108 · 109 · 110

Estoy escuchando el que para mi es, hasta la fecha, el mejor disco editado en 2011. Se trata del DVD 108·109·110, publicado por el sello OgreOgress. Este sello de Michigan se ha caracterizado por haber sacado al mercado grabaciones de compositores como John Cage, Morton Feldman, Arnold Schönberg, Alan Hovhaness y María de Alvear entre otros. También ha publicado grabaciones del Tashi Lhunpo Monastery, uno de los cuatro grandes monasterios de la escuela Gelugpa del Budismo Tibetano.

De John Cage, OgreOgress ha publicado al menos ocho ediciones entre CDs y DVDs, todos ellos dedicados a las “number pieces”, de las que ya hemos hablado en este blog en repetidas ocasiones. Caben destacar las grabaciones en CD de “One6 y One10”, a cargo de la violinista oficial del sello, Cristina Fong, “Four4”, por el percusionista Glenn Freeman y “One7 (from One13) y One8”, grabadas por un (o una, yo me decanto más por esta segunda opción) violoncellista que prefirió quedar en el anonimato. A partir del 2005, el sello se ha ido centrando más en el formato DVD, así que las tres últimas grabaciones de Cage han sido publicadas en este formato: “Two3/Intlets/Two4”, a cargo de los habituales Fong, Freeman y por primera vez Tamami Tono al shô, y dos grabaciones de “number pieces” más numerosas: “Three/ Twenty-Eight/Twenty-Six with Twenty-Eight/Twenty-Eight with Twenty-Nine”, y “Twenty-Six with Twenty-Nine/Twenty-Six with Twenty-Eight & Twenty-Nine/Eighty/Sculptures Musicales”, estas dos últimas grabaciones con los habituales de la casa más los Prague Winds.

Y ahora nos llega el cuarto DVD de la serie dedicada a John Cage con tres grabaciones diferentes de la composición 108, terminada en abril de 1991. Es una composición para gran orquesta de 108 instrumentos y es la “number piece” que Cage escribió para el mayor número de participantes. La duración de 108 es de 43:30, lo que no deja de ser un guiño a su popular 4:33. En las instrucciones, Cage escribió que 108 puede ser interpretada, simultáneamente o no, con One8 (1991) para violoncello solo y/o One9 (1991) para shô y/o Two3 (1991) para shô y caracolas marinas (conch shells).

108 está compuesta de periodos de tiempo flexibles con tonos únicos, que tienen que ser interpretados con un solo arco o un solo soplido, o una simulación de ellos. Estos tonos pueden ser cortos o largos, ya que el comienzo y el final de los periodos de tiempo se solapan. Los tonos largos tienen que ser suaves y los cortos más fuertes. La obra se divide en partes en silencio y partes con sonidos: 0'00"-1'30", 14'00"-18'00", 32'30"-34'30", 35'00"-39'00" y 42'00"- 43'30" son periodos en silencio y el resto periodos de actividad. En el caso de ser interpretada con One8, el violoncello debe escucharse en los periodos de silencio. En este caso la obra se llama One8 and 108. Los instrumentos de percusión no están definidos, pero deben distinguirse unos de otros. Tienen que ser muy resonantes y ser tocados con arcos o trémolos. Cage menciona algunos como platillos chinos y turcos, gongs japoneses y balineses, ....

Hasta ahora solamente había una grabación de 108, grabada en octubre del 2000 para el sello Mode. La grabación se hizo simultáneamente con One9, quedando como “One9 and 108”. Está interpretada por Mayumi Miyata (shô) y la WDR Sinfonieorchester Köln. Este año, el sello New World ha publicado una caja con diez CDs titulada “Music for Merce”. En el disco 9 de esta caja aparece una extracto de 14 minutos de “One8 and 108” grabada en el año 2000 para la danza “Interscape” de Merce Cunningham, interpretada por Loren Dempster (cello) y Orquesta del Teatro La Fenice, dirigida por Arturo Tamayo.

