y "Organic microtonal poliphonia" (2003), con Antoine Beuger (flauta), Burkhard Schlothauer (violin) y Craig Shepard (trombón).
- John Cage/Burkhard Schlothauer: EWR 0604 For Seven Players (Wandelweiser 2006)
Otra maravilla, que contiene las obras "Seven" (1998) de John Cage y "15 similar events- septet" (2002) de Burkhard Schlothauer, ambas interpretadas por Ulrich Krieger (clarinete), Normisa Pereira da Silva (flauta alta), Burkhard Schlothauer (violin), Julia Eckhardt (viola), Marcus kaiser (cello), Guy Vandromme (piano) y Tobias Liebezeit (percusión).
Además de todos estos discos, que como hemos dicho contienen composiciones del propio Schlothauer, como violinista ha participado en la mayoría de discos de Zeitkratzer, así como en Param (A-musik 2001) de Marcus Schmickler y Untitled (Anoema 2005) de Francisco López entre otros. También ejerce como productor en muchos de los discos del sello Wandelweiser. Si te gusta la música contemporánea, las "number pieces" de Cage, las "late pieces" de Feldman, los silencios de Malfatti, .... no lo dudes, Schlothauer es tu hombre.
Durante el viaje a San Francisco he tenido tiempo para leer el libro "Hamás. La marcha hacia el poder" (Libros de la Catarata 2007) de la historiadora Carmen López Alonso. El libro narra de manera cronológica la historia del Movimiento de Resistencia Islámico (Hamas), organización nacionalista suní, declarada organización terrorista por Estados Unidos, Unión Europea, Israel, Japón, Canadá y Australia, desde su fundación en 1987 durante la primera intifada, hasta su llegada al poder en las elecciones legislativas de 2006, pasando por los acuerdos de Oslo de 1993, la intifada de Al Aqsa en 2000 y la muerte de Yasir Arafat (líder de la OLP) y Ahmed Yasin (fundador y lider espiritual de Hamas) en 2004. Un buen libro para quien quiera entender un poco mejor los entresijos de una de las zonas más conflictivas y enrevesadas del planeta.
Escuchando:
John Cage/Burkhard Schlothauer - For seven players (Wandelweiser 2006)
Burkhard Schlothauer - PianoMusic (Wandelweiser 2001)
Burkhard Schlothauer - Abregistrieren (Wandelweiser 2005)
Christine Sehnaoui/Michael Waisvitz - Shortwave (Al Maslakh 2008)
Various Artists - Damn! freiStil-samplerein #1 (Chmafu Nocords 2008)
Luigi Nono - La lontananza nostálgica utópica futura (Deutsche Grammophon 1991)
Jason Kahn/Tomas Korber/Norbert Möslang/Günter Müller/Hong Chulki/Ryu Hankil/Choi Joonyong/Bae Miryung/Jin Sangtae/Sato Yukie - Signal to Noise Vol. 6 (For4Ears 2008)
Oreledigneur - Oreledigneur LP (Fringes 1999)

Triadic Memories

2009-03-14T16:24:00.019+01:00

Otra semana por Londres, donde una de las noches aprovechamos para cenar en uno de los nuevos restaurantes que la cadena argentina Gaucho tiene en la capital inglesa. Este nuevo restaurante está situado justo enfrente del mercado de carne de Smithfield (o por lo menos eso nos explica el taxista). La carne en estos restaurante es generalmente buena, así que pedimos un "bife de chorizo" (¡en la carta aparece traducido al inglés como "sirloin"!) y un surtido de quesos ingleses de leche de vaca cruda. Para acompañar, un vino magnífico: "Susana Balbo Cabernet Sauvignon 2005", de la región argentina de Mendoza. Susana Balbo es una talentosa enóloga argentina que ha trabajado para la casa Catena y que recientemente ha lanzado su propia gama de vinos elaborados en la bodega Dominio del Plata. Este 2005 es un cabernet bien maduro, con tonos de vegetales de frutos secos y especias de polvo (clavo, canela, ...), ligeros toques animales de cueros, y un paladar intenso pero amable. Genial.

Aprovecho una tarde libre para visitar algunas tiendas de discos, y por fin me hago con el último disco del pianista John Tilbury. El doble CD es la grabación de un concierto que Tilbury dio el 10 de junio del año pasado en Londres, que fue grabado magistralmente por Sebastian Lexer y editado por la Fondazione Atopos de Italia. Contiene dos composiciones: "Triadic Memories" de Morton Feldman y "Notti Stellate a Vagli" de Howard Skempton. Como ya he comentado en alguna ocasión, Triadic Memories (1981), junto con For Bunita Marcus (1985), también de Feldman, son dos de las mejores composiciones para piano, por lo menos en lo que respecta a la música contemporanea. De "For Bunita Marcus" ya escribí en este mismo blog el año pasado, si bien en Londres compré una nueva grabación, muy buena por cierto, por parte de la pianista alemana Sabine Liebner para el sello alemán Oehms Classics, editado en 2007, y que también contiene una versión de Palais de Mari.

Volviendo a Triadic Memories, lo que siempre me ha llamado la atención de esta obra es la diferente duración de las interpretaciones de los diferentes pianistas que la han grabado. De For Bunita Marcus conozco 8 grabaciones, la más corta la de Stephane Ginsburg para Sub Rosa (71'48") y la más larga la de Sabine Liebner para Oehms (88'08"). Solo 16 minutos entre la más corta y la más larga. Por contra, de Triadic Memories existen al menos 12 grabaciones, siendo la más corta a de Aki Takahashi para Alm Records (61'18") y la más larga la de Sabine Liebner para Oehms (124'09"). Una enorme diferencia, que me lleva a pensar que en esta composición el "tempo" es más importante que en el caso de For Bunita Marcus.

John Tilbury ya había grabado Triadic Memories en 1996/97 para el sello London Hall. Esta grabación salió al mercado en 1999 en el disco "All Piano", que también contenía magníficas interpretaciones de For Bunita Marcus, Palais de Mari, Piano 77 y otras piezas para piano. Pero así como en el caso de For Bunita Marcus tengo claro que la versión de John Tilbury para London Hall es la mejor, con Triadic Memories no lo tengo tan claro. Como ya he dicho, en Triadic Memories la duración de la interpretación es crucial, ya que nos indica el tempo con el que que el/la pianista interpreta la obra, lento o rápido, pausado o apresurado.

Para hacernos una idea, vamos a ordenar las doce grabaciones por orden de duración de la interpretación, de más rápida a más lenta:

Aki Takahashi - Alm Records, 1989 (61'18")
Anton Batagov - Long Arm Records, 2003 (67'04")
Jean-Luc Fafchamps - Sub Rosa, 1990 (74'25")
Pia Blum - Tonart, 2004 (78'48")
John Tilbury - London Hall, 1999 (71'28")
Steffen Schleiermacher - MDG Scene, 2008 (80'44")
Roger Woodward - Etcetera, 1991 (87'34")
Marilyn Nonken - Mode Records, 2004 (93'48")
Markus Hinterhäuser - Col Legno, 1994 (100'30")
John Tilbury - Atopos, 2009 (103'53")
Louis Goldstein - Offseason Productions, 2000 (112'26")
Sabine Liebner - Oehms Classics, 2005 (124'09")

Sorprendentemente, el sello suizo Hat Hut, que tiene editados una veintena de discos con música de Feldman, nunca ha publicado una grabación de Triadic Memories. Quizás estén en ello, con la pianista Hildegard Kleeb. Pero bueno, a lo que vamos. Si antes de enumerar las diferentes grabaciones intuíamos lo importante que era la duración, ahora ya no lo vemos tan claro. Las doce son magníficas interpretaciones, pero las de Aki Takahashi y Sabine Liebner son supremas. Curiosamente, la más corta y la más larga. ¿Extraño, eh? Aki la interpreta con frialdad, urgencia y decisión, haciendo resonar las notas en el ambiente, e interrumpiendo esa resonancia con otra nota, que la alcanza y la hace desparecer, y con otra nota más, .... Sabine la interpreta despacio, sin prisas, degustando las notas, rumiándolas, lanzándolas al aire y dejándolas morir allí, sin interrumpirlas.

Mientras escribo escucho el disco de Atopos, donde Tilbury hace también una magnífica interpretación, quizás todavía mejor que la de London Hall. Para mí es el pianista que más pasión pone en la interpretación, como si la obra fuese suya, o como si hubiese sido escrita para él. A diferencia del resto de pianistas, que tienen formación clásica o contempóránea, John Tilbury fue miembro (¿todavía lo es?), desde principios de los 80, del grupo AMM, uno de los grupos seminales y más influyentes de la improvisación electroacústica.

Otras buenas grabaciones son las de Roger Woodward, Marilyn Nonken y Markus Hinterhäuser. En Londres también compré el disco de Steffan Schleiermacher para MDG Scene, pero solo lo he escuchado un par de veces y no puedo hacer un valoración completa. Por cierto, MDG Scene acaba de sacar al mercado una grabación de For Bunita Marcus por este mismo pianista. ¡Feldman sigue estando de actualidad!.

Escuchando:
John Tilbury - Triadic Memories/Notti stellate a Vagli (Fondazione Atopos 2009)
Jason Kahn/Takefumi Naoshima - In a room (Winds Measure 2009)
Clemens Merkel - Maderna, Beuger, von Schweinitz, Stiegler (Wandelweiser 1996)
Radu Malfatti/Taku Unami - Kushikushism (Slub Music 2009)
The Dropp Ensemble - The Empire Builders (Longbox 2003)
John Cage - Music for piano 1-84 (Neos 2007)
Katharina Klement - 13 Miniaturen (Kalk 1996)
Morton Feldman - For Bunita Marcus/Palais de Mari (Oehmas Classics 2007)

Erstlive 007

2009-02-28T12:31:00.011+01:00

A principios de enero publicaba aquí mismo la lista de mis discos favoritos del 2008. Creo recordar que entonces ya hice hincapié en que algunos de los discos de la lista, ocho en concreto, habían llegado a mis manos en los últimos días del año, por lo que no había tenido tiempo de convivir mucho con ellos. Durante estos dos meses de trabajo intenso y muchos viajes he tenido la oportunidad de dedicarles más tiempo, escucharlos más detenidamente y en diferentes lugares. La ipod ayuda mucho, por supuesto. Como es lógico, no se tiene la misma percepción de un disco cuando lo has escuchado un par de veces que cuando le has dedicado diez escuchas. Y si hay un disco que ha ido creciendo en mi durante estos dos meses, este ha sido el Erstlive 007 del músico inglés Keith Rowe. En mi lista lo situé en el puesto número 11, pero ahora estaría entre los tres primeros. Seguro. El disco, publicado a finales del año pasado por el sello Ertswhile, fue grabado magistralmente por Taku Unami el 20 de septiembre de 2008, en el marco del festival AMPLIFY 2008: light, que tuvo lugar en el Kid Ailack Art Hall de Tokyo de 19 al 21 de septiembre de ese mismo año.

Tengo que reconocer que al principio el disco me gustó, como casi todo lo que publica Mr. Rowe, pero no me impresionó. Dos meses y varias escuchas después, me parece uno de los mejores discos que se han publicado en los últimos años, un disco que además seguirá creciendo con el paso del tiempo. A quien pueda interesar, el propio Rowe hace una magnífica descripción del disco en el blog estwords, en la que explica que el concepto del concierto lo desarrolló la noche anterior (esto es improvisación electro-acústica, amigos), reflexionando sobre "quien soy y a donde voy: mis preocupaciones, mis intereses, la música que me gusta, los sonidos que me influyen, .... llegando a la conclusión que bien podrían ser denominados como cultural templates (plantillas culturales)". Y Rowe continúa: "También era importante el deseo de sentir una cierta libertad para decidir el contenido y la forma de la actuación, además de la libertad de romper las reglas. Casi la mitad de la actuación la componen secciones pre-grabadas de música clásica, sin procesar, presentadas tla y como son. Lo considero como una ruptura de las expectativas".

Palabras difíciles, que en boca de otros sonarían vacías. Pero Keith Rowe tiene 63 años, de los cuales más de cuarenta dedicados a la música improvisada, a la música que no ha seguido normas ni modas, a la música difícil, por lo que en su boca esas palabras suenan francas, creíbles. Pero Rowe continúa: "El concepto de la actuación me vino de la obra "Blue Poles" del pintor Jackson Pollock, aunque mi actuación solo revelaría "Four Poles", en forma de cultural templates que forman el esqueleto de la actuación". Y entonces se mete de lleno en la descripción de la actuación y las técnicas que utilizas para conseguir sus sonidos.

Para quien conozca la música de este guitarrista, Erstlive 007 no será un sorpresa. Pero lo que sí sorprende es la inclusión de esos cuatro "cultural templates" pregrabados de música clásica, que al principio te dejan perplejo, pero que tras sucesivas escuchas te das cuenta que Rowe los ha elegido con muchísimo mimo. Los cuatro segmentos elegidos para la actuación fueron:

2'14" - 5'01": Concerto for oboe in D minor (c. 1717) de Alessandro Marcello
9'40" - 12'11": Grand Motets, Dominus Regnait (c. 1735) de Jean-Joseph Cassanea de Mondonville
16'31" - 22'22": Castor and Pollux, "Tristes apprêts, pâles flambeaux" (1737 & 1754) de Jean-Philippe Rameau
31'01" - 34'50": Dido’s lament “When I am laid in earth” (1689) de Henry Purcell

Los cuatro templates duran unos 15 minutos, casi la mitad de la duración de disco, por lo que se convierten en parte fundamental de la actuación. Entre ellos, y en algún caso mezclándose con ellos, Rowe en estado puro: bows, radios, transistores, ipods, .... En el blog estwords está descrita la actuación segundo a segundo. Magnífico.

También he aprovechado todo este tiempo para leer la magnífica novela Manhattan Transfer, del escritor norteamericano John Dos Passos. Publicada en 1925, Manhattan Transfer es una obra desoladora poblada de personajes fracasados, cuyas vidas se cruzan, se separan, se vuelven a cruzar, ... durante un periodo de unos trienta años. Los personajes aparecen y desparecen, se casan y se divorcian, se aman y se odian, viven el éxito y el fracaso, y todo en una ciudad que solo entiende el éxito: Nueva York. Manhattan Transfer se publicó el mismo año que El Gran Gatsby, y tiene muchos rasgos comunes con ésta, pero si bien El Gran Gatsby nos habla de éxito, Manhattan Transfer nos habla del fracaso.