El DVD que nos ocupa contiene una grabación de 108 a cargo de la Chance Philharmonic Orchestra (el libreto la llama “108: symphony for large orchestra”), además de las versiones con violoncello, One8 and 108 (el libreto la llama “109: cello concerto”) y con shô y conch shells, Two3 and 108 (el libreto la llama “110: double concerto for shô and conch shells”).

Las tres grabaciones son magníficas, con la Chance Philharmonic interpretando 108 de manera muy contenida y precisa. En “One8 and 108”, no se menciona el nombre del o de la cellista, lo que me lleva pensar que es la misma persona que grabó el CD One7 (from One13)/One8, que OgreOgress publicó en 2001. Por cierto, una magnífica grabación de One8, al menos en el mismo nivel que la de Michael Bach para Mode en 1994 (recordemos que Cage dedicó la composición al propio Bach). Y para terminar, Tamami Tono (shô) y Glenn Freeman (conch shells) interpretan “Two3” sobre la orquesta para completar de manera magistral “Two3 and 108”. Un disco imprescindible.

Escuchando:
John Cage – 108·109·110 (OgreOgress 2011)
MIMEO – Music in Movement Electronic Orchestra (Perdition Plastics 1999)
Michael Pisaro – Fields have ears (Another Timbre 2010)
Christian Wolff – Exercises (Hat Hut 1995)
Jonas Kocher - Materials (Creative Sources 2010)

Pauline Oliveros/Eliane Radigue/Yoshi Wada/Sun Circle – Attention Patterns (Important 2010)

¿En qué quedamos?

Esta fotografía fue tomada el 11 de febrero de 2003 en el acto de presentación del manifiesto contra la guerra. La guerra de Irak estalló finalmente el 20 de marzo de ese año, y el segundo por la derecha en la foto declaró: " Hoy, cada bomba ha atentado directamente contra los valores y los principios de la democracia y del orden jurídico internacional. Hoy, cada bomba ha sembrado la semilla del odio en millones de seres humanos".

Vista hoy, ocho años después, la fotografía no tiene desperdicio. El cartel repite en 21 ocasiones la frase "No a la guerra", sin explicar a qué guerra se refiere, por lo que hemos de pensar que se refiere a la guerra en general, es decir, a todas las guerras. Si no, el cartel debería haber mencionado "No a la guerra tal o a la guerra cual". Pues bien, ocho años después, el segundo por la derecha de la foto mete a nuestro país en otra guerra, aunque según parece, ésta es una guerra diferente, una "guerra buena", una guerra de playmobil. Un sapo difícil de tragar. Y es que al final, el tiempo siempre pone a cada uno en su sitio.

Y el primero por la derecha fumándose una pipa (¿de la paz?) en un acto público, algo que ocho años después sería considerado como un delito con su correspondiente "multita". Y las botellas de agua "tiradas" literalmente por la mesa. ¡Qué cruel es la memoria, amigos! (forgotten memories).

Sendai

Sendai-shi. Bonita ciudad del norte de Japón, conocida por los japoneses como la ciudad de los árboles (mori no miyako). Capital de la prefectura de Miyagi. Fundada en 1600 por un samurai, Date Masamune. Un millón de habitantes. 360 km al norte de Tokyo, o sea, a poco más de una hora en shinkansen (tren bala).

Quienes sigan este blog sabrán de mi admiración por la cultura y la gastronomía japonesas. Por motivos profesionales he viajado en bastantes ocasiones a Japón, casi siempre a visitar a uno de nuestros mejores clientes, que tiene sus oficinas centrales en Sendai. Viajaba a Tokio en avión y desde Tokio a Sendai en shinkansen. Siempre me pareció una ciudad bastante más pequeña y tranquila de lo que puede esperarse de una ciudad de un millón de habitantes. Al margen del trabajo, recuerdo lo difícil que era comunicarse con sus habitantes, y lo complicado que ear encontrar gente que hablase un idioma mínimamente inteligible. Incluso pedir la comida en los restaurantes era un verdadero lío. Luego venían las sorpresas. Es lo que ocurre en Japón cuando te alejas de Tokio. A pesar de la fama de viajeros que tienen, los idiomas no son el punto fuerte de los japoneses. Pero guardo muy buenos recuerdos de Sendai.

Hasta el pasado viernes Sendai era un perfecta desconocida para la mayor parte de los habitantes de este planeta. Pero ese día Sendai entró tristemente en la historia por haber soportado uno de los más feroces terremotos de todos los tiempos, al que las autoridades japonesas han denominado "terremoto de la costa Pacífico de la región de Tôhoku 2011", un terremoto de intensidad 9 en la escala Richter que además provocó un violento tsunami con olas de hasta 12 metros.

Las imágenes han impactado al mundo. Hasta tal punto que parece que lo de Japón es lo único que sucede en el mundo en estos días. Pero también han mostrado a un pueblo envidiable, un pueblo donde la mezquindad brilla por su ausencia. Todavía tengo amigos en Sendai a los que he contactado y todos me han confirmado que tanto ellos como sus familias están bien (dentro de lo que cabe, por supuesto), aunque no saben que les deparará el futuro. Desde aquí les deseo lo mejor, como a todo el pueblo japonés. Estoy seguro que sabrán salir adelante. 

Piano, violin, viola, cello

Piano, violin, viola, cello. En principio puede parecer una simple enumeración de instrumentos musicales, pero en realidad se trata del título de la última composición que escribió Morton Feldman. La terminó el 28 de mayo de 1987, apenas tres meses antes de su muerte el 3 de septiembre de ese mismo año.

Siempre me han llamado la atención un par de cosas de esta composición. En primer lugar, el título, ya que lo lógico sería que se llamase “Piano, violín, viola and cello”. Y en segundo lugar, que siendo una composición tan feldmanesca y además la última que escribió el genio neoyorkino, hasta la fecha solamente había sido publicada una grabación de la misma, la realizada por miembros del Ives Ensemble para el sello suizo Hat Hut, John Snijders (piano), Josje Ter Haar (violin), Ruben Sanderse (viola) y Job Ter Haar (cello). La grabación de este disco se realizó el 3 y 4 de febrero del 1994 en el Sandersaal de Frankfurt, el CD fue publicado en 1995 y desde hace tiempo está descatalogado. El propio sello Hat Hut ha anunciado que va a reeditar esta grabación, pero de momento no hay fecha prevista.

Por eso ha sido una agradable sorpresa que hace unos días el sello holandés BVHaast haya publicado otra grabación de “Piano, violín, viola, cello”, realizada el día de su estreno mundial el 17 de junio de 1987 en el Kloveniersdoelen de Middelburg (Holanda), grabación realizada en presencia del mismísimo Feldman. La premiere de esta composición corrió a cargo de la omnipresente Aki Takahashi (piano), Mifune Tsuji (violín), Matthijs Bunschoten (viola) y Tadashi Tanaka (cello), todos músicos desconocidos para quien esto escribe, excepto Aki Takahashi. Como hemos dicho al principio, Feldman terminó la composición el 28 de mayo y esta grabación se realizó el 17 de junio, o sea, apenas 20 días después. ¡Pero si casi no tuvieron tiempo los músicos de estudiar la partitura!

“Piano, violín, viola and cello” fue la última composición de Feldman, y tiene mucho en común con la mayoría de las obras que escribió en los años 80, a las que se conoce como “late pieces” (For Bunita Marcus, Triadic Memories, Patterns in a chromatic fields, Trio, Piano and string quartet, ….). En “Piano, violín, viola and cello” el ritmo es más lento que en sus obras anteriores, lo que nos indica que Feldman estaba en un proceso “ralentizador” de su música, lo que le hacía distanciarse, musicalmente hablando, cada vez más de otros compositores contemporáneos. Las cuerdas van creando una especie de colchón sonoro (en la línea del SQII del propio Feldman) sobre el que el piano se despereza con notas desganadas, perezosas, claustrofóbicas diría yo, pero de una belleza incontestable. Es una música difícil que requiere concentración y no creo yo que sea la más adecuada para introducirse en el universo Feldman, pero una vez dentro, estaremos de acuerdo en que se trata de una de sus composiciones más personales.