Escuchando:
Cornelius Cardew - Treatise (Mode 2009)
Phil Durrant/Lee Patterson/Paul Vogel - Buoy (Cathnor 2009)
Rebecca (Fagaschinski/Renkel) - Variation No. 12 (Esquilo 2009)
John Edwards - Volume (PSI 2008)
Nikos Veliotis/Anastasis Grivas - Vertical (Low Impedance 2008)
Morton Feldman - Triadic Memories (MDG 2008)
Choi Joonyong/Ryu Hankil/Hong Chulki - 5 Modules V (Manual 2008)
Chicago Sound Map - Performs compositions by Olivia Block and Ernst Karel (Kuro Neko 2008)

Extraplatte

2009-01-31T18:25:00.010+01:00

Un mes de enero tan cargado de trabajo, que no he podido dedicarle ni unos minutos a éste mi querido blog. Esta última semana la he pasado entre Bremen y Viena, dos ciudades con una gran sensibilidad por la música. Frío, mucho frío por el centro de Europa, sobre todo en Viena. El jueves se pega todo el día nevando, con temperaturas rozando los cero grados. Aprovechamos para visitar el bar "Wein & Co.", en el mismo centro de la ciudad, un sitio donde se pueden tomar buenos vinos a precios razonables (para los stándares de Viena). Wein & Co. es una cadena de tiendas especializadas en vinos que, recientemente, se ha lanzado al negocio de los wine bars. La idea es que puedes tomar cualquier vino de la tienda, a precio de tienda más 4,50 € por el descorche. La comida no es nada del otro mundo, pero el surtido de vinos y el ambiente es excelente. Pedimos un par de botellas de un Chateauneuf du Pape 2006, "La Bernardine" de M. Chapoutier, uno de los mejores productores del Ródano francés. Nos cobran a 34 € la botella, lo que me parece un buen precio dadas las circustancias. Elaborado principalmente con garnacha y syrah, el vino está magnífico, aunque todavía un pelín joven, pero tiene los taninos muy pulidos y maduros, buena acidez y los 14,5º no pesan para nada. Muy recomendable. De la comida ya ni me acuerdo.

Antes de la cena, y a pesar de la copiosa nevada, aprovecho para visitar una tienda de discos que siempre había querido visitar, pero que nunca había tenido ocasión: Extraplatte. Es una minúscula tienda en las afueras de Viena, pero con una gran selección de CDs de música clásica, contemporánea y jazz, sobre todo de músicos y compositores centroeuropeos. Por suerte encuentro cuatro discos que hacía tiempo que andaba buscando:

- Clemens Gadenstätter - Chambermusic I (Durian 2001)
- Annelie Gahl - Innaron, violine solo (Extraplatte 2004)
- Maria Frodl - Strokes, cello solo (Extraplatte 2006)
- Arditti Quartet - John Cage/Jakob Ullmann (Hr-Musik 2007)

A pesar de que solo he tenido tiempo de escucharlos una vez, me llama la atención el magnífico disco de la violinista Annelie Gahl. Según cuenta en los créditos, Annelie invitó a cuatro jóvenes compositores a escribir otras tantas piezas relaccionadas con la obra "Passacaglia o Sonata del Angel Guardián", del compositor checo Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704). Los cuatro compositores, Fritz Keil, Klaus Lang, Christian Muthspiel y Katherine Klement, todos ellos nacidos en la segunda mitad del siglo XX, le entragaron cuatro bellísimas composiciones, cada una a su manera, que junto con el propio Passacaglia completan el programa de este magnífico disco. Creo que es díficil de encontar, pero seguro lo tienen aquí.

El disco de violoncello solo de Maria Frodl contiene también cinco composiciones para violoncello de otros tantos compositores (Alexander Wagendriestel, Thomas Heinisch, Giles Swayne, Roland Freisitzer y Fritz Keil), en los que Maria explora la amplia variedad de sonidos y posibilidades percusivas del instrumento. Como ya he escrito anteriormente, soy un gran seguidor de los discos para violoncello solo, y este Strokes ya está entre mis favoritos.

Arditti String Quartet. Uno de los grandes cuartetos de cuerda de los últimos tiempos. En esta ocasión, el sello alemán Hr-Musik nos propone un programa con dos obras de dos compositores radicales: "Thirty pieces for string quartet", de John Cage, y "Komposittion für streichquartett 2", de Jakob Ullmann. John Cage escribió este cuarteto en 1983, antes de enfrascarse en las "number pieces". El disco no menciona la fecha de la grabación, pero debe de ser de ser de finales de los 90, ya que todavía estaba Rohan de Saram al cello. Los Ardittis ya habían grabado esta composición en 1989 para el sello Mode, pero todavía no he tenido tiempo de comparar las dos grabaciones. Por su parte, el compositor alemán Jakob Ullmann, al que tengo pensado dedicar un post en un futuro cercano, escribió "Komposition für streichquartett 2" en 1998/99. Ullmann ya había escrito "Komposition für streichquartett 1" en 1985, que apareció en 1996 en el sello alemán Wergo. Pero si bien el nombre es el mismo, las dos composiciones no tienen nada que ver. La segunda es la que realmente nos muestra el camino que en el futuro iba a seguir este gran compositor, quien recientemente nos ha deleitado con dos de los mejores discos de principos del siglo XX: A catalogue of sounds (2005) y voice, books and FIRE 3 (2008), ambos para el sello Edition RZ.

El disco de Clemens Gadenstätter para el sello Durian contiene dos composiciones: "Streichtrio II (Friktion)" para violín, viola y violoncello, y "Variationen und alte themen", para trombón, guitarra, violoncello y contrabajo, interpretados por el Streichtrio Klangforum Wien y el Ensenble Neue Musik-Wien respectivamente. En este último participa el gran cellista austriaco Michael Moser.

Pero además de estos discos, a finales de diciembre y principios de enero me hice con un buen puñado de magníficos discos, a saber:

- Malcolm Goldstein - A sounding of sources (New World 2008)
- Eva-Maria Houben - Works for double bass (Wandelweiser 2008)
- Eva-Maria Houben - von da nach da (Wandelweiser 2007)
- Burkhard Schlothauer - ChamberEvents (Wandelweiser 2005)
- André O. Möller - blue/dense (Wandelweiser 2004)
- Klaus Lang - The book of serenity (Kairos 2008)

Este disco de Klaus Lang, soberbio, magnífico, de haber llegado a mis manos antes de finales de año, seguro que habría estado entre los cinco primeros de la lista de mis 20 discos favoritos del 2008.

Todo llega a su fin, incluso el 2008

2009-01-01T16:14:00.016+01:00

Me he permitido utilizar una fotografía de mi amigo Ricardo Vila, uno de los mejores fotógrafos naturalistas de nuestro país, para ilustrar este primer post del año 2009. Flores. Flores llenas de vida y colorido, para un mundo que carece de ambas cosas. Acabamos de dejar atrás un "annus horribilis" de campeonato, un pésimo año desde el punto de vista social, político y económico. Por contra, 2008 ha sido un año magnífico para la música, donde sellos independientes como Mode, Erstwhile, Wandelweiser, Wergo, Edition RZ y Hat Hut, por citar solo unos pocos, hacen un esfuerzo impagable para mantener viva la música que de verdad interesa, la de músicos creativos que todavía creen en lo que hacen, al margen de la música basura (música kleenex o música de usar y tirar, la llamaría yo) con que nos inundan a diario las grandes compañías multinacionales. Uno de los mejores años que recuerdo, con un buen puñado de discos sobresalientes. Me ha costado bastante elaborar una lista con los 20 discos que más me han gustado este año, pero al final aquí está (algunos discos muy interesantes se han quedado fuera de la lista, pero como dice el dicho, "no están todos los que son, pero son todos los que están"):

1.- Eliane Radigue - Naldjorlak (Shiiin)
2.- Michael Pisaro - Harmony series 11-16 (Wandelweiser)
3.- Annette Krebs/Toshimaru Nakamura - Siyu (Soseditions)
4.- John Cage - Two2 (Mode)
5.- Christian Weber - Walcheturm solo (Cut)
6.- Malcolm Goldstein - A sounding of sources (New World)
7.- Keith Rowe/Taku Unami - Erstlive 006 (Erstwhile)
8.- Jakob Ullmann - voice, books and FIRE (Edition RZ)
9.- Masahiko Okura/Taku Sugimoto/Taku Unami - Chamber music concerts Vol 1 (SlubHibariLoadFactor)
10.- Michael Pisaro - An unrhymed chord (Wandelweiser)
11.- Keith Rowe - Erstlive 007 (Erstwhile)
12.- Rhodri Davies/David Lacey/Dennis McNulty - Poor trade (Cathnor)
13.- Toshimaru Nakamura/English - One day (Erstwhile)
14.- Radu Malfatti - Düsseldorf vielfaches (b-boim)
15.- Eva-Maria Houben - Works for double bass (Wnadelweiser)
16.- Trio Sowari - Shortcut (Potlatch)
17.- Choi Joonyong/Hong Chulki/Sachiko M/Otomo Yoshihide - Sweet cuts, distant curves (Balloon & Needle)
18.- Frank Denyer - Silenced voices (Mode)
19.- Burkhard Beins/Lucio Capece/Rhodri Davies/Toshimaru Nakamura - SLW (Formed)
20.- Helmut Lachenmann - Dal Niente ... Kammermusik (Wergo)

Lo más sorprendente de la lista es que en ella aparecen dos discos para contrabajo solo (Christian Weber y Eva-Maria Houben). Pero es que otros dos discos para contrabajo han estado cerca del top20, Giacinto Scelsi The works for double-bass (Mode) y John Eckhardt Xyloboint (PSI). O sea, un buen año para este magnífico instrumento.

Un buen año también para el colectivo Wandelweiser, donde además de Eva-Maria Houben, el compositor norteamericano Michael Pisaro nos ha ofrecido dos auténticas joyas (en las dos participa el percusionista Greg Stuart), y donde Radu Malfatti sigue grabando muy buenos discos en su sello asociado b-boim. Y para Erstwhile, que también tiene tres discos en la lista, dos de ellos grabados en vivo en el fesival Amplify 2008: light, que tuvo lugar en Tokio en el mes de septiembre, justo los días en que un tifón arrasaba la isla. Y para Mode, por su magnífico disco Two2 de John Cage, composición para dos pianos escrita en 1989 e interpretada magistralmente por Rob Haskins y Laurel Karlik Sheehan. Y para el sello francés Shiiin, por sacar al mercado el mejor disco del 2008, Naldjorlak.

Por otra parte, el sello Matchless ha sacado recientemente el disco Trinity, del grupo AMM (John Tilbury y Eddie Prevost), con la colaboración de John Butcher al saxo. AMM es uno de mis grupos favoritos, pero Trinity en principio no me ha convencido. Tengo que escucharlo más. Podría ser que Butcher, que recientemente ha dejado al grupo Polwechsel, se convierta en el tercer miembro de AMM, ahora que la vuelta de Keith Rowe parece más improbable que nunca. Ya veremos. Por su parte, John Butcher también ha sacado este año un disco magnífico en el sello Confront: Resonant spaces.

Otro disco que se ha quedado fuera y que merece la pena resaltar es Fluctuations, magnífica colaboración entre Ellen Fullman (long string instrument) y Monique Buzarté (trombón) para el sello Deep Listening.

Como he dicho al principio, un gran año para la música este 2008 que acabamos de liquidar.

Naldjorlak

2008-12-13T12:57:00.020+01:00

Por fin ha caído en mis manos el que para mi es el mejor disco de este año que ya languidece: Naldjorlak 1 pour Charles Curtis (Shiiin 2008), de la compositora electro-acústica francesa Eliane Radigue. Naldjorlak 1, escrita en 2005, es una "composición" para violoncello, interpretada magistralmente por el cellista norteamericano Charles Curtis. El disco es una grabación analógica realizada por Daniel Deshays en la capilla de Notre-Dame de Bon Secours, Paris, el 18 de septiembre del 2006. Desde entonces, Charles Curtis ha venido interpretando esta magnífica obra por diveros lugares del mundo (en muchas ocasiones acompañado de la propia Eliane Radigue, quien a sus 76 años, todavía conserva una gran lucidez). El 12 de octubre del pasado año, un grupo de 60 personas tuvimos la suerte de ver a Charles Curtis interpretar Naldjorlak en la sala Miscëlanea de Barcelona, en el marco del festival LEM, en lo que los organizadores llamaron la "Noche Eliane Radigue", con la presencia de la compositora francesa.

A lo largo del mes de octubre del año pasado dediqué varios posts a hablar de Eliane Radigue, Charles Curtis y el festival LEM. Poco después, el sello francés Shiiin anunciaba para 2008 el lanzamiento al mercado de Naldjorlak. Un lanzamiento que se ha hecho esperar. No ha sido fácil conseguir el CD, ya que este sello es un poco caótico en cuanto a la distribución de sus CDs (pasó lo mismo hace un par de años cuando sacaron "L'île résonante", también de Eliane Radigue y que inauguraba el sello). Al final lo he conseguido pidiéndolo directamente a Shiiin (info@shiiin.com), con un coste de €19.00, portes incluídos.

Tengo que reconocer que el CD que tengo en mis manos suena incluso mejor de lo que yo recordaba. Al haber sido grabado en una capilla, las notas del cello resuenan en el espacio, siendo esta resonancia parte fundamental de la grabación. Mi memoria no recuerda esta resonancia en la interpretación en Miscëlanea, tal vez debido a que entonces la sala era muy pequeña y Charles Curtis tuvo que tocar el violoncello con más suavidad.

En las notas del CD, Daniel Caux nos explica que "Naldjorlak en un nombre compuesto que toma de la lengua tibetana la doble noción espiritual de unión y respeto" (recordemos que Eliane Radigue se retiró al Tibet en 1975, después de componer Adnos I, se convirtió al Budismo, y no volvió a la música hasta 1979, año en que escribió Adnos II). También nos explica Daniel Caux que "Naldjorlak 1 es la primera composición de Radigue para un instrumento acústico. Un viaje en el tiempo y en el espacio al mismísimo interior de la resonancia de todos los elementos que componen el violoncello. Series de oscilaciones de más o menos amplitud. Una obra que no responde a los criterios de entonación establecidos. Una obra de sonidos inestables". Charles Curtis nos explica, también en las notas del CD, que "Naldjorlak está basada en el afinado del violoncello, buscando consolidar lo máximo posible todas las partes resonantes del instrumento. La referencia para el afinado se encuentra en el mismo instrumento: la llamada wolf tone (nota del lobo)". Curtis continúa: "Se refiere a una nota particular que destaca de todas las demás como irregular o de una resonancia excesiva. La mayoría de instrumentos de cuerda tienen una nota así, y se considera una imperfección en el sonido del instrumento. Para Naldjorlak propuse a Eliane Radigue que se centrase en la nota del lobo del cello, debido a su inestabilidad y su extraordinaria complejidad espectral". En algún sitio he leído que esta nota se llama así porque recuerda al aullido de un lobo.