No sabría con cual de las dos grabaciones quedarme. La de Hat Hut es más viva y más rápida (75’50”), como si estuviera grabada más de cerca, como casi siempre ocurre con las interpretaciones del Ives Ensemble. La de BVHaast es más lenta (84’39”), desganada y claustrofóbica, y parece como si hubiera sido grabada desde más lejos.

Solamente está disponible la de BVHaast, y para quién esté interesado, puede adquirirse aquí.

Escuchando:
Morton Feldman – Piano, violin, viola, cello (BVHaast 2011)
Alvin Curran – Solo works: the ‘70s (New World 2011)
Erik Satie - Trois Sarabandes et Six Gnossiennes (Nato 2007)
Erik Satie - 42 vexations (Sub Rosa 2009)
Iannis Xenakis – Works with piano (Mode 2010)
Ferran Fages/Robin Hayward/Nikos Veliotis – Tables and stairs (Organized Music from Thessaloniki 2011)

Kunsu Shim

Mi primer contacto con la música de Kunsu Shim se produjo allá por el año 2005. El ensemble alemán Zeitkratzer, del que ya he escrito aquí hace unos meses, había sacado al mercado un extraño disco llamado “Die kraft der negation” en el sello Volksbühne Recordings (Volksbühne es un teatro en la Rosa-Luxemburg-Platz de Berlín, y el sello se dedica a sacar grabaciones realizadas en dicho teatro). El disco en cuestión había sido grabado en dicho teatro el 30 de junio del 2002. ¿Y por qué digo un extraño disco? Porque contenía dos versiones de otros tantos temas de los industriales Throbbing Gristle y los electro-punks Suicide, y cuatro composiciones de compositores tan dispares como John Cage, Helmut Lachenmann, Terre Thaemlitz y .... Kunsu Shim. Todos estos nombres eran conocidos para mí excepto el de Shim, que aportaba al disco una composición de 1994 llamada “Man lässt dinge fallen und beobachtet sie - ein herbstmusik”, algo así como “Puedes ver como caen las cosas – Un musical de otoño”. que no es más que eso, el sonido de ciertos objetos que caen y colisionan con diferentes superficies. Y silencios, por supuesto. En la línea de Branches (1976) de John Cage y Stones (1995) de Christian Wolff. Escuché varias veces el disco, no me gustó mucho, y lo olvidé.

Al año siguiente entré en contacto con el sello Wandelweiser, y en los cinco años que han pasado desde entonces me he hecho con buena colección de discos de este sello. Entre ellos, un disco del Ensemble Q-O2, grabado en Bruselas en 1998, en el que interpretan, además de composiciones de los Wandelweiserianos Burkhard Schlothauer, Manfred Werder y Carlo Inderhees, otras dos composiciones de Kunshu Shim: “Relations” (1995) para violín, viola y violoncello, y “Chamber piece No.1” (1994) para voz, flauta, clarinete, violín, viola y violoncello. Relations es una composición muy austera de cinco minutos de duración en la que Silvia Tentori Montalto, Gabriella Strümpel y Julia Eckhardt producen sonidos muy secos y rasgados en las cuerdas de sus instrumentos, violin, violoncello y viola respectivamente. Pero lo más curioso es que Chamber Piece No.1, una composición para voz y cinco instrumentos, solo dura ¡cuatro segundos!. Un gritito, una nota ... y se acabó. Este ha sido un disco que he escuchado muchas veces en los últimos tiempos. Así que a principios de febrero decidí investigar un poco más sobre Kunsu Shim, y me encontré con que el sello alemán Edition Zeitklang tenía editado, desde 2007, un disco de Shim con dos composiciones para piano. Así que lo pedí, junto con el que el gran cellista Rohan de Saram sacó en el mismo sello en 2009 con composiciones de Berio, Gehlhaar, Steinke, Zimmermann, Xenakis, Ruzicka y Pröve.