Es curioso que otro de los discos que más me ha gustado este año, Walcheturm Solo (Cut 2008), del contrabajista suizo Christian Weber, se grabase en directo el 13 de septiembre de 2007 en el Kunstraum Walcheturm de Zürich. La grabación es un solo de contrabajo que también explora las resonancias aústicas del instrumento y del espacio. ¿A que no sabéis quien compartía cartel con Christian Weber aquel día de septiembre del año pasado? Charles Curtis interpretando Naldjorlak. Puede que esta composición influyera en la actuación de Weber, que era totalmente improvisada.

Por último, decir que Naldjorlak 1 (2005) para violoncello (Charles Curtis) es la primera composición de una trilogía que Radigue ha escrito para instrumentos acústicos. Naldjorlak 2 (2007) para dos clarinetes tenores (Carol Robinson y Bruno Martinez), estrenada en septiembre de 2007 en el Festival de Aarau, Suiza. Y Naldjorlak 3 (2008), para dos clarinetes y violoncello (Carol Robinson, Bruno Martinez y Charles Curtis), todavía no estranada. Parece ser que Naldjorlak 2 y 3 también serán grabadas para Shiiin. Can't wait.

No me gustaría terminar sin recomendar el Festivalet d'Hiver de Música Improvisada de Barcelona, que tendrá lugar del 19 al 21 de diciembre en el Centre Cívic Convent de Sant Agustí, Comerç 36, Barcelona. Sobre todo el sábado, en el que actúa uno de los grandes grupos de música improvisada y contemporánea de los últimos tiempos. El programa es el siguiente:

Viernes 19
20:30h Katharina Klement (piano preparado)/Christopher Williams (contrabajo)
21:45h Mary Oliver (viola)/Rozemarie Heggen (Contrabajo)

Sábado 20
20:30h Agustí Fernández (piano)/Ingar Zach (percusión)
21:45h Polwechsel (Werner Dafeldecker, contrabajo/Michael Moser, violoncello/Burkhard Beins y martin Brandlmayr, percusiones)

Domingo 21
20:30h Michael Moser/Christopher Williams/Rozemarie Heggen/Werner Dafeldecker
21:00h Agustí Fernández/Katharina Klement/Burkhardt Beins/Martin Brandlmayr
21:30h Rozemarie Heggen/Martin Brandlmayr/Michael Moser/Katharina Klement
22:00h Burkhardt Beins/Agustí Fernández/Christopher Williams/Werner Dafeldecker

Venta de entradas: en taquilla y anticipadas en info@arcoyflecha.es
Taquilla: una noche, 12 €. Abono para los tres conciertos, 30 €
Anticipada: una noche, 9 €. Abono para los tres conciertos, 24 €
Más Información: http://www.arcoyflecha.com/festivalet

Escuchando:
Eliane Radigue - Naldjorlak (Shiiin 2008)
John Butcher - Resonant spaces (Confront 2008)
Taku Unami - Malignitat 2 (Free Software Series 2008)
Franz Hautzinger's Regenorcherter XII - Town down (Konkurrent 2008)
Michael Pisaro - Harmony Series 11-16 (Wandelweiser 2008)
John Eckhardt - Xylobiont (PSI 2008)
John Cage - Trombone and piano (MDG 2008)
Jean-Luc Guionet/Toshimaru Nakamura - Map (Potlatch 2008)

Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds Pierrot Lunaire ...

2008-11-27T16:09:00.012+01:00

... Tres por siete canciones de Pierrot Lunaire de Albert Giraud, o como es más conocido, "Pierrot Lunaire, Op. 21". Con este magnífico melodrama, a mitad de camino entre la ópera y el cabaret, terminaba el concierto que el Ensemble Recherche ofreció ayer en Barcelona, cortesía de Caixa Catalunya. Unas 250 personas nos reunimos en el auditorio de los sótanos de la Pedrera para escuchar (y ver) en concierto a uno de los más reputados ensembles de música contemporánea de la actualidad. Y creo que nadie salió defraudado.

De los nueve miembros que forman el Ensemble Recherche, solo seis se dejaron caer por La Pedrera: Martin Fahlenbock (flautas), Shizuyo Oka (clarinetes), Jean-Pierre Collot (piano), Melise Mellinger (violin), Barbara Maurer (viola) y Asa Akerberg (Violoncello), acompañados de la soprano alemana Salome Kammer.

El concierto comenzó a las 20:00h con "Duo para clarinete y piano", una corta e insípida obra del compositor catalán Xavier Benguerel, escrita en 1963. No entiendo que pintaba esta simpleza en semejante repertorio, a no ser que fuera la manida cuota de catalanismo. Incluso los dos músicos que la interpretaron se sentían incómodos, sobre todo Shizuyo Oka, que no acababa de encajarse al clarinete.

El nivel subió, y mucho, con la siguiente composición, "Tempus Loquendi", una obra para flauta escrita por el compositor alemán Bernd Alois Zimmermann también en 1963. Es una obra claramente microtonal, subtitulada "obra elástica para flauta", de unos doce minutos de duración, en los que Martin Fahlenbock nos deleitó con su exhuberante técnica, alternando pasajes musicales con las tres flautas que nos presentó: flauta, flauta en G y flauta bajo. Gran ovación para Martin, pero lo mejor todavía estaba por llegar.

Tras unos minutos de preparación, Shizuyo Oka, Barbara Maurer y Jean-Pierre Collot salen al escenario para interpretar "Hommage à Robert Schumann", del compositor húngaro Gyorgy Kurtag. Escrita en 1990 para clarinete, piano y viola, esta composición relativamente reciente está dividida en seis movimientos: los cinco primeros de aproximadamente un minuto de duración cada uno, y el sexto de unos seis minutos. Este último movimiento tiene un aire enigmático, como si de un funeral se tratase. Obra de una gran belleza y virtuosismo, con una impecable interpretación por parte de los tres músicos.

Tras el descanso, el plato fuerte del día: "Pierrot Lunaire"(1912), del compositor austriaco Arnold Schönberg. A caballo entre la ópera y el cabaret, Pierrot Lunaire es un melodrama para voz y ensemble en el que la voz femenina bascula entre la dicción y la canción, entre el recitado y el cantado (una técnica que se conoce como "sprechstimme"), de una manera casi casi teatral. Es una obra de media hora de duración, escrita para voz femenina, piano, violin (y viola), violoncello, clarinete (y clarinete bajo), flauta (y piccolo). Como el título completo nos indica, son tres secciones de siete canciones cada una, y que en La Pedrera fueron interpretadas magistralmente por la soprano Salome Kammer y los seis miembros del Ensemble Recherche.

Nunca antes había escuchado a este ensemble interpretar estas composiciones, creo que ni siquiera las han llegado a grabar, pero puedo recomendar otras tantas grabaciones que a mí me parecen interesantes:

- Tempus Loquendi (Hat Hut 1995): interpretado por Eberhard Blum.
- Hommage à R. Sch. (ECM 1998): interpretado por Kim Kashkashian (viola), Eduard Brunner (clarinete) y Robert Levin (piano).
- Pierrot Lunaire (MDG 1994): interpretado por Salome Kammer y el Ensemble Avantgarde dirigido por Hans Zender.

Pression für einen cellisten

2008-11-23T19:19:00.014+01:00

La semana pasada comentaba en estas mismas páginas mi encuentro con el último disco de Helmut Lachenmann en el sello alemán Wergo. Después de varias escuchas, me sigue pareciendo un disco fantástico, de lo mejorcito aparecido este año en el mundo de la música contemporánea, y ya estamos a finales de noviembre. Las cinco composiciones del disco están interpretadas de manera ejemplar por los miembros del ensemble phorminx, pero hay una que me ha llamado la atención por encima de las otras: Pression für einen cellisten, interpretada al violoncello por Wolfgang Lessing. Escrita por Lachenmann entre 1969 y 1970, Pression es una de sus obras más radicales, y por ende, una de las más radicales del siglo XX. Es una composición para violoncello solo, en la que incluso es difícil reconocer el propio sonido del violoncello.

El texto que acompaña al disco nos explica que "Pression toma las condiciones de producción de sonidos como tema central, pero de una manera muy radical. Con el fin de producir esos sonidos, el músico tiene que superar la resistencia que le ofrecen las cuerdas". O sea, que tiene que presionar con más fuerza sobre las cuerdas del cello, ya sea con el arco o con los dedos. De ahí su nombre: Pression. El texto continúa: "De acuerdo con la estética convencional del sonido de las cuerdas, no está permitido que estas resistencias se manifiesten acústicamente. El sonido no debe ser percibido como "hecho" o "producido", sino que debería perservar una ilusión de "ser como es", envolviendo al oyente de un modo casi fantasmagórico, el proceso de estar siendo producido".

Pression es una composición de menos de diez minutos de duración, en la que al principio el cellista produce delicados sonidos de fricción mediante tímidos intentos de rozar las cuerdas con el arco. Estos roces se van intensificando a medida que avanza la obra, incrementando la presión sobre las cuerdas. Por momentos el arco es desplazado por las cuerdas verticalmente arriba y abajo, liberando sonidos de una extraña sonoridad e incrementando la dinámica de la interpretación. La obra alcanza su cenit con pasajes extremos de máxima presión sobre las cuerdas, produciendo sonidos sostenidos con la máxima presión sobre el puente. Tras la tempestad, la calma. Delicados sonidos de pizzicato, golpecitos en las cuerdas con el arco, ligeros silencios, ... El roce de las cuerdas vuelve a incrementarse, pero de manera más delicada, como antítesis de la primera parte, para terminar con algunas notas sotenidas a la manera de cortos drones y sutiles pizzicatos de una belleza insondable. Magnífico.

La primera grabación de este tema, que yo sepa, la realizó Werner Taube en 1971. Esta grabación está incluída, junto con otra versión de Michael Bach de 1989, en el LP que el sello Edicion RZ publicó en 1990. Posteriormente, otros cellistas lo han intentado, entre ellos Pierre Strauch en 1992 para el sello Accord, otra vez Michael Bach, pero esta vez para el sello CPO (Chamber Music 1992), Lucas Fels, miembro entonces del Ensemble Recherche y ahora del Arditti Quartet, para Montaigne (Solo Pieces 1995), Taco Kooistra en su disco Ladder of Escape 6 (Attaca 1993), Walter Grimmer para Col Legno en 1991 (editado en 1994), Benjamin Carat para Grame, y finalmente, Wolfgang Lessing para Wergo en 2008. En total son nueve los cellistas que según mi información han grabado este tortuoso tema de Lachenmann.

Sobre la marcha se me ocurren dos apreciaciones: la primera, los nueve cellistas que he mencionado anteriormente son hombres, por lo que nunca he escuchado esta composición interpretada por una mujer. La segunda, algunos cellistas favoritos no la han grabado nunca: Rohan de Saram, Charles Curtis, Frances-Marie Uitti, Joan Jeanrenaud, Anton Lukoszevieze, .... Todavía están a tiempo. Esperaremos.

Escuchando:
- Anders Dahl - Doorbells (Bombaxbombax 2008)
- John Cage - The seasons (ECM 2000)
- The Clarinets - The Clarinets (Skirl 2006)
- Morton Feldman/Earle Brown - Feldman/Brown (Time Records 1962)
- Agustí Fernández/Ingar Zach - Germinal (Plastic Strip 2008)
- Helmut Lachenmann - Das Mädchen mit den Schwefelhölzern (ECM 2004)

Funny Games

2008-11-15T15:59:00.008+01:00

Un poco decepcionado con una de las películas que más había esperado este año, Funny Games, del realizador alemán Michael Haneke. Funny Games nos cuenta, de manera descarnada, la visita que un par de jóvenes perturbados realizan a una pareja que está de vacaciones con su hijo pequeño. Con la excusa de pedirles unos huevos, los dos jóvenes entrarán en la casa de la pareja y convertirán sus vacaciones en un auténtico infierno. Es un thriller provocativo y salvaje, con una estética que en ocasiones recuerda a la de La naranja mecánica, la también brutal película de Kubrick. En mi opinión, el guión, escrito por el propio Haneke, es muy poco consistente, lo que hace que el espectador, en algunos momentos, pierda el interés por la trama. Lo mejor, los actores. Naomi Watts y Tim Roth realizan una magnífica interpretación de la pareja acosada por los dos perturbados, muy bien interpretados por los jóvenes actores Michael Pitt y Brady Corbett.

Funny Games es un remake de otra película del mismo título del propio Haneke, estrenada en Alemania en 1997. En la versión alemana, la pareja de vacaciones está interpretada por Susanne Lothar y Ulrich Mühe. Este último será el protagonista, años más tarde, de una de mis películas favoritas del siglo XXI, La vida de los otros (2007), la obra maestra de Florian Henckel von Donnersmarck.

Pero también Haneke tiene su obra maestra, La Pianista (2001), adaptación de la tortuosa y magnífica novela del mismo título de la escritora austriaca Elfriede Jelinek. En una lista que publiqué en este blog el 18 de septiembre de 2007, con mis diez películas favoritas en lo que va de siglo, La vida de los otros ocupa el cuarto puesto y La pianista, el sexto.

Mientras escribo, estoy escuchando un disco magnífico que compré el pasado martes en Basilea, "Dal Niente ... Kammermusik" (Wergo 2008), del gran compositor alemán Helmut Lachenmann. Tengo una buena colección de la obra de Lachemnann, y además las cinco composiciones que se incluyen en este disco ya las tengo en otras grabaciones, así que en principio no era un disco al que debería haber prestado mucha atención, sobre todo en una tienda donde había una muy buena colección de música contemporánea europea. Pero Lachenmann es Lachenmann, y el sello alemán Wergo es para mí una garantía, así que me hice con él. Un acierto. Los miembros del ensemble Phorminx realizan cinco magníficas lecturas de otras tantas composiciones de Lachenmann (y digo composiciones, aunque en algún caso puedan parecer improvisaciones). El disco empieza y acaba con dos obras para pequeños ensembles, "temA" para flauta, voz y violoncello (1968) y "Allegro Sostenuto"para clarinete, violoncello y piano (1986-88). Entre medio, tres composiciones "radicales" para instrumentos solistas: "Toccatina" para violín (1986), "Pression" para violoncello (1969) y "Dal Niente (Intérieur III)" para clariente (1970). Uno de los mejores discos en lo que llevamos de año, en un sello, Wergo, que publicó hace unos meses otro de los grandes discos del 2008: "Stirrings Still" de Rebecca Saunders.