Kunsu Shim nació en Corea de Sur en 1959. A principios de los 80 estudió composición con Iyong La, y en 1985 se trasladó a Alemania, donde estudió dos años con Helmut Lachenmann. Entre 1989 y 1992 estudió con Nicolaus A. Huber, cuyo lenguaje musical “simple, pero fuerte” causó un gran impacto en el joven Shim. A partir de ahí su estilo musical cambió radicalmente, en parte influenciado por la vanguardia americana, Feldman y Cage principalmente, lo que le llevó a incorporarse al colectivo Wandelweiser en 1994. Con los compositores de este colectivo (Antoine Beuger, Jürg Frey, Chico Mello y Thomas Stiegler entre otros) Shim compartía actitudes estéticas básicas como el silencio y la simplicidad. Abandonó el colectivo en 1999, y desde entonces vive y trabaja en Alemania con su compañero Gerhärd Stabler.

El disco en cuestión contiene dos composiciones de Shim: “trace, elements (IIa)” para piano y cuatro manos (2005), y “54 things” para piano solo (2005), interpretadas magistralmente por Aya & Kozue Ara, pianistas japonesas que en el momento de la grabación de este disco tenían 28 y 26 años respectivamente.

Las dos composiciones consisten en una sucesión de acordes interpretados muy suavemente y a los que se hace resonar con el pedal a mitad. Estos acordes están agrupados de acuerdo a principios estructurales o divididos por silencios. “trace, elements (II)” es una de las cinco partes de un ciclo, en las que el piano es el instrumento central. Es esencialmente un estudio de la similitud entre acordes de siete y nueve notas. Los acordes están divididos en dos grandes grupos separados por un silencio de entre 60 a 90 segundos, durante los cuales el pedal es pisado. “54 things” está dividida en 54 partes, cada una de las cuales está a su vez dividida en cuatro secciones agrupadas en 3+1 por dos pausas y una doble pausa. Aya Ara interpreta en el disco las doce primeras partes de esta composición.

Es un gran disco en el que se aprecian claramente las influencias de Cage y Feldman (sobre todo de sus últimos años) y del colectivo Wandelweiser, del que Shim formó parte durante seis años. El propio Shim lo describe así: “El silencio es especialmente significativo: agudiza nuestra percepción de los pequeños detalles y hace que parezca que las cosas cotidianas hablan. Esto requiere una escucha muy paciente”. “54 things nos recuerda a la serie “Ten thousand things” de John Cage, que se refiere al antiguo concepto cosmológico chino wan wu (10.000 things), que niega la distinción entre cosas primarias y secundarias (o pensamientos primarios o secundarios), y respeta cada cosa por su singularidad. Esto está también muy bien expresado en el poema de William Blake con el que Shim encabeza la partitura de “54 things”:

Cada grano de arena,
cada piedra en la tierra,
cada colina, cada piedra,

cada pequeña gota de agua,
cada planta, cada árbol,
la tierra, el espacio y el mar,
las nubes, las estrellas,
son seres humanos, brillando desde lejos.

Escuchando
Kunsu Shim - trace, elements (IIa)/54 things (Edition Zeitklang 2007)
Rohan de Saram - Berio/Gehlhaar/Steinke/Zimmermann/Xenakis/Ruzicka/Pröve (Edition Zeitklang 2009)
Ensemble Q-O2 – Shim/Schlothauer/Werder/Inderhees (Wandelweiser 2001)
Manfred Werder - Ein(e) Ausführende(r) Seiten 218-226 (Wandelweiser 2006)
Antoine Beuger – Keine fernen mehr (Wandelweiser 2010)
AMM - Live Università La Sapienza di Roma, 11th March 2008 (No label)