Escuchando:
Helmut Lachenmann - Dal Niente ... Kamermusik (Wergo 2008)
Choi Joonyong/Hong Chulki/Sachiko M/Otomo Yoshihide - Sweet cuts, distant curves (Balloon & Needle 2008)
Carola Bauckholt - Klingt gut (Wergo 1999)
Kai Fagaschinski/Michael Renkel - Rebecca (Two variations) (Charizma 2003)
John Cage - Three/Twenty-Eight/Twenty-Six with Twenty-Eight/Twenty-Eight with Twenty-Nine (OgreOgress 2007)
Dmitry Shostakovich - Violin sonata/Cello Sonata (Naxos 2006)

Ensemble Recherche en Barcelona

2008-11-06T11:23:00.016+01:00

El próximo 26 de noviembre, el Ensemble Recherche actuará en Barcelona de la mano de la Obra Social de Caixa Catalunya. Una ocasión inmejorable para ver a uno de los grandes ensembles (la palabra en castellano "agrupación" no me gusta nada) de música contemporánea que pueden verse en la actualidad. El programa que nos proponen para esa noche es el siguiente:

- Bernd Alois Zimmermann: "Tempus Loquendi" (1963) para flauta
- Xavier Benguerel: "Duo"(1963) para clarinete y piano
- György Kurtág: "Hommage à R. Schumann" (1990) para clarinete, viola y piano
- Arnold Schönberg: "Pierrot Lunaire" (1912), con la colaboración de la soprano alemana Salome Kammer

El Ensemble Recherche, fundado en Freiburg (Alemania) en 1985, se define a si mismo como un "ensemble de nueve músicos solistas", que además de interpretar multitud de obras contemporáneas a lo largo y ancho del mundo, colaboran en obras de teatro, emisiones radiofónicas y producciones cinematográficas. Otra de sus funciones es la de organizar cursos para compositores e instrumentalistas. Su repertorio, del que han grabado casi 50 CDs, incluye desde composiciones clásicas de finales del siglo XIX hasta obras experimentales y de vanguardia del siglo XX: el impresionismo francés, la segunda escuela de Viena, la escuela de Darmstadt y los espectralistas franceses. También han aportado un punto de vista contemporáneo a obras musicales del siglo XVII.

Los nueve miembros que componen el ensemble son: Melise Mellinger, violin/Barbara Maurer, viola/Aka Akerberg, violoncello/Martin Fahlenbock, flauta/Jaime González, oboe/Shizuyo Oka, clarinete/Christian Dierstein, percusión/Klaus Steffes-Höllander, piano/Jean-Pierre Collot, piano.

Como he dicho anteriormente, han grabado cerca de 50 CDs para algunos de los sellos más importantes de la música contemporánea: Montaigne, Karios, Hat Hut, Wergo, Mode, Stradivarius, Accord, CPO, Aeon, .... No es fácil recomendar unos cuantos discos de este magnífico ensemble, ya que todos deben ser de un altísimo nivel, pero de entre los que yo tengo en mi colección, estos son los que yo recomendaría:

- Morton Feldman: Ensemblestücke der 70er jahre (Montaigne 1994)
- Morton Feldman: Something wild, Music for films (Kairos 2002)
- Luigi Nono: La Lontananza Nostálgica utópica futura (Kairos 2000)
- Helmut Lachenmann: Trios der 60er jahre (Montaigne 1998)
- Helmut Lachenmann: Solo pieces (Montaigne 1995)
- Helmut Lachenmann: Allegro sostenuto/Serynade (Kairos 2001)
- Stefan Wolpe: Wolpe in Jerusalem (Mode 2006)
- Salvatore Sciarrino: Luci mie traditrici (Kairos 2001)
- Isabel Mundry: Traces des moments (Kairos 2007)
- Mathias Spahlinger - Furioso (Kairos 2007)

La cita, en Barcelona, el próximo 26 de noviembre, miércoles, a las 20.00h en La Pedrera, Pg. de Gràcia 92. Entrada gratuita. Información y reservas: Tel 902 400 973 y Obra Social Caixa.

Escuchando:
Morton Feldman - Early piano works (Hat Hut 2002)
Esther Venrooy - The spiral staircase (Entr'acte 2008)
Radu Malfatti - Düsseldorf vielfaches (b-boim 2008)
Jürg Frey - L'âme est sans retenue III (b-boim 2008)
Werner Dafeldecker/Martin Brandlmayr/Christian Fennesz - Till the old world's blown up and a new one is created (Mosz 2008)
Rebecca Saunders - Crimson (Kairos 2008)
John Cage - The works for violin 5 (Mode 2003)
Klaus Lang - Einfalt.Stille (Edition RZ 2007)

Un paseo por Escandinavia

2008-10-18T17:18:00.008+02:00

Fin de semana tranquilo entre viaje y viaje, escuchando el último disco del Trio Sowari, Shorcut (Potlatch 2008). Esta semana la he pasado en una de mis ciudades favoritas, Copenague, alojado en el hotel The Square, magnífico hotel situado en el centro de la ciudad, a unos pasos del Tivoli. Es un poco caro, pero lo recomiendo sin reparos. A pesar del trabajo, tuve tiempo de pasar una noche por el sushitarian, un restaurante japonés que intento no perderme cada vez que visito la ciudad. Tomamos unas tempuras de atún especiado, unas tempuras vegetales y unas piezas de sushi maki, nigiri y futomaki. Para beber, un Goldenits austriaco Sauvignon Blanc del 2007, con la acidez un pelín alta, pero que iba que ni pintado con la comida. También he tenido tiempo para visitar algunas tiendas de discos y comprar algunos CDs, entre ellos "Sonatas para violin y piano" de Charles Ives (ECM New Series 1999). Mi primer encuentro con la música de este compositor norteamericano. En una primera escucha no me engancha, ya veremos más adelante. Y durante el viaje he leído el último libro de Haruki Murakami, "After Dark", escrito en 2004 y publicado ahora en nuestro país por Tusquets. Es un libro muy corto, que se lee muy rápido, más en la línea de los relatos de "Sauce ciego, Mujer dormida", que en la de otras obras largas del autor, como "Tokio Blues" o "Kafka en la orilla". Para quien ya haya leído a Murakami, ya sabe lo que puede esperar de "After Dark": un universo murakamiano, esta vez nocturno, como su nombre indica, por el que pululan diversos personajes solitarios, entre los que se producen una serie de encuentros y desencuentros. Una joven estudiante de buena famila y su hermana pija, con la que no logra conectar. Un joven trombonista enamorado de la hermana de ésta. Una joven prostituta maltratada por un oficinista nocturno en un "love-ho" (love hotel) de tercera, regentado por una antigua campeona de lucha. Dos japonesas outsiders que se ocupan de la limpieza del hotel. Un restaurante familar abierto toda la noche. Todo muy murakami. Para mí no está a la altura de sus mejores obras, pero siempre es reconfortante sumergirse en la lectura de este extraño escritor japonés, donde la realidad y la ficción se entremezclan y casi nunca sabes muy bien en que lado te encuentras.

Y el lunes, de nuevo para el norte. Estaré en Estocolmo y Malmoe hasta el próximo jueves. Espero que el tiempo nos acompañe como lo ha hecho esta semana en Copenague, donde hacía muchos años que no veía un sol tan radiante en pleno otoño.

Escuchando:
Trio Sowari - Shortcut (Potlatch 2008)
Charles Ives - Sonatas for violin and piano (ECM 1999)
Hermann Nitsch - Komposition für orgel in fünf sätzen (Yedermann 1995)
David Grubbs - An optimist notes the dusk (Drag City 2008)
Ami Yoshida/Minoru Sato - Composition for voice performer (1997 and 2007) (Aotoao 2008)
Noid - You're not here (Hibari 2007)
Jean-François Laporte - Soundmatters (23Five 2007)
Galina Ustvolskaya - Piano sonatas (Col Legno 1998)

Love me two times

2008-10-02T16:18:00.006+02:00

"Love me two times, baby, love me twice today. Love me two times, girl, I'm goin' away. Love me two times, girl, one for tomorrow, one just for today. Love me two times, I'm goin' away .... Pues no, evidentemente la imagen de arriba no es la portada de ningún disco de los Doors, sino la colaboración entre el duo Nmperign, compuesto por Bhob Rainey (saxo soprano) y Greg Kelley (trompeta), y Jason Lescalleet (tapeloops). El disco, titulado Love me two times, lo editó el sello Intransitive en 2006 y fue, en mi opinión, el mejor disco de ese año.

Me viene a la memoria el disco ya que googleando por la red, he encontrado en la web bagatellen la lista que en su momento envié sobre los mejores discos editados en el año 2006. Vista con la perspectiva de la actualidad, cambiaría algunos discos, pero como decían los minimalistas americanos, "it is what it is". Así que en enero del 2007, mi lista era la siguiente:

1.- Nmperign/Jason Lescalleet - Love me two times (Intransitive)
2.- Masahiko Okura/Günter Müller/Ami Yoshida - Tanker (For4ears)
3.- Mersault - Mersault (Quakebasket)
4.- Keith Rowe/Toshimaru Nakamura - between (Erstwhile)
5.- Susan Alcorn - Concentration (Recorded)
6.- Polwechsel - Archives of the north (Hatology)
7.- Otomo Yoshihide New Jazz Orchestra - Out to lunch (Doubt Music)
8.- Anthony Burr/Charles Curtis - Alvin Lucier (Antiopic/Sigma Editions)
9.- Otomo Yoshihide/Yuki Saga - See you in a dream (F.M.N. Sound Factory)
10.- Lou Gare - No strings attached (Matchless)
11.- Michiyo Yagi - Seventeen (Zipangu)
12.- Macus Schmickler/John Tilbury - Variety (A-musik)
13.- Ornette Coleman - Sound grammar (Sound Grammar)
14.- Tomas Korber/Keith Rowe/Günter Müller - Fibre (For4ears)
15.- 3/4HadBeenEliminated - A year of the aural gauge operation (Häpna)

Traces des moments

2008-09-28T14:37:00.005+02:00

"Las chansons de Dufay entrelazadas con mis propias composiciones - podríamos decir que se trata de contrastes, entre lo viejo y lo nuevo, lo cercano y lo lejano, lo familiar y lo extraño, lo modal y lo atonal. Pero mi motivación para acercarme a la música de Dufay y escribir acerca de ella se justifica por la búsqueda en su interior de reflexiones de mi propia forma de pensar, así como yo busco en mi propia música lo que es extraño para mi". Así comienza el texto "Aquí o allí - Resonancias entre y dentro de la música", escrito por Isabel Mundry para acompañar su último disco, "Traces de Moments" (Kairos 2007), que compré hace un par de semanas en una tienda de discos de Londres.

No tenía grandes referencias de esta magnífica compositora alemana, nacida en Hesse en 1963, excepto su composición "Solo für Cello" (1996), que interpretaba el gran cellista Michael Moser en su disco "Violoncello" (Durian 1998), y su participación en el disco de Morton Feldman "Works for Piano 2" (Hat Hut 1994), en el que interpreta Five Pianos junto a Steffen Schleiermacher, Mats Persson, Kristine Scholz y Nils Vigeland. Escaso bagaje para decidirse a comprar un CD, pero lo hice. Además, el sello Kairos es una garantía, e imagino que me ayudó a tomar la decisión.

El disco contiene tres composiciones de la Mundry, interpretadas por el Ensemble Recherche. La pieza central es "Dufay-Bearbeitungen" (2003-2004) para ensemble. Dividida en siete partes y basada en las "chansons" del compositor flamenco Guillaume Dufay, uno de los compositores europeos más influyentes del siglo XV, "Dufay-Bearbeitungen" es una composición arriesgada en la que Isabel Mundry hace una lectura moderna de una música renacentista (a esto se refiere la compositora cuando habla de "contrates"). Tengo que reconocer que en una primera escucha la composición me dejó frío, ya que no soy aficionado a la música antigua. Pero posteriores escuchas me hicieron entenderla mejor: percusiones, instrumentos deconstruídos, fraseos cambiantes, susurros, ... elementos modernos que transportan la música de Dufay hasta nuestros días. Y como siempre, magníficamente interpretada por el Ensemble Recherche (Martin Fahlenbock, flauta/Jaime González, oboe y corno inglés/Shizuyo Oka, clarinete/Melise Mellinger, violín/Barbara Maurer, viola/Asa Akerberg, cello/Christian Dierstein, percusíones/Klasu Steffes-Holländer, piano). Intercaladas entre las partes de Dufay-Bearbeitungen, encontramos otras dos composiciones que nada tienen que ver con ella: "Traces des Moments" (1999-2000) para trio de cuerdas, clarinete y acordeón, y con la participación de Teodoro Anzellotti al acordeón, y "Sandschleifen" (2003-2006) para trio de cuerdas, piano y percusión. De la primera dice Isabel que "surgió del propósito de entender un momento muy concreto. En un jardín de Kyoto, mirando a la superficie de la gravilla, e irritada porque las imágenes en su mente obstruían su vista, y esa familiaridad desencadenaba en ella una doble alienación". Es una composición mucho más moderna, en el que las cuerdas juegan un papel fundamental entre las que se entrelazan el acordeón y el clarinete. "Sandschleifen" procede de la descripción que la escritora Karsten Feldmann hace de una pintura de Sigrid Klemm. "La pintura se reduce a una casa, un estanque, un arbol, el paisaje y el horizonte, pero el trazado tiene un sentido simbólico, en el que los objetos escapan de su aparente e inequívoco significado". Obra de caraterísticas similares a "Traces des moments", donde las cuerdas se entremezclan con los sonidos del piano y las percusiones. El disco termina con la séptima parte de "Dufay-Barbeitungen", la parte más moderna (o menos renacentista) de las siete, como si la compositora quisiese dejar un sabor de boca más contemporáneo en el oyente.

Escuchando:
Burkhard Beins/Lucio Capece/Rhodri Davies/Toshimaru Nakamura - SLW (Formed 2008)
Kanichiro Oda/Takefumi Naoshima/Mitsuteru Nakeuchi/Takahiro Hirama - 1 (Encadre 2008)
John Cage - 44 harmonies from Apartment House 1776 (Mode 2005)
Takahiro Hirama - thr eat rhy thm (Encadre 2008)
Lucio Capece/Sergio Merce - Casa (Organized Music from Thessaloniki 2008)
R/S - One (Snow Mud Rain) (Erstwhile 2007)
Galina Ustvolskaya - 1 (Hat Hut 1992)
Galina Ustvolskaya - 2 (Hat Hut 1993